BLOGUE DO JEZIEL

PROJETO KABUKI

2011-02-02T18:23:00.000-08:00

Ministério da Cultura em 2011 terá 20% a mais do que em 2010

2011-01-07T06:54:00.000-08:00

Mais de R$ 1,6 bi. Esse é o orçamento do Ministério da Cultura para o ano de 2011, que foi enviado ao Congresso Nacional. Esse valor representa um aumento de 20% em relação ao orçamento de 2010, orçado inicialmente em pouco mais de R$ 1,3 bi. Mas o valor investido na área ultrapassou os R$ 2,2 bilhões, pois emendas parlamentares garantiram um aumento de R$ 855,6 milhões.
Do total de R$ 2,2 bi, cerca de 80%, ou seja, R$ 1,8 bi fazem parte do chamado orçamento discricionário, que exclui os gastos obrigatórios (pessoal, dívida, precatório). Os valores disponibilizados para cobrir esses custeios não ultrapassaram os R$ 500 milhões.
Do orçamento inicial, de R$ 1,8 bi, R$ 942 milhões foram autorizados e R$ 827 milhões estavam empenhados em 24 de novembro. Ou seja, não haviam sido pagos, mas estavam reservados para provimento de ações, programas e políticas do Ministério.
Fundo Nacional de Cultura
Já o orçamento do Fundo Nacional de Cultura em 2011 será de mais R$ 326 milhões. Desde agosto, lei sancionada pelo então presidente da República Luiz Ignácio Lula da Silva, protege os recursos do FNC. O Ministério da Cultura conseguiu, em negociação com o Congresso Nacional, criar uma emenda protegendo o FNC de qualquer forma de contingenciamento.
Em 2007, foram disponibilizados R$ 472,8 milhões do FNC para serem investidos em programas e projetos culturais no ano de 2008. O valor investido em 2009 – aprovado em 2008 – subiu para R$ 523,3 milhões. No ano de 2010 – aprovado na LDO de 2009 – o Ministério da Cultura conseguiu R$ 898,1 milhões para o FNC.
(Marcos Agostinho, Comunicação Social/MinC)

A ARTE NA GUERRA

2010-11-13T03:22:00.000-08:00

Meus compadres e minhas comadres.
Minha amiga Marville Palis, excelente flautista, chorona (toca chorinho), me mandou um post que exibo abaixo para mostrar o quanto a música é necessária nesse mundo modificado.

Mozart reduz criminalidade em shopping de cidade da Nova Zelândia

Alto-falantes com música clássica foram colocados no estabelecimento.
Ocorrências diminuíram de 77 por semana em 2008 para duas em 2010.

Um compositor do século XVIII está ajudando a polícia de uma cidade da Nova Zelândia a combater o crime, informou nesta segunda-feira (8) a agência de notícias nacional. Segundo uma reportagem do jornal "New Zeland Herald", a introdução de alto-falantes que tocam Wolfgang Amadeus Mozart e outras músicas clássicas em um shopping de Christchurch em junho de 2009 levou a uma diminuição na taxa de criminalidade.

Uma comparação revela que o número de ocorrências atendidas pelos seguranças diminuiu de 77 por semana em outubro de 2008 para apenas duas neste ano. Incidentes envolvendo drogas e álcool caíram de 16 em 2008 para zero neste ano, e o número de vezes que seguranças tiveram que ajudar lojistas com clientes problemáticos caiu de 35 para zero.

As estatísticas incluem, segundo a reportagem, incidentes atendidos em quatro ruas nas proximidades do shopping e dentro do estabelecimento. Segundo um oficial de polícia local, Gordon Spite, "a música tem tido efeito calmante."

Todos ao 3º Fórum

2010-11-04T13:42:00.000-07:00

Novo Fundo Nacional da Cultura levará 7 vezes mais verba ao setor

2010-11-02T17:36:00.000-07:00

O novo Fundo Nacional da Cultura ampliará de R$ 40 milhões para R$ 296 milhões os recursos destinados à cultura. A informação é do secretário executivo adjunto do Ministério da Cultura, Gustavo Vidigal, que participou dia 20 de outubro da reunião do Conselho Nacional de Política Cultural na qual foi estipulado o aumento.

Vidigal disse que, além do aumento dos recursos, o fundo possibilitará maior participação da sociedade civil. “O orçamento será gasto através de editais públicos. Os comitês setoriais acompanharão a fiscalizarão e execução dos recursos”, afirmou.

Os recursos serão distribuídos em oito fundos setoriais, nas seguintes áreas: Acesso e Diversidade; Ações Transversais; Artes Visuais; Inovação Audiovisual; Circo, Dança e Teatro; Livro, Leitura, Literatura e Língua Portuguesa; Música; e Patrimônio e Memória.

Segundo o representante da área Acesso e Diversidade, Chico Simões, a sociedade civil está avançando nas discussões da destinação dos recursos públicos. “Há anos, revindicamos a participação da sociedade no uso dos recursos públicos. Antes, o dinheiro era usado como um balcão de negócios. Com este novo formato, a sociedade civil estará presente.”

Para o conselheiro do colegiado Teatro, Márcio Silveira, o mais importante é a possibilidade de participação dos diversos setores beneficiados. “Fomos consultados para a reformulação do fundo. O teatro nunca foi ouvido antes”, disse.

O plano de trabalho do Fundo Nacional de Cultura foi lançado dia 20 de outubro pelo ministro da Cultura, Juca Ferreira, no segundo dia de reunião do Conselho Nacional de Política Cultural.

Fonte: Agência Brasil

Adorno e a "música nova" do século 20

2009-06-08T03:59:00.000-07:00

A história da música erudita no século 20 pode ser dividida em dois períodos: antes e depois de 1949. Foi neste ano – curiosamente na metade do século – que o filósofo e sociólogo alemão Theodor W. Adorno lançou sua obra emblemática "Filosofia da Nova Música" (Philosophie der Neuen Musik).

A expressão alemã Neue Musik (música nova) virou sinônimo de música erudita com conotação de música de vanguarda. Em português essa expressão é traduzida como “música contemporânea”. Ou seja, a obra de Adorno deveria chamar-se Filosofia da Música Contemporânea.

Mas, deixando de lado as terminologias, tentemos entender por que a reflexão musical de Adorno foi tão marcante para o destino da música erudita da segunda metade do século 20. Antes disso, passemos rapidamente em revista as transformações ocorridas na linguagem musical:

Do dodecafonismo à música digital

Tudo começou com a chamada “Segunda escola de Viena”, inaugurada pelo compositor austríaco Arnold Schoenberg (1874-1951) e seus dois principais alunos: Anton Webern (1883-1945) e Alban Berg (1885-1935).

No início do século 20, os compositores eruditos buscavam alternativas para substituir o sistema tonal, que marcara a história da música desde inícios do século 17.

Depois do período romântico, a música erudita estava num beco sem saída, e os compositores buscavam outros caminhos. Por exemplo, o impressionismo musical (Claude Debussy), o politonalismo (Darius Milhaud), as tendências nacionalistas (Béla Bartok, Villa Lobos) e, sobretudo, o atonalismo, praticado por Arnold Schoenberg no início de sua obra.

No início da década de 20, Schoenberg teve a grande idéia de inventar um sistema para compor música atonal: o dodecafonismo. Este sistema está baseado na utilização de uma série de 12 notas que, à maneira de uma célula, se reproduz e organiza assim toda a obra musical.

A música de Webern constitui a expressão mais radical da estética dodecafônica. Ao invés de melodias, suas obras são verdadeiras composições de timbres: ou seja, cada som é valorizado na sua individualidade. As músicas de Webern, extremamente curtas, se ouvem como cristais sonoros.

A partir da década de 50, o “serialismo” impôs-se como sistema de composição de música erudita. A princípio ele foi adotado de forma ortodoxa por compositores como o francês Pierre Boulez, o belga Henri Pousseur e o alemão Karlheinz Stockhausen. Posteriormente, por seus discípulos.

A ortodoxia da fase inicial do serialismo foi abandonada e as linguagens musicais se diversificaram em várias direções. Por exemplo: através da música eletrônica, do teatro musical, da integração de novas mídias como o computador, o rádio e a televisão, novas técnicas instrumentais e também, as contribuições da música popular, do jazz e das tradições musicais do mundo.

O compositor progressista e o reacionário

A Filosofia da Nova Música analisa os novos caminhos da música do século 20 no cenário de uma sociedade cada vez mais dominada pela cultura de massas. As novas mídias transformam não só a música, mas a concepção de obra de arte.

Esta questão já havia sido levantada por Walter Benjamin (1892-1940) no seu profético artigo de 1933 – A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica. Benjamin previu a ascensão da indústria cultural, o processo de comercialização da arte e a utilização dos objetos artísticos como instrumento de manipulação das massas.

Qual deve ser a posição do “artista” em relação à cultura de massas e diante do processo de banalização dos valores culturais? Esta é, precisamente, a questão colocada por Adorno no seu livro.

Sua resposta foi a seguinte: o compositor “progressista”, engajado com a própria arte, não tem outra alternativa senão a atitude negativa de opor-se a tudo que seja “fácil”, tudo que seduza, por assim dizer, a audição. Adorno defende o radicalismo de Schoenberg que, através do dodecafonismo, insurgiu-se contra o sistema tonal e contra o “ranço” da tradição, abrindo novos caminhos.

O compositor “reacionário”, na opinião de Adorno, é aquele que se deixa seduzir pela cultura de massas, buscando o sucesso através de fórmulas conhecidas a fim de agradar ao público. O russo Igor Stravinsky (1882-1971), compositor eclético que escreveu tanto obras arrojadas como peças tonais, tornou-se, aos olhos de Adorno, o exemplo emblemático do músico reacionário, comodista.

Música erudita e popular

A dicotomia entre Schoenberg e Stravinsky, que causou tanta polêmica, é hoje um problema resolvido. O mérito de Stravinsky é mais do que reconhecido e o de Schoenberg foi relativizado.

Mas o problema levantado por Adorno permanece, ainda hoje, como a questão fundamental da música erudita contemporânea. O século 20 ficará na história como o período em que a criação musical erudita isolou-se da cultura de massas, perdeu público e virou uma arte de elite. Isto aconteceu em todos os lugares: na Europa, nos Estados Unidos e também no Brasil.

Esta tendência contrasta drasticamente com a explosão da música popular no âmbito da cultura de massas. A música pop não é apenas um gênero musical, mas simboliza todo um processo de comercialização de atitudes, idéias e comportamentos.

No início do século 21, o que faz a diferença em relação à época de Adorno é a revolução tecnológica das mídias de comunicação e informação. O próprio conceito de arte está se transformando devido à sua simbiose com a técnica e o design.

O objeto artístico perdeu completamente a sua aura, fragmentando-se nas partículas sonoras, gestos e pixels das mídias e redes digitais. Novas formas de comunicação musical e metamusical estão surgindo neste processo.

O que será que Adorno diria de tudo isso?

Paulo Chagas

ARTE EXPLANADA: Segundo ano

2009-02-16T14:36:00.000-08:00

A série de concertos comentados, ARTE EXPLANADA, em seu segundo ano de programação trás ao público uma agenda para 2009 que colocará Uberaba em sintonia com o calendário musical do Brasil.
A série é apresentada pelo grupo musical ACUAS-Ensemble que é formado por dois violinos, viola, violoncelo, contrabaixo, flauta e piano e ainda músicos convidados.
A série de concertos para 2009 será apresentada no último domingo de cada mês, excetuando os meses de abril e novembro onde ocorrerá nos penúltimos domingos, no Teatro Sesiminas, sempre no horário das 10:30h. da manhã, com ingressos a R$ 10,00 e R$ 5,00.

CALENDÁRIO DA SÉRIE ARTE EXPLANADA PARA 2009

19 DE ABRIL
NAS TRILHAS DO CINEMA
A história do cinema através das trilhas sonoras que marcaram época desde o cinema mudo aos tempos atuais.

31 DE MAIO
CAINDO NO CHORO
Apresentação do grupo ChoroCultura que será homenageado pelos seus 15 anos.
No concerto será contada a história desse gênero musical popularmente chamado de chorinho.
Com mais de 130 anos de existência é considerado a primeira música popular urbana típica do Brasil.

Participações especiais do Bandolinista TIAGO SANTOS e da flautista MARVILE PALIS.

28 de JUNHO
F. MENDELSSOHN
Comemoração do bicentenário de nascimento de Félix B. Mendelssohn, importante compositor do romantismo alemão do Século XIX, responsável também pela redescoberta da música de J.S.Bach.

Participação Especial: Sylvio Robazzi (piano)

26 DE JULHO
G. F. HANDEL
Concerto em homenagem aos 250 anos do falecimento de George Friedrich Handel.
Vida e obra deste que é considerado um dos mais importantes compositores da história da música universal.

30 DE AGOSTO
A CULTURA POPULAR BRASILEIRA
No mês em que se comemora o Dia Nacional do Folclore a série Arte Esplanada trás à público uma apresentação que remonta nossa história cultural desde a vinda do Romanceiro Ibérico.
O evento contará com as participações especiais de Véio da Rabeca (Jeziel Paiva) e Renato Gagliardi (Viola-Caipira).

27 DE SETEMBRO
A ARTE CONTEMPORÂNEA
A Arte do nosso tempo mostrada e comentada de forma acessível através de obras dos mais expressivos artistas do Século XX e as tendências e paradigmas para este século.

25 DE OUTUBRO
O BOM MAESTRO
Concerto comemorativo ao centenário de nascimento do Maestro e compositor Alberto Frateschi, fundador do Conservatório Estadual de Música Renato Frateschi de Uberaba.

22 NOVEMBRO
VILLA-LOBOS
Concerto em homenagem ao maior expoente da história da música brasileira pela passagem do cinquentenário de seu falecimento.

A série Arte Explanada é uma realização conjunta da ACUAS – Associação Cultural Antenógenes Silva e do CCJMB – Centro de Cultura José Maria Barra – SESI – Uberaba.

Orquestra de Ribeirão Preto e Coral de Uberaba fazem um "Natal Brasileiro" na Galeria do Teatro Sesiminas

2008-12-02T11:27:00.000-08:00

A Orquestra Ribeirãopretana de Espetáculos e o Coral Meninos Cantores de Uberaba irão se apresentar no próximo dia 17 de dezembro, na Galeria do Centro de Cultura José Maria Barra, concerto entitulado "Natal Brasileiro".

No programa obras musicais alusivas à data natalina de compositores brasileiros, como: Jeziel Paiva, Samuel Kerr, Vilma Camargo, além de composições de gênios da musica universal como Rimsky-Korsakov, Mascagni, Bach, entre outros.

O concerto terá a participação especial do violista Thiago Franco que interpretará junto com a Orquestra o Concerto para Viola em Sol Maior de G. F. Telemann.

O Coral Meninos Cantores de Uberaba que é coordenado por Cristina Arruda e Rosana Caetano é formado por jovens das escolas municipais Reis Júnior e Monteiro Lobato e estão inseridos no projeto "Canto Coral" da Secretaria Municipal de Educação de Uberaba.

CONCERTO "NATAL BRASILEIRO"
Data: 17/12/2008
Horário: 21 horas
Local: Teatro SESIMINAS (Galeria)
Ingressos: R$ 10,00 e R$ 5,00

Realização:
ÁCUAS (Associação Cultural Antenógenes Silva) e Centro de Cultura José Maria Barra-SESI Uberaba

ABAIXO A DITADURA

2008-10-28T07:16:00.000-07:00

Meus compadres e comadres: Minczuk é velho conhecido dos músicos de orquestra desse Brasil. O que ocorreu na Orquestra Sinfônica Brasileira não nos causou estranheza alguma.

Meu desejo é que fatos como este estimulem os demais músicos de orquestra que vivem sob o julgo de dirigentes e maestros déspotas, a cameçarem construir ambientes de trabalho onde impere a cordialidade, o respeito e a democracia substituindo o medo, a arrogância e a vaidade.

Muitos amigos, colegas e ex-colegas deveriam se espelhar nos músicos da OSB. Deveriam lutar contra a opressão, contra a ditadura, que vem se instaurando nas orquestras brasileiras.

Mas vamos ao ocorrido no Rio de Janeiro:

"O ensaio da Orquestra Sinfônica Brasileira (OSB) foi paralisado na noite desta segunda-feira (20) por um protesto dos músicos. Eles promoveram uma votação e pediram o distanciamento do regente, Roberto Minczuk. Dos 62 musicistas, 60 quiseram o afastamento do maestro.

A manifestação foi um repúdio ao comportamento de Minczuck. Fontes ouvidas pelo SRZD dizem que ele é um déspota. Os conflitos se acirraram no começo deste ano quando o spalla da orquestra, o músico mais importante depois do maestro, teve que se afastar por motivos de saúde. Na volta, o regente teria dito: "velho e doente, você vai ser demitido".

A secretária de Minczuk informou que ele não iria à sede da OSB nesta terça (21), e que qualquer outra pergunta deveria ser encaminhada à assessoria de imprensa. "A orquestra não foi notificada de nada, mas vou procurar", afirmou Leandro Lannes, responsável pela comunicação da OSB. Minutos depois, Lannes havia saído e não foi encontrado pelo resto do dia.

A OSB é uma orquestra particular que funciona com um sistema de acordo coletivo. O contrato terminou em primeiro de julho e não foi renovado por decisão de Roberto Minczuk, de acordo com as fontes. O fato estaria gerando descontentamento nos integrantes da orquestra. Quando Minczuk assumiu, a OSB começou uma fase de êxito comercial e os músicos tinham esperança que isso representasse, entre outras coisas, aumento nos vencimentos. O maestro teria paralisado a negociação e criado problemas também na administração da orquestra. Sem a renovação do acordo coletivo, os músicos estão com questões - como remuneração por gravações - indefinidas.

O violinista Daniel Passuni não quis comentar o assunto, alegando que é apenas mais um músico da orquestra. "Quem pode falar, apesar de eu não saber se tem autorização, é o chefe da comissão de músicos, Paulo Guimarães", desconversou. Guimarães, todavia, não foi encontrado.

No business da música clássica, as coisas acontecem mais ou menos assim, de acordo com nossas fontes. Agências de concertos colocam seus clientes em orquestras sinfônicas de vários lugares do mundo. Assim, os regentes são avaliados como administram, como fica a qualidade artística, para depois serem levados para outros postos mais importantes. O Brasil é considerado um destes locais em que os regentes são testados.

Antes de Roberto Minczuk, a OSB foi regida pelo argentino Yeruham Scharovsky (hoje radicado em Israel). Os músicos também tiveram atritos com o maestro e conseguiram o afastamento.

Em abril desse ano, a revista Bravo! publicou uma matéria investigando os motivos da explosiva briga entre Minczuk e o maestro John Neschling, regente da Orquestra Sinfônica de São Paulo (Osesp).

Ao comunicar ao chefe que havia assumido a produção artística do Festival Internacional de Inverno de Campos de Jordão (SP), os dois discutiram violentamente. Neschling argumentou que se Minczuk acumulasse mais essa função, além das orquestras regidas no exterior, prejudicaria a Osesp. Minzuck replicou que o motivo da discussão era a inveja do maestro. Desde então, nunca mais trocaram uma palavra.

Segundo o cronograma do site, o próximo concerto da OSB será no sábado (25), com a presença do violonista Yamandú Costa. A produtora de Yamandú, ironicamente, afirmou que a apresentação está confirmada, "a não ser que tenha acontecido algo que eu não saiba".

TRAVESSIA: Do Romanceiro à Zé Côco do Riachão

2008-10-01T09:21:00.000-07:00

O espetáculo “Travessia: Do Romanceiro a Zé Côco do Riachão" será apresentado no Teatro SESIMINAS, dia 11 de outubro, 21 horas, fazendo parte do Projeto Circulação de Espetáculos do Centro de Cultura José Maria Barra, com patrocínio da VALMONT, através da Lei Rouanet (Ministério da Cultura).

É uma viagem pela nossa cultura popular desde a vinda do romanceiro ibérico ao Brasil até os nossos dias, mostrando as manifestações artísticas populares que foram determinantes na construção do nosso legado cultural.

JEZIEL PAIVA conta a história da nossa gente escrita nas poesias caboclas, causos e cordéis dos nossos maiores poetas populares e nas músicas dos cantadores e rabequeiros.

Utilizando a rabeca, primeiro instrumento trazido pelo colonizador, Travessia mostra os momentos mais significativos da cultura popular, correspondentes aos ciclos do gado, do cangaço, das secas e na relação mais íntima do homem com os sertões.

No programa obras musicais de domínio público (Séculos XVIII e XIX), de Zé Côco do Riachão, Elomar, Beira D’água, Villa-Lobos, Antenógenes Silva, Gereba, Guerra-Peixe, Geraldo Vandré e outros, e ainda as poesias caboclas e cordel de José Pacheco, Zé Laurentino, Pompílio Diniz, Chico Pedrosa, Zé Limeira e textos extraídos das obras de João Cabral de Melo Neto e João Guimarães Rosa.

O espetáculo conta com as participações especiais dos músicos Marcelo Taynara (violão e percussão) e Carlos Tampa (percussão) e ainda do Quarteto de Cordas de Ribeirão Preto, grupo camerístico fundado há 15 anos.

JEZIEL PAIVA
Apresenta-se com rabeca construída pelo Sr. Nelson dos Santos (Nelson da Rabeca), de Marechal Deodoro, Alagoas, além de uma viola-de-arco alemã, de 200 anos, com a qual tocou nas orquestras: do Teatro Nacional Cláudio Santoro de Brasília, Orquestra Sinfônica da Bahia e de Ribeirão Preto.

Na Bahia aprofundou suas pesquisas e desempenhou importante trabalho dentro da cultura popular participando de cantorias, realizando gravações e arranjos e apresentando-se com diversos cantadores pelos sertões nordestinos.

Tem atuado em rádios e televisões com programas e apresentações destinadas à difusão da nossa cultura popular sertaneja e realizando palestras sobre o tema.

Em 2003 foi homenageado pela Câmara Municipal de Ribeirão Preto recebendo o diploma de “Honra ao Mérito Cultural”.

É professor e arte/educador nas cidades de Uberaba e Ribeirão Preto bem como violista do grupo musical ACUAS-Ensemble e Presidente da Associação Cultural Antenógenes Silva-ACUAS.

ARTE EXPLANADA: O Modernismo

2008-09-07T12:08:00.000-07:00

Dia 21 de setembro (domingo), às 10 e 30 da manhã, no Teatro Sesiminas, acontece mais uma edição da série de concertos comentados "Arte Explanada".

A Apresentação é do grupo musical ACUAS-Ensemble que irá mostrar as artes do período chamado MODERNISMO através da música dos seus mais influentes compositores e as artes visuais que marcaram cada tendência desse período tão rico da história das artes.

Serão interpretadas obras dos compositores Debussy, Bela Bártók, Villa-Lobos, Ernani Aguiar, Guerra-Peixe, Cláudio Santoro e John Cage.

No telão serão projetadas obras de pintores a partir do Impressionismo, como: Manet, Sisley, Cézanne, Pablo Picasso, Mondrian, Paul Klee, entre outros; esculturas de Brecheret, obras arquitetônicas de Oscar Niemeyer, mostrando a sintonia entre todas as linguagens do período.

O Arte Explanada de setembro dará ênfase ao modernismo no Brasil mostrando todo o processo que culminou na Semana de Arte Moderna de 1922 bem como seus desdobramentos.

O evento é fruto da parceria ACUAS-Centro de Cultura José Maria Barra-SESI e conta com o apoio cultural da WG Produções.

Os ingressos custam R$ 5,00 e podem ser adquiridos antecipadamente no Centro de Cultura José Maria Barra ou na bilheteria do Teatro Sesiminas a partir de meia hora antes do evento.

Espero vocês lá.

ARTE EXPLANADA: a vez do Romantismo

2008-07-27T17:42:00.000-07:00

Meus compadres e comadres. Mais uma vez convido a todos a assistirem ao próximo concerto da série ARTE EXPLANADA, dia 10 de agosto, às 10:30h., no Teatro Sesiminas, com o ACUAS-Ensemble.

Chegou a vez do Romantismo! A arte do século XIX será o assunto do terceiro concerto comentado da série onde vamos interpretar músicas de Peter Tchaikovsky, Frédéric Chopin, Franz Schubert, Pietro Mascagni, Alberto Nepomuceno, Johann Strauss Jr e Jean Sibelius. Também mostraremos obras de pintores como Eugene Delacroix, Théodore Géricault, Willian Turner, John Constable, Caspar David Friedrich, Vitor Meirelles, Pedro Américo, entre outros.

Além das músicas e pinturas serão projetadas abras de escultura e arquitetura do período.

Os ingressos já estão sendo vendidos ou podem ser adquiridos a partir de meia hora antes do evento e custam somente R$ 5,00.

A série ARTE EXPLANADA é realizada pela parceria ACUAS / Centro de Cultura José Maria Barra - SESI Uberaba.

O patrocínio é da Citröen

2008-07-27T17:09:00.000-07:00

ARTE EXPLANADA: O CLASSICISMO DO SÉCULO XVIII

2008-06-15T05:38:00.000-07:00

Meus compadres e comadres:
Convido a todos para assistirem dia 29 de junho, domingo, às 10 e meia da manhã, no Teatro Sesiminas, o segundo concerto comentado da série Arte Explanada, que a ACUAS em parceria com o Centro de Cultura José Maria Barra, vem apresentando mensalmente.

No mês de maio mostramos as artes do Século XVII (Barroco) e agora as artes do Século XVIII conhecido como período neoclassico ou arcadismo como é chamado na literatura.

As músicas serão interpretadas pelo ACUAS-Ensemble formado por violinos, viola de arco, violoncelos, contrabaixo, piano e flauta que se apresentará em várias formações instrumentais, tais como: trio, quarteto, quinteto e camerata mostrando o seguinte programa:

MOZART - Trio para Violino, Violoncelo e Piano
BEETHOVEN - Quarteto de Cordas em Dó Menor op. 18 n. 4
BOCCHERINI - Minueto (do Quinteto em Lá Maior)
MOZART - Divertimento n. 1
HAYDN - Concerto para Violoncelo e Cordas
Solista: Laura Mac-Knight

Além das músicas dos grandes mestres serão abordados aspectos sociais da época bem como projeção em data-show de obras arquitetônicas e pinturas de artistas como: Canaleto, Gainsborough, Reynolds, Ingres e David.

É ou não é um belo programa para domingo de manhã?

TRAVESSIA NO TEU

2008-05-26T19:10:00.000-07:00

Meus compadres e comadres de Uberaba.
Nessa sexta-feira, dia 30 de maio, às 20 horas, com entrada franca, no Teatro Experimental de Uberaba - TEU, estarei apresentando meu trabalho de cultura popular TRAVESSIA-Cantoria de Rabeca que está sendo promovido pelo SESC.

O espetáculo “Travessia” é uma viagem pela nossa cultura popular desde a vinda do romanceiro ibérico ao Brasil até os nossos dias. Abordando as artes populares, literária e musical, que foram determinantes na construção do nosso legado cultural, vou contar a história da nossa gente escrita nas poesias caboclas e cordéis dos nossos maiores poetas populares e nas músicas dos cantadores e rabequeiros.

Utilizando a rabeca e a viola caipira, primeiros instrumentos trazidos pelo colonizador, Travessia mostra os momentos mais significativos da cultura popular, correspondentes aos ciclos do gado, do cangaço, das secas e na relação mais íntima do homem com os sertões.

No programa obras musicais de domínio público e de Zé Côco do Riachão, Beira D’água, Villa-Lobos, Antenógenes Silva, Gereba, Angelino de Oliveira, Raul Torres, Geraldo Vandré e outros, e ainda as poesias caboclas e cordel de José Pacheco, Zé Laurentino, Pompílio Diniz, Zé Limeira, João Cabral de Melo Neto e João Guimarães Rosa.

Travessia vem conquistando platéias pela sua originalidade, ao mesmo tempo em que presta um importante depoimento de afirmação da nossa cultura popular.

O espetáculo conta com a participação especial do músico Luciano Duarte bacharel em música pela Unicamp executando viola-caipira de 10 cordas e violão.

ARTE EXPLANADA NO TEATRO SESIMINAS

2008-05-14T13:19:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.

No próximo domingo, às 10 horas da manhã, no Teatro Sesiminas, com ingresso a preço promocional de R$ 5,00(preço único) esteremos dando inicio a esta série de concertos comentados que tenho certeza será magnifica.

A ACUAS e o SESI (Centro de Cultura José Maria Barra), entidades parceiras na execução de atividades culturais em Uberaba, promoverão durante o ano de 2008 a série ARTE EXPLANADA - que faz parte do seu programa de formação de platéia.

A série ARTE EXPLANADA será apresentada uma vez por mês e em cada evento abordará um período histórico da História das Artes com músicas dos compositores correspondentes e projeção em data show de obras dos mais importantes artistas da pintura, escultura e arquitetura conceituando o desenvolvimento da História da Música, inter-relacionando-o a outras manifestações artísticas através de linguagem acessível ao público.

A primeira apresentação da série enfocará as artes do período Barroco (Século XVII) e terá as participações do “ACUAS-Quinteto de Cordas” formado por Robert Cruz e Marcos Fuzaro (violinos); Jeziel Paiva (viola); Laura McNight (violoncelo) e Rosana Caetano (contrabaixo) e terá as participações especiais de Marvile Palis (flauta) e Cristina Arruda (contínuo).

No evento além da exposição de imagens de obras de Bernini, Rubens, Caravaggio e Aleijadinho serão executadas obras de Pourcel, Vivaldi, Bach e Handel.

Sintam-se convidados

IMPERDÍVEL!!!

II SEMANA NACIONAL DO CHORO

2008-04-23T21:12:00.000-07:00

Meus compadres e comadres: Uberaba está sendo esta semana a capital nacional do choro. Ontem (23/4) foi aniversário de Pixinguinha que em nossa terra é homenageado com uma semana inteira de programação intensa de chorinhos por toda a cidade. Começou na quinta (dia 17) e vai até domingo.

No aniversário de Pixinguinha comemora-se o Dia Nacional do Choro e nada poderia ter sido mais oportuno que a apresentação ocorrida no Calçadão da Rua Artur Machado do Grupo Chorocultura, maior ícone dessa modalidade musical em Uberaba.

Às 19h30 na Sala Cecília Palmério aconteceu o recital: "Choro Didático II" com participação de alunos e professores do Colégio Cenecista Dr. José Ferreira
O recital instruiu-nos a partir de trabalhos de pesquisas e contextualização das obras e compositores executados coordenados pela flautista Marvile Palis.

O II Festival Nacional do Choro acontece até domingo e aqui vai sua programação até lá.

24 de abril de 2008 – Quinta-feira

18h – Apresentação do filme Brasileirinho. Logo após intervenção musical com Roda de Choro
Local: UNIUBE – Anfiteatro do Campus Rodoviária
Avenida Barão do Rio Branco, 770 – Bairro São Benedito

20h30 – Recital: O Choro dos Professores
Participação dos professores do Conservatório Estadual de Música Renato Frateschi
Local: Pátio do Conservatório Estadual de Música Renato Frateschi
Avenida Nelson Freire, 800 - Leblon

26 de abril de 2008 – Sábado

20h30 – Encerramento da II Semana Nacional do Choro
Grande Show com o Grupo Flor de Abacate de Belo Horizonte
Local: Cine Teatro Municipal Vera Cruz
* a abertura do show ficará por conta dos alunos e grandes músicos da cidade!

27/04/2008 - Domingo

À partir das 9h30 - Chorinho no Mercado Municipal

Parabéns mais uma vez ao Fausto Reis e à Marvile Palis

Noite de Gala da Cultura Popular

2008-04-22T03:32:00.000-07:00

Meus compadres e comadres. Foi uma bela noite essa que comemoramos os 50 anos do Festival de Folias de Reis em Uberaba. Muita gente apesar da chuva. Autoridades se juntavam ao público nos risos provocados pelos personagens de Saulo Laranjeira (Véia Messina, Geraldinho, etc) nos aplausos à Dércio Marques, Alexandre Saad e Marcelo Taynara. Por fim veio a Orquestra da ACUAS com o Coral Cidade de Uberaba e a Compahia de Reis do Capitão Jorge Bernardes que não poupou esforços para estar alí em cima do palco assumindo o posto de Capitão de Folia que há três anos havia abandonado por forças do destino. Meu sincero agradecimento e meu eterno respeito a este senhor que dignifica a raça humana. Também aqui vai meu sincero agradecimento à amiga e guerreira Lisete Resende que chamou prá si a responsabilidade de conduzir todos os trabalhos e ao "apaixonado" amigo Gilberto Rezende que sabe tudo de cultura popular e ao mesmo tempo é capaz de cantarolar árias de óperas até de compositores que nunca ouvi falar. Mas, enfim, foi tudo muito bonito e gratificante especialmente para mim que pude estrear uma obra com o pé atolado em nosso chão e emaranhado por nossas raizes.

ACUAS nos 50 anos do Festival de Folia de Reis

2008-04-05T05:47:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.
Com patrocinio da Petrobrás, a Fundação Cultural de Uberaba estará promovendo evento em comemoração aos 50 anos do Festival de Folias de Reis.

Fixada para os dias 12 e 13 desse mês de abril, a festa comemorativa será realizada no Cine Teatro Municipal Vera Cruz.

Na oportunidade será executada em primeira audição minha mais recente composição musical entitulada "Folia" pela Orquestra de Câmera da ACUAS sob minha regência, com participações especiais do Coral Cidade de Uberaba e da Companhia de Reis do Capitão Jorge Bernardes da Silva.

A ORQUESTRA

Este evento de comemoração dos 50 anos do Festival de Folia marca também o lançamento da Orquestra de Câmara da ACUAS. Será lançada com a bênção e proteção dos Santos Reis e com suas bem-vindas cumplicidades.

A Orquestra de Câmara é mantida pela Associação Cultural Antenógenes Silva – ACUAS e é formada por 15 músicos entre maestro, violinos, violas, violoncelos, contrabaixo e baixo-contínuo. Para este evento terá a participação especial da flautista Marvile Palis.

PROGRAMAÇÃO DA FESTA

12 De abril - Início: 19:30h
1. Apresentação da Performance Teatral “Presépio Vivo” com Grupo Eduardo Lima
2. Encenação da Festa de Reis - Alvorada
3. Show “Ritmos e Ritos” com Saulo Laranjeira; Dercio Marques; Marcelo Taynara; Alexandre Saad e Coral Cidade de Uberaba
4. Apresentação da Orquestra de Câmera da ACUAS com participação especial do Coral Cidade de Uberaba e Companhia de Reis do Capitão Jorge Bernardes.

13 de abril - Início: 8h
1. Chegada da Cavalgada de Reis com o Estandarte da festa
2. Benção do Padre e salva de foguetes
3. Apresentação das Companhias de Reis
4. Show de Encerramento com a dupla sertaneja Liu e Léo

PROGRAMAÇÃO PARALELA

- Exposição de Fotografias de Folias de Reis de Paulo Rezende
- Oficina de Mini-Bandeiras de Reis com Rosalina Cardoso, Paulo Rezende, Pablo T. Mack e Andre Andrade
- Distribuição de Folder contando a história da Festa
- Tendas de Artesanato e de Alimentação da Feira Arte/Cultura

Aguarda-se o comparecimento de 100 Companhias de Reis e deverá se constituir no maior espetáculo de devoção e fé nos Três Reis Magos de todo o Brasil.

O espetáculo será gravado em DVD, terá cunho cultural e educacional que fará parte de todas as entidades brasileiras voltadas para o Folclore.

O patrocínio desse evento é da Petrobrás, e a realização é da Fundação Cultural de Uberaba com o apoio do SESC e da Casa do Folclore.

A entrada é franca e irá proporcionar à comunidade a oportunidade de reviver nossas raízes culturais e participar desse momento histórico do Folclore na cidade de Uberaba.

"Sendo Uberaba uma cidade com perfil notadamente de raiz sertaneja, folclórica e tradicional, a realização do Festival de Folias de Reis, parte atuante do acervo e da vocação cultural da região, tem a missão de valorizar os saberes e fazeres populares e promover a sensação de pertencer a um povo. Nada supera a força do registro histórico da identidade de um lugar e o sentimento de “pertencer a um determinado povo num determinado tempo, num determinado mundo".

ENTRE A FICÇÃO E A HISTÓRIA

2008-03-28T06:52:00.000-07:00

Algumas histórias que o Caçador de Pipas não conta

O filme “Caçador de Pipas” apresenta um painel sobre a história recente do Afeganistão, a partir do relato sobre a amizade de dois meninos afegãos. Flutuando entre a imaginação e a história, o filme denuncia monstruosidades mas silencia sobre o papel de alguns dos pais dos monstros que devastaram o país.
Marco Aurélio Weissheimer - Carta Maior

O filme “O Caçador de Pipas”, dirigido por Marc Foster, tem o mérito de apresentar um painel sobre a cultura, as tradições e a vida no Afeganistão, a partir do relato sobre a amizade de dois meninos afegãos. É uma obra de ficção mesclada com uma tentativa de painel histórico sobre um período da história do país que compreende a queda da monarquia nos anos 70, a invasão dos soviéticos e a ascensão dos talibãs ao poder. É aí, em seu pano de fundo histórico, que os méritos definham e os problemas florescem. O filme é uma adaptação do best-seller do médico Khaled Hosseini, nascido em 1965 em Cabul e que vive nos Estados Unidos desde 1980. O livro foi escrito inteiramente na Califórnia. Hosseini só voltou ao Afeganistão depois do livro ter sido lançado, 27 anos após ter deixado o país. Essa distância espacial e temporal ajuda a entender as omissões históricas e a visão generosa do autor com o papel dos EUA na destruição de sua terra natal.

Quando visitou o país, após a publicação de seu livro, Hosseini ficou chocado. “Infelizmente, o que vi por lá era pior do que aquilo que imaginei e narrei. A destruição do país é impressionante, muito triste”, declarou em entrevista à revista Época. No livro (e no filme), o escritor é grato pela acolhida que teve nos EUA. Ao imaginar como poderia ter sido a vida do personagem Hassan, caso tivesse conseguido fugir para a América, escreve que o amigo estaria vivendo em um país “onde ninguém se importa com o fato de ele ser um hazara”. Essa visão, escancarada em todo o filme, mostra os soviéticos e os talibãs como seres monstruosos e pervertidos sexualmente, mas omite alguns “detalhes” históricos relacionados ao papel que os EUA tiveram no fortalecimento dos talibãs e na sua chegada ao poder. Assim como ocorreu com Saddam Hussein no Iraque (contra o Irã), os talibãs também foram aliados dos EUA (na luta contra os soviéticos). O civilizado e laico Ocidente foi cúmplice direto dos terríveis crimes cometidos pelos talibãs.

Guerra pela civilização?
Se Hosseini não tivesse escrito o livro inteiramente na Califórnia, baseado apenas em sua memória e imaginação, talvez tivesse produzido um relato um pouco mais equilibrado historicamente. Ao final do filme, o que fica, do ponto de vista histórico, é o seguinte: a selvageria soviética e talibã, de um lado, e o papel salvador e civilizatório do Ocidente, do outro. Nenhuma referência sobre como países como EUA e Inglaterra – e seus aliados na região, como Paquistão e Arábia Saudita - contribuíram decisivamente para tornar o país um monte de ruínas. Alguém poderá objetar que não se pode cobrar do autor o relato sobre fatos que não presenciou. Objeção discutível. Mas, mesmo que a tomemos como razoável, isso não elimina o problema de que o pano de fundo histórico que caracteriza o filme é repleto de omissões, buracos e deformidades. Mesmo quem tenha gostado do livro e do filme, portanto, não sairá perdendo com algumas informações.

Em seu filme “Fahrenheit 9/11”, Michael Moore expôs as ligações entre a família Bush, empresas petrolíferas do Texas, a Halliburton, a Enron e os talibãs para a construção de um gasoduto que partiria do Turcomenistão, seguindo através do Afeganistão e chegando ao Paquistão. Mostrou também que, quando era governador do Texas, Bush chegou a receber uma visita de autoridades afegãs do Talibã para tratar de negócios. Depois da guerra contra o Afeganistão, após os atentados de 11 de setembro, o projeto do gasoduto foi entregue a Halliburton, empresa que tem entre seus executivos o atual vice-presidente dos EUA, Dick Cheney. Todos esses fatos já são bem conhecidos. Mas a obra de Moore não é o melhor relato sobre como os EUA ajudaram os talibãs chegar ao poder e sobre como, durante um bom tempo, silenciaram sobre as atrocidades que estavam sendo cometidos no país. Silêncio e cumplicidade justificados pela geopolítica e por interesses econômicos.

Um pedido de moderação aos talibãs
Na página da embaixada dos EUA do Brasil, há um interessante material na seção “Resposta ao Terrorismo – Programas Internacionais de Informação”, sobre a situação das mulheres no Afeganistão durante o regime talibã. Lá, podemos ler o seguinte: “Antes dos acontecimentos de 11 de setembro de 2001, oficiais dos EUA opunham-se à subjugação das mulheres pelo Talibã através de reuniões com talibãs para pedir moderação, além de trabalhar com outros países, tanto bilateralmente quanto multilateralmente, para refrear os excessos do Talibã”. Não há porém nenhuma referência sobre como foi asfaltado o caminho para que os excessos do Talibã chocassem o mundo.

Uma boa fonte para preencher essa lacuna é o livro “A grande guerra pela civilização – A conquista do Oriente Médio”, do jornalista inglês Robert Fisk, que passou os últimos 29 anos cobrindo as guerras no Oriente Médio.

Em seu livro de quase 1.500 páginas, publicado no Brasil pela Editora Planeta, Fisk conta algumas histórias que o caçador de pipas não conta. Vejamos algumas delas:

“Os sauditas e os paquistaneses ajudaram, por encargo dos EUA, a armar as milícias do Afeganistão contra a União Soviética, e depois – enojados pelas disputas entre os vencedores – apoiaram o exército de clérigos camponeses iluminados do mula Omar Wahhabi o Talibã. A Arábia Saudita havia investido milhões de dólares nas madraçais - escolas religiosas – do Paquistão ao longo de todo o conflito afegão soviético, e o Talibã era um produto genuíno do wahabismo, a fé estatal muçulmana, estrita e pseudo-reformista da Arábia Saudita.

“E o Paquistão? Ao juntar-se à “guerra contra o terror” promovida pelos Estados Unidos, o general Musharra conseguira de fato a aceitação internacional do golpe de Estado que perpetrou em 1999. De repente, tudo o que havia desejado – a suspensão das sanções, grandes investimentos para a cambaleante indústria paquistanesa, empréstimos do FMI, uma renegociação da dívida de 375 milhões de dólares e ajuda humanitária – foi concedido. Evidentemente, tivemos que esquecer também que foram unidades dos Interserviços de Inteligência do Paquistão – o escalão mais alto das agências de segurança do país – que ergueram o talibã, fizeram entrar armas no Afeganistão e ficaram ricas com o tráfico de drogas. Desde a invasão soviética do Afeganistão em 1979, o ISI havia trabalhado junto com a CIA, financiando os mulas do talibã, mais tarde condenados como arquitetos do terror mundial”.

“Depois do 11 de setembro os EUA, incapazes de conseguir a rendição do Talibã por meio de bombardeios, tentaram ficar bem com os assassinos e estupradores da Aliança do Norte, responsável por mais de 80% da exportação de drogas (heroína, principalmente) do país, após a proibição talibã do cultivo. De 1992 a 1996, a Aliança do Norte foi um símbolo de carnificinas, estupros sistemáticos e pilhagem. Por esse motivo, nós – e incluo o Departamento do Estado dos EUA – demos boas vindas ao talibã quando chegou a Kabul”.

“Após o 11 de setembro bombardeamos povoados afegãos até transformá-los em um monte de ruínas, junto com seus habitantes e culpamos o Talibã e Bin Laden pela carnificina.. Depois permitimos que nossa desapiedada milícia aliada executasse seus prisioneiros. O presidente George W Bush assinou uma lei que aprovou a criação de uma série de tribunais militares seretos para julgar e depois eliminar todo aquele que fosse um “assassino terrorista” aos olhos dos serviços de inteligência”.

Há muitos outros relatos sobre esses temas. A fonte de Fisk não é a imaginação, mas a experiência direta. Ele viu e presenciou in loco o que relata. A obra de Hosseini é uma ficção, é certo, devendo ser avaliada com outros critérios. No entanto, tem pretensões históricas que acabam produzindo um cenário esburacado. Não seria tão grave se, ao sair do cinema, não ouvíssemos frases do tipo: “não dá para defender esses muçulmanos, que povo bárbaro”. Aí a imaginação do Caçador de Pipas presta um desserviço à verdade e à justiça.

Música de Jeziel Paiva junta Orquestra com Folia de Reis

2008-03-22T07:02:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.
Estou de volta. Muita correria e pouco tempo fizeram-me afastar do nosso convívio aqui nessa tribuna. Mas volto com uma grande novidade: dia 12 de abril, a partir das 19:30 horas estaremos nas comemorações dos 50 anos do Festival de Folias de Reis que sempre foi promovido pela Fundação Cultural de Uberaba. Foi-me encomendada uma obra para orquestra que pudesse encorporar a Folia de Reis. Estou em fase de conclusão. A obra é para Orquestra - Coral e Folia de Reis. Na oportunidade a Orquestra de Câmara da ACUAS, sob minha regência, fará sua estréia que contará com a presença do Coral da Fundação Cultural, preparado por nossa amiga Marly Costa e da Companhia de Reis do Capitão Jorge Bernardes da Silva. Estão todos convidados. Inté.

TCU exige fim da esculhambação no Incra

2008-02-01T03:44:00.000-08:00

O Tribunal de Contas da União deu um prazo de seis meses para que o Instituto Nacional de Colonização e Reforma Agrária – Incra - regularize os assentamentos que não tenham licença ambiental na Amazônia.

O TCU pretende aumentar a fiscalização na Amazônia, que sofre com o aumento exponencial de áreas devastadas. Para assegurar o uso sustentável das áreas, o Tribunal determinou que o Incra providencie estudos de viabilidade ambiental e econômica dos assentamentos. Também exige a demarcação das reservas legais na Amazônia. A informação é da Agência Chasque.

O Incra informou que um grupo de trabalho já prepara um planejamento para cumprir a determinação do TCU. O Instituto estima que até março haverá uma proposta para regularização ambiental dos assentamentos.

O Instituto Nacional de Colonização e Reforma Agrária – Incra – foi criado pela ditadura militar em 1970. Foi instituído para não fazer a reforma agrária, apesar da denominação debochada (e provocativa) que carrega. De fato, nestes 37 anos de inatividade, a autarquia federal tem cumprido estritamente com o desiderato burocrático proposto pelo latifúndio, grileiros e os destruidores do meio ambiente, através da ditadura militar. O governo Lula, até o momento, não alterou esse quadro.

Cristóvão Feil
(redator do blog diariogauche.blogspot.com)

Chico, Volte prá Casa!

2008-01-18T03:06:00.000-08:00

Este blogue acha que Chico, o macaco prego que recentemente colocou Uberaba na mídia nacional, deve voltar para o lugar de onde nunca deveria ter saído: a Mata do Ipê!

Chico foi tranferido para Araxá onde está em cativeiro, penalizado injustamente pela agressão humana que ele próprio sofreu.

Para quem não sabe o macaco era frequentemente molestado por pessoas que o agrediam e que chegaram inclusive a drogá-lo, segundo testemunhas.

O Chico não é perigoso pelo menos não tanto quanto o homem.

O que realmente aconteceu é o que vem acontecendo no mundo todo. A natureza dando resposta a ação nefasta do ser humano. A natureza dá o troco pela agressão sofrida: aquecimento global, tempestades, enchentes, secas prolongadas. No caso do macaco é a mesma coisa.

O macaco deveria ter ficado. O homem é que deveria ter sido retirado da mata. Não soube conviver com a natureza. É até uma ação de preservação manter o homem afastado da Mata do Ipê. E os responsáveis em cuidar das matas e parques deveriam se inteirar mais de como é feito esse trabalho. Tudo poderia ter sido evitado.

No fundo eu acho que o Chico foi para Araxá para não morrer. Ele corria risco de vida. Não estão acabando com tudo?

Pensei até em fazer aqui no blogue uma reparação de agravo ao Chico e clamar por sua volta, pensando que pudesse simbolizar uma atitude nova na defesa do nosso meio ambiente tão ameaçado. Mas lá em Araxá colocando-o numa mata e levando sua macaquinha Chica ele estará sendo preservado. Aqui ele morreria.

O Chico foi o primeiro a entrar em CANA.
Seremos os próximos a entrar em CANA

Salve-se quem puder!

Nos Trilhos de Minas

2008-01-17T08:11:00.000-08:00

Meus compadres e comadres: Dia 25 e 26 de janeiro estarei em cantoria com minha confraria de Araguari. Quem estiver em algumas dessas duas cidades dia 25 e 26 já se considerem convidados.

A Revolução do Cine Falcatrua

2008-01-02T09:26:00.001-08:00

Um cineclube ligado à universidade desperta a fúria das distribuidoras de audiovisual ao exibir, sem fins de lucro, filmes baixados por internet. Disputa revela como é necessário superar, em defesa do público e dos artistas, os limites estreitos da ''propriedade intelectual''.

Por Bruno Cava, para o Le Monde Diplomatique.

Em novembro, uma juíza de primeira instância da Justiça Federal condenou a Universidade Federal do Espírito Santo (UFES) a pagar indenização por suposta violação de propriedade intelectual. A infração aos direitos autorais teria sido provocada, segundo a magistrada, nas atividades do cineclube Falcatrua – programa de extensão e pesquisa do departamento de Comunicação Social, realizado por estudantes da UFES desde 2004.

Ao dar ganho de causa ao Consórcio Europa — um gigante da distribuição cinematográfica — o Judiciário ainda aplicou multa diária de R$ 10 mil à universidade, caso as exibições fossem retomadas, e determinou a destruição imediata de seu equipamento de produção, edição e projeção de cinema. A seguir, outro juiz, agora da vara local em Vitória e a pedido da mesma distribuidora e da Lumière, expediu medida liminar proibindo novas apresentações do cineclube, pois ele incorreria em ''concorrência desleal''.

O Cine Falcatrua é um dos carros-chefes do movimento da cultura livre. Protagonista do circuito nacional de Conteúdos Livres — com suas mostras de filmes, sob as (des)licenças Creative Commons e copyleft, e seus festivais de mídia-ativismo, esse cineclube universitário trabalha com tecnologias acessíveis do digital para democratizar a produção cultural. O grupo promove exibições abertas e gratuitas de filmes baixados da internet, sempre acompanhadas de discussões e intervenções. Também ministra a oficina Cineclubismo Digital Gambiarra, que ensina como produzir, projetar e distribuir filmes digitais. Além de tudo, ainda prepara material de divulgação acerca de direitos autorais, difusão cultural e cinema livre.

Inserido no movimento cineclubista, que remonta aos anos 1920 e formou diretores do porte de Gláuber Rocha e Rogério Sganzerla, o Cine Falcatrua abre espaço para o cinema independente, incentiva a politização da sétima arte e enriquece a produção crítica. Aplaudido por diretores como Cláudio Assis ( Amarelo Manga, Baixio das Bestas), só em 2004 foram mais de 40 sessões públicas, reunindo um público de aproximadamente cinco mil pessoas. Indo além dos muros universitários, o cineclube já expôs em bairros da periferia de Vitória, em galerias de arte, nas ruas de São Paulo e até em bailes funk (com o filme ''Sou feia, mas tô na moda''). Assim, ele retoma a tradição cineclubista brasileira dos anos 1970 e 80, quando, graças ao início da redemocratização, o movimento pôde estender-se para sindicatos, universidades e centros culturais, para um público além dos cinéfilos.

O Falcatrua vai mais longe. Não se restringe a promover filmes históricos, cult, alternativos, independentes ou ''underground'' – material clássico do cineclubismo. Também oferece filmes do grande circuito comercial: faz o download de cópias disponíveis na rede e projeta-as grátis — e antes da estréia oficial. Quer dizer: ele antecipa-se à indústria de entretenimento — como fazem os camelôs, mas sem auferir qualquer lucro. Eis aí o salto qualitativo desse projeto inovador.

Afinal, quantos podem dispor de R$ 50,00 para levar a família ao cinema? E a imensidão de localidades que simplesmente não tem cinema? Que dizer da decepcionante diversidade oferecida pela indústria de entretenimento, especialmente fora dos grandes centros? E mais: por que aceitaríamos o miserê de assistirmos a filmes de vez em quando, ou quando o dinheiro der?! Quando podemos — cada um de nós, cidadãos — assistir a muitos, novos e bons filmes, todos os dias em que desejarmos!?

O que fez as distribuidoras, enfurecidas, ajuizarem ações judiciais, foi o fato de o Falcatrua ter exibido Fahrenheit 911 (Michael Moore) e Kill Bill (Quentin Tarantino) antes das estréias oficiais. As demandas foram rapidamente acolhidas pela contra-insurgência estatal. Resultado: a iniciativa alcançou tamanha projeção que já é reconhecida como uma modalidade específica de fazer cinema: baixar produções da internet, editá-las e projetá-las, de graça, em espaços públicos.

Portanto, não se trata de mais um caso prosaico de aplicação fria da lei dos direitos autorais, de uma decisão simplesmente técnico-jurídica, pretensamente apolítica. No nosso tempo, este é um caso paradigmático. A criminalização do Cine Falcatrua coloca-se no coração dos conflitos da sociedade pós-industrial, na qual, à socialização da produção de conhecimento e cultura, opõem-se os dispositivos expropriatórios, oligopolistas e antidemocráticos do capitalismo.

Não por acaso, a criminalização incitou a imediata resistência. Articulando-se pelas mídias democráticas, o movimento cineclubista mobilizou-se e o Conselho Nacional de Cineclubes (CNC) reagiu publicamente, classificando o fato como ''caça às bruxas''. A medida judicial, no tocante à destruição de meios de produção da UFES, foi comparada a um ''obscurantismo policialesco'', próprio dos anos de chumbo. De fato, o caso remete à violência sistemática que o cineclubismo sofreu quando do endurecimento da ditadura, período em que vários cineclubes foram depredados, seus membros perseguidos, os acervos confiscados e ''desaparecidos'' (de 1968 a 1969, a quantidade de cineclubes caiu de significativos 300 para somente 12). A Federação Mundial, com sede na Itália, emitiu um comunicado em defesa do Falcatrua e um dos diretores supostamente ''violados'', Michael Moore, declarou que não vê qualquer problema na divulgação livre e didática de seus documentários, desde que sem fins comerciais.

O orientador do projeto, Alexandre Curtiss, assegurou a continuidade da iniciativa: ''Estamos entrando em outra etapa do projeto. Não vamos nos preocupar com essa liminar. Nosso objetivo não é fazer pirataria e sim gerar acesso à cultura cinematográfica. Nós vamos continuar as exibições'' . Um recurso foi interposto na segunda instância. Argumentos jurídicos não faltam. A Constituição garante: a função social da propriedade (art. 5º XXIII), o direito exclusivo do autor e não da distribuidora (art. 5º XXVII), o direito de acesso à cultura e à produção cultural (art. 23 V) e, principalmente, a democratização do acesso aos bens da cultura e sua difusão (art. 215, § 3º cf EC n.º 48/2005). Além disso, a lei de direitos autorais, nº 9.610/98, não exige a autorização para a exibição do audiovisual, quando sem interesse econômico (art. 81). O Código Civil de 2002 exige o dano como caracterizador da responsabilidade civil (arts. 927 c/c 186).

Evidentemente, a contenda é política. O filósofo italiano Antonio Negri identifica na atualidade uma tendência do capitalismo em direção ao trabalho imaterial e cognitivo. Isto é, o valor agregado pelos ativos imateriais (circulação de bens, marketing, serviços, criatividade) sobreleva aquele advindo da cadeia produtiva industrial, de modelo fordista e seriado. As leis nacionais e os tratados internacionais de propriedade intelectual (o Trips da OMC), o copyright, a ''polícia autoral'' (como o Ecade), tudo isso torna-se, em conjunto, o instrumento por meio do qual o sistema capitalista explora, monopoliza e concentra a produtividade social.

A luta contra a propriedade dos bens comuns coincide progressivamente com a luta contra o copyright. A diversidade cultural, a transversalidade entre produtores/transmissores e consumidores/receptores, a valorização dos insumos culturais (idéias, informações, símbolos, linguagens), tudo isso põe a cultura no centro da nova economia. A cultura cada vez mais é a própria economia. O produtor cultural torna-se o agente político por excelência, já que a arte da política está em organizar a produção.

Daí a importância, para as distribuidoras, de barrar uma insurgência tão libertária quanto o Cine Falcatrua, que democratiza a cultura contra o monopólio sobre a cópia. Desde a origem, no século 14, os direitos autorais interessaram primordialmente aos atravessadores dos produtos culturais. Primeiro as editoras; depois, as gravadoras de música e as distribuidoras de audiovisual.

E como fica o artista? Para o artista, o que vale é estabelecer uma comunicação com seus públicos, multiplicando oportunidades e articulando contatos e redes colaborativas. ''O valor econômico na produção cultural reside na relação que o artista constrói com seu público'' (Ronaldo Lemos). Preocupante ao artista não é a ''pirataria'', mas a obscuridade. Mesmo porque a atual indústria de entretenimento tende a concentrar-se em poucos filmes, álbuns ou livros, porém ultra-badalados, e geralmente limita-se a produzir... entretenimento.

Ora, os filmes são feitos para serem vistos! Pássaro livre, a produção cultural e de conhecimento do público, para o público e pelo público deve arrebentar as amarras da indústria e dos direitos autorais para difundir-se livremente, instituindo um ciclo virtuoso de produção de valores, bens e sentidos – constituindo um comum colaborativo. Como escreveram Ana Bonjour e Leonora Corsini: é ''a arte abandonando o conceito enrugado de artigo de luxo [ou acadêmico, acrescento] para, finalmente, enfiar-se no parangolé de Hélio Oiticica''. A revolução não tem data marcada: é agora, neste instante. O Cine Falcatrua é mais um potente efeito dos ventos da mudança.

Passagem do ano

2008-01-01T10:51:00.000-08:00

O último dia do ano
não é o último dia do tempo.
Outros dias virão
e novas coxas e ventres te comunicarão o calor da vida.
Beijarás bocas, rasgarás papéis,
farás viagens e tantas celebrações
de aniversário, formatura, promoção, glória, doce morte com sinfonia e coral,
que o tempo ficará repleto e não ouvirás o clamor,
os irreparáveis uivos
do lobo, na solidão.

O último dia do tempo
não é o último dia de tudo.
Fica sempre uma franja de vida
onde se sentam dois homens.
Um homem e seu contrário,
uma mulher e seu pé,
um corpo e sua memória,
um olho e seu brilho,
uma voz e seu eco,
e quem sabe até se Deus...

Recebe com simplicidade este presente do acaso.
Mereceste viver mais um ano.
Desejarias viver sempre e esgotar a borra dos séculos.
Teu pai morreu, teu avô também.
Em ti mesmo muita coisa já expirou, outras espreitam a morte,
mas estás vivo. Ainda uma vez estás vivo,
e de copo na mão
esperas amanhecer.

O recurso de se embriagar.
O recurso da dança e do grito,
o recurso da bola colorida,
o recurso de Kant e da poesia,
todos eles... e nenhum resolve.

Surge a manhã de um novo ano.

As coisas estão limpas, ordenadas.
O corpo gasto renova-se em espuma.
Todos os sentidos alerta funcionam.
A boca está comendo vida.
A boca está entupida de vida.
A vida escorre da boca,
lambuza as mãos, a calçada.
A vida é gorda, oleosa, mortal, sub-reptícia.

Carlos Drummond de Andrade

Sucateamento da OSMG (2ª parte) - Bem que eu avisei!

2007-12-26T11:05:00.000-08:00

Briga de orquestras acaba na Justiça em Belo Horizonte

ONG contratada pelo governo rachou Sinfônica de MG e criou uma nova.
Descontentes acusam entidade de 'desprezo pelos músicos' veteranos.

Por Mara Bergamaschi (para o G1)

O que nem Federico Fellini, em seu cáustico filme“Ensaio de orquestra”, ousou imaginar está acontecendo na pacata Belo Horizonte: duas orquestras disputam o mesmo palco, o mesmo instrumental, o mesmo caixa e a mesma platéia. A conhecida queda dos mineiros pela conciliação e o espírito natalino não foram suficientes para estabelecer uma trégua entre os representantes dos dois grupos - um tradicional e público; o outro novo e privado. Diálogo agora só por meio de oficiais de Justiça.

No último domingo (16), os oficiais foram chamados para impedir a escolha de músicos para a nova orquestra, que atende pela sigla Icos (Instituto Cultural Orquestra Sinfônica). Quem os acionou foram advogados que representam a maioria dos músicos de uma instituição bem mais conhecida, a Orquestra Sinfônica de Minas Gerais (OSMG). A confusão não terminou aí – e, ao que tudo indica, ainda vai longe. Segundo relataram testemunhas ao G1, os representantes do Icos chamaram a polícia e registraram boletim de ocorrência contra a ação do oficial de Justiça.

Depois de fazer este ano vítimas na Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo (Osesp), a guerra jurídica chegou à OSMG e está abalando o Palácio das Artes – endereço único dos dois quartéis inimigos. O que ocorreu em São Paulo, entretanto, se parece mais com o terremoto, imaginado por Fellini, que um só maestro temperamental e um único grupo de músicos rebelados podem causar. Em Belo Horizonte, a situação é mais complicada: a luta é fraticida, pois os músicos agora divididos estiveram sempre unidos na OSMG, que existe há 30 anos, sob uma única batuta.

Impasse

Em Minas, tudo começou há dois anos, tendo como modelo exatamente a Osesp - que deixou de ser pública e se transformou em Oscip (organização da sociedade civil de interesse público), ONG que pode receber verbas públicas, captar incentivos fiscais e patrocínios privados. Com a intenção declarada de melhorar as condições de trabalho da OSMG e os salários de seus integrantes, a Fundação Clóvis Salgado, do governo de Minas, assinou uma parceria com a então recém-criada Icos, que é uma oscip. Esse tipo de mudança também está em processo nas orquestras oficiais do Espírito Santo, Bahia e Rio Grande do Sul.

Na prática, os músicos da OSMG, funcionários públicos concursados, migrariam para o Icos. Eles avaliaram, entretanto, que seus direitos, como a estabilidade e as vantagens adquiridas, não estariam garantidos com a transferência. Conclusão: mesmo com o atrativo de salários triplicados para quem está em início de carreira, até hoje apenas 32 dos 74 músicos da OSMG se licenciaram para aderir à nova estrutura. E instalou-se o impasse, cuja face mais absurda e visível são as duas meias-orquestras, atuando em paralelo, no maior centro cultural do Estado.

Audições no exterior

Para tentar completar seu quadro de músicos , o Icos, que se apresentou pela primeira vez este mês com somente 17 instrumentistas, marcou, no início de dezembro, audições de músicos até em Miami e Filadélfia. Na versão em inglês de seu site, o Instituto se coloca, confusamente, no lugar da OSMG. Diz o texto: “a OSMG, localizada em Belo Horizonte, terceira maior cidade brasileira, com quatro milhões de habitantes, está fazendo audições de músicos para completar seus quadros”. Informa ainda que a OSMG passa por completo processo de reformulação administrativa e artística e terá como regente titular Fábio Mechetti – que, vindo dos Estados Unidos, já está em Belo Horizonte. Mas quem ainda rege a OSMG, que faz concertos de Natal nesta quarta e quinta-feira, é o maestro Marcelo Ramos. Ele se licencia do cargo em janeiro.

As vantagens oferecidas aos músicos estrangeiros são salários que variam de R$ 65 mil a R$ 78 mil anuais, além de assistência de saúde e benefícios sociais, e oito semanas de férias pagas por ano. Ainda falando em nome da OSMG, o Icos diz que a Orquestra funciona em prédio do “famoso arquiteto Oscar Niemeyer” (Palácio das Artes) e que seus integrantes fazem turnês pelo Brasil e por Minas Gerais. Por fim, lembra que o custo de vida em Belo Horizonte é inferior ao de outras capitais brasileiras e ao das cidades americanas.

“Entendemos que o que está ocorrendo é a privatização de um patrimônio artístico e cultural público, com total desprezo pelos músicos, que nunca foram ouvidos”, afirma o contrabaixista Fernando Santos, 14 anos de OSMG, que fala em nome do grupo que não aderiu ao Icos. A Fundação Clóvis Salgado, parceira da Icos, tem adotado um tom moderado. Segundo a assessoria de imprensa da Fundação, as duas orquestras conviverão pacificamente, por enquanto sob o teto do Palácio das Artes, para o bem do público mineiro, que terá agora mais opções. Mas os músicos que ficaram na OSMG questionam no Tribunal de Justiça do Estado a legalidade da parceria público-privada. Caberá aos tribunais decidir até quem tem o direito de usar o título Orquestra Sinfônica. Intriga digna de cinema.

Natal

2007-12-24T18:36:00.001-08:00

2007-12-18T02:43:00.000-08:00

Niemeyer, a beleza é leve

2007-12-18T02:29:00.001-08:00

Sábado, 15 de dezembro, Oscar Niemeyer completou cem anos de vida, para a alegria de seus amigos e de seus admiradores. Se é função da arte inventar o mundo em que vivemos, no caso do aniversariante, já por ser arquiteto e o arquiteto que é, não há exagero em dizer-se que ele mudou a imagem que se tem do Brasil, criando formas arquitetônicas, belas e inusitadas, que se integraram para sempre em nosso imaginário.

Por Ferreira Gular, para a Folha de S.Paulo

Monumentos arquitetônicos como o Palácio da Alvorada, o Congresso Nacional e a Catedral de Brasília -para ficamos apenas em obras da capital brasileira- tornaram-se exemplos de uma nova concepção estética, paradigmas da arquitetura contemporânea.

São apenas três exemplos, mas a verdade é que esse brasileiro é dotado de uma capacidade -quase, diria, de uma genialidade- que lhe permite criar formas esteticamente sofisticadas e, ao mesmo tempo, capazes de tocar a sensibilidade de todas as pessoas. Por isso, escrevi, num poema a ele dedicado, "Oscar nos ensina / que o sonho é popular".

Não tenho dúvida nenhuma de que ele nasceu arquiteto. Certamente, teve de fazer o curso de arquitetura, teve de conhecer e estudar a obra dos grandes arquitetos que o antecederam, mas só um talento excepcional para intuir o espaço arquitetônico e concebê-lo em formas inesperadas pode explicar o fenômeno que ele é.

Essa capacidade de intuir e conceber o edifício manifestou-se, nele, muito cedo e se mantém com o mesmo ímpeto criativo, hoje, quando ele completa um século de vida e após projetar e construir o maior número de obras da história da arquitetura mundial.

Modesto e audacioso, mudou o projeto, concebido por seu mestre Le Corbusier, para o edifício que é hoje o Palácio Gustavo Capanema. O detalhamento do projeto estava a cargo de uma equipe chefiada por Lúcio Costa da qual ele fazia parte. Ao perceber que o edifício ganharia em monumentalidade se as colunas que o sustentariam fossem aumentadas no dobro da altura, fez um esboço que (à sua revelia) levaram a Lúcio Costa, que decidiu adotá-lo. O projeto modificado ficou tão bom que Le Corbusier fez de conta que o projetara daquele jeito.

Quem conhece a história da arquitetura moderna sabe que o princípio básico do novo modo de construir diz que "a forma segue a função". Essa estética funcionalista foi uma reação ao gosto "revival", que sufocava a forma dos objetos e dos edifícios com um decorativismo exagerado.

Por isso, os criadores da moderna arquitetura adotaram a reta e a composição despojada como o seu princípio estético. Essa é a característica comum às obras dos pioneiros da nova arquitetura, como Le Corbusier, Walter Gropius ou Mies van der Rohe.

Se o princípio funcionalista deu nascimento a uma nova linguagem arquitetônica, provocou, em contrapartida, soluções repetitivas que terminaram por empobrecer o repertório formal da nova arquitetura. Ela se tornou pouco criativa.

Coube a Niemeyer romper com essa submissão à funcionalidade e à ditadura da linha reta e soluções ortogonais, ao conceber o conjunto arquitetônico da Pampulha, onde a forma curva predominava. Iniciou-se, então, uma revolução que mudaria radicalmente o vocabulário da arquitetura contemporânea.

Buscar a forma nova, que surpreenda e comova, terá sido o empenho de Niemeyer, desde seus primeiros projetos. E é extraordinária a sua capacidade de criar novas formas, quer sejam as colunas do Palácio da Alvorada, quer sejam os arcos assimétricos do edifício da editora Mondadori, em Milão. É tal a expressão poética desses edifícios que eles parecem apenas pousados no chão, sem peso.

O arquiteto brasileiro deu início, assim, à exploração das possibilidades plásticas do concreto armado e das novas técnicas de construção. Em conseqüência disso, sua audácia na concepção das obras obrigava a soluções técnicas inovadoras, fazendo avançar os processos de edificação. Para isso, contou com a colaboração de Joaquim Cardoso que, além de calculista, era poeta -e dos melhores.

Já houve quem afirmasse que Oscar Niemeyer, mais que um arquiteto, seria um escultor. A afirmação é destituída de fundamento, já que uma de suas principais virtudes é precisamente a intuição e a concretização do espaço arquitetônico. Essa é uma qualidade essencial dos edifícios por ele concebidos, em que o espaço interior e o exterior são percebidos pelas pessoas como uma experiência que tanto as fascina quanto as conforta.

Tranferência de Chico tem data marcada

2007-12-13T11:01:00.001-08:00

http://www.jmonline.com.br/?canais,12,07,362

Rapozinha precisou do Galo para ir à Libertadores, pois se dependesse somente dela não iria.

2007-12-03T11:21:00.000-08:00

Para quem ainda tem saco de tocar em orquestra

2007-12-03T02:40:00.000-08:00

ABERTAS INSCRIÇÕES PARA SELEÇÃO DE MÚSICOS DA OSBA

Aberta as inscrições para a seleção de 13 músicos/professores da Orquestra Sinfônica da Bahia (OSBA). De acordo com o edital lançado Fundação Cultural do Estado, a seleção será feita pela própria Orquestra, através de uma comissão composta por cinco músicos com experiência. As inscrições vão até 12 de dezembro.

Entre os profissionais selecionados, estão disponíveis 5 (cinco) vagas para Violino, 2 (duas) para Viola, 2 (duas) para Contrabaixo, 1 (uma) para Trompa, 1 (uma) para Trombone, 1 (uma) para Oboé e 1 (uma) para Harpa. O Salário (Base + Gratificações) para os músicos gira entre R$ 2.500 e R$ 3.000 com contrato de até 2 anos.

Para mais informações, incluindo o edital, ficha de inscrição, os anexos e programa das músicas a serem executadas durante a seleção, já estão disponíveis no site do Teatro Castro Alves e podem ser obtidas também através do telefone (71) 3339-8049, telefax (71) 3339-8048 e pelo e-mail: osbatca@yahoo.com.br.

Teatro Oficina encena 'Os Sertões' na cidade de Canudos

2007-11-27T15:55:00.000-08:00

O Teatro Oficina leva sua montagem da obra Os Sertões, de Euclides da Cunha, ao seu palco histórico - a cidade de Canudos na Bahia. O "encontro" ocorrerá entre os dias 28 de novembro e 2 de dezembro. A montagem de Zé Celso Martinez Corrêa em Canudos será dividia em cinco apresentações, num total de 25 horas de encenação.

De acordo com a organização do espetáculo, a equipe do Teatro Oficina utiliza cinco toneladas de objetos de cena e equipamentos para montar o palco no Estádio Municipal de Canudos. A peça tem 47 atores, músicos, dançarinos e atores mirins, além de câmeras e equipe técnica.

As apresentações serão gravadas e transmitidas ao vivo em vídeo pela internet, no site da companhia (www.teatroficina.com.br). O dia 2 de dezembro, data da apresentação da última parte da peça, marca também a comemoração de 105 anos do lançamento da primeira edição de Os Sertões.

Marcas

A ida do Teatro Oficina a Canudos marca também o pedido mundial e ao Iphan (Instituto de Patrimônio Histórico e Artístico Nacional) de reparação para o desmassacre deste tabu nacional. Mais de cem anos após a Guerra de Canudos, Zé Celso conclama a "multidão brazyleira" a se arregimentar.

Com o manifesto IÓ! Brasileiros!, o dramaturgo lançou o desafio dessa temporada e uma grande mobilização nacional, através dos mais diversos setores de poder e dos mais diversos setores de nossa gente. "A junção dos nossos sentimentos, das nossas energias, ao lado de todos os canudenses, certamente será a verdadeira largada para o início dessa fundamental correção histórica, que o Brasil deve a cidade de Canudos."

A conquista do sertão

2007-11-27T03:38:00.000-08:00

Universalizado pelas várias linguagens da arte, o espaço sertanejo, expressão da nossa identidade, é patrimônio geográfico e cultural do Brasil

No ano que vem comemora-se o centenário do nascimento de João Guimarães Rosa, um dos maiores escritores de todos os tempos e de todas as línguas. Sua obra mais famosa, Grande Sertão: Veredas, publicada em 1956, está traduzida numa dezena ou mais de línguas e é conhecida nos cinco continentes. Ela ajudou a consagrar o sertão – inclusive no Brasil – como algo “brasileiro” e como uma região geográfica situada entre o norte de Minas Gerais e o sul do Piauí e do Maranhão, ladeada, a oeste, pelo Planalto Central, onde fica Brasília, e a leste pela aproximação da orla litorânea da Bahia e dos estados do Nordeste. Mas nem sempre foi assim.

Ao contrário do que se pensa, o sertão chegou de barco no (futuro) Brasil. Não havia sertão por aqui. Os tupis e outros povos habitantes do litoral não conheciam esse conceito. Foram os portugueses que o trouxeram, assim como trouxeram a casa, a cidade, a rua, a igreja, o galo e a galinha, os cachorros, o cavalo, o céu, o inferno.

A primeira vez em que o sertão aportou no (futuro) Brasil foi na pena de Pero Vaz de Caminha, na carta escrita ao rei dom Manuel dando conta de que as caravelas de Cabral tinham chegado a uma terra desconhecida. Caminha escreveu que se olhando sertão adentro (apontando para o interior, a oeste) viam-se terras e árvores a perder de vista. Pronto: assim como as quinas e padrões portugueses, que marcavam a nova conquista, o sertão fora assentado nas terras que Portugal iria ocupar, para o bem e também para muito mal, sobretudo das populações nativas e dos escravos trazidos da África.

Na carta de Caminha o sertão começava onde terminava a areia da praia. De lá para cá, o sertão pôs-se a caminhar, indo cada vez mais para dentro da “nova” terra, cada vez mais longe do litoral, e também foi se modificando. Ainda no século 16, quando o padre José de Anchieta se referia ao “sertón” (pois ele escrevia mais em espanhol, guarani e latim do que em português), ele falava de uma terra bravia, dominada pelos “gentios” (índios não cristianizados), que começava na fímbria das montanhas da Serra do Mar e se perdia terra adentro, sempre para oeste.

Quando o padre Vieira, em seus sermões, se referia ao sertão, já nos anos 1600, falava de uma terra bem distante, para os lados dos interiores da Bahia, do Maranhão, até da Amazônia.

Entre esse século e o 18 o sertão passou por uma grande transformação. Era a terra do gentio, de “completamente estranho”, ou a terra “por desbravar”, ainda “por conquistar”.

Em 1711 o padre João Antônio Andreoni tentou publicar em Portugal seu Cultura e Opulência do Brasil. Não conseguiu. O rei achou que o livro despertaria cobiça em outros países. A obra só foi publicada no século 19. Andreoni, cujo pseudônimo era Antonil, assim descrevia a vinda de boiadas do interior para o litoral, na Bahia: “Os que a trazem, são brancos, mulatos e pretos, e também índios, que com esse trabalho procuram ter algum lucro. Guiam-se indo uns adiante cantando, para serem desta sorte seguidos do gado, e outros vêm atrás das reses, tangendo-as, e tendo cuidado para que não saiam do caminho e se amontoem”.
Quer dizer, o sertão estava se tornando um mundo próprio, sim, dono de uma cultura peculiar, de uma produção econômica própria, e do que parecia aos olhos do padre (que era italiano) uma “gente própria”, acaboclada, com “cantos próprios”, que falava até para os animais, atraindo-os para seu destino (que não era dos melhores).

Daí até o século 20, durante a formação da sociedade brasileira, o sertão foi viajando e também se fixando. Lá nos séculos antigos, havia sertões em toda parte, pois a palavra designava essa terra “estranha” ou na sua fímbria, onde ela estivesse, e ela estava por todo lado. A única cidade brasileira chamada Sertão fica no Rio Grande do Sul. E em São Paulo há uma cidade chamada Sertãozinho. Em Ubatuba, litoral norte paulista, um bairro mais distante da praia, colado ao pé da serra, é chamado Sertão da Quina.

Com o tempo e a diferenciação da sociedade brasileira, o sertão foi se restringindo às inóspitas terras pouco povoadas ou da pecuária mais ao norte do país, mas antes da Amazônia. Foi para esse Sertão que viajou Euclides da Cunha, em 1897, para descrever a Guerra de Canudos, o sertanejo e sua terra em Os Sertões, publicado em dezembro de 1902.

O livro consagrou o sertão como um dos espaços privilegiados de formação da identidade nacional. Para o autor, essa identidade era de fato o palco de um conflito extremo, entre uma sociedade deslocada no tempo, isolada, a do sertanejo, e uma outra, aparentemente moderna, litorânea, que voltara as costas para a primeira e a destruíra por incompreensão e desconhecimento. O “Brasil moderno”, que dizimara a cidadela dos camponeses rebelados, afinal não era tão moderno assim, preso a costumes políticos tão violentos como os das terras sertanejas.

Euclides criou uma matriz não só para o sertão, mas para o Brasil, que adentrou e percorreu toda a cultura e a arte do país, concebendo também, ao lado de outras, imagens fundamentais para o autoconhecimento e para a projeção do nosso país diante de outras culturas. Nesse campo, o sertão teve uma “época de ouro”. Isso se deu ao fim da Segunda Guerra, num processo que envolveu a literatura, a música, o teatro, o cinema e as artes plásticas. Bem antes da televisão.

Nos anos 30 e 40 o sertão se recobrira de reivindicações sociais. Levadas ao conhecimento de todos os brasileiros, as condições de pobreza das terras sertanejas foram tema de uma literatura ao mesmo tempo comovida, comovente, combativa e revoltada, como em Vidas Secas, de Graciliano Ramos. Também as artes plásticas se ocuparam dos dramas dessas terras, flageladas pelo latifúndio e pela seca, como no caso dos quadros (Retirantes, por exemplo) de Cândido Portinari, que alcançaram fama mundial.

Ao terminar a guerra, o Brasil entrou num processo acelerado de modernização econômica, política e cultural. Desenvolveram-se enormemente o cinema, o rádio e a indústria fonográfica, com a produção dos antigos discos de vinil, os LPs ou bolachões, em 33, 45 ou 78 rotações por minuto. O teatro passou por uma revolução temática e estética, e a literatura pôs-se mais uma vez a rever a História. Dessa vez tudo aconteceu com alcance mundial, levando junto, nessa viagem espacial e temporal, a paisagem dos sertões brasileiros, transformada em palco de dramas universalizantes.

A indústria fonográfica e o rádio catapultaram para o Brasil inteiro a música de Luiz Gonzaga, Rei do Baião antes que Pelé o fosse do futebol. O poeta pernambucano João Cabral de Melo Neto escreveu para o teatro, a pedido de Maria Clara Machado, um “auto de Natal”, Morte e Vida Severina. O auto, de 1952, só chegaria ao palco em 1964, com música de Chico Buarque, e consagraria o Teatro da Pontifícia Universidade Católica (Tuca), de São Paulo, no Festival Mundial do Teatro de Estudantes em Nancy, na França. A fuga do retirante Severino pelo sertão brasileiro tornava-se a imagem da peregrinação do homem despossuído de todos os quadrantes do mundo, em busca de paz e justiça social.

A Companhia Cinematográfica Vera Cruz, instalada em São Bernardo do Campo pelo empresário Franco Zampari para ser a nossa Hollywood, produz em 1952 O Cangaceiro, de Lima Barreto, com Milton Ribeiro, Alberto Ruschel (grande galã da época), Marisa Prado e Vanja Orico. Ruschel era gaúcho, o que deu uma cor especial ao sotaque do sertanejo. Mas de qualquer modo O Cangaceiro ganhou o prêmio de melhor filme de aventuras no Festival de Cannes, na França. Percorreu o mundo, distribuído pela Columbia Pictures e popularizou a canção Mulher Rendeira, dos tempos e do bando de Lampião e Maria Bonita. O roteiro era do próprio Lima Barreto e da escritora cearense Rachel de Queiroz.

Em 1955 estreava no Recife a comédia O Auto da Compadecida, do paraibano Ariano Suassuna, escrita quatro anos antes. Em 1957 a peça chegava a São Paulo, e tornou-se sucesso nacional, que dura até hoje, com as posteriores transposições para o cinema e a televisão. Na ocasião, estava quente o lançamento do livro de Guimarães Rosa sobre os sertões mineiros. A obra ganhou projeção nacional e internacional pela inovadora concepção lingüística, que mesclava o falar das populações rústicas com neologismos e a criatividade solta do escritor erudito.

Em 1957 se dá a inauguração dos painéis Guerra e Paz, de Cândido Portinari, na sede da ONU, em Nova York. As obras não têm como tema propriamente o sertão brasileiro, mas o levaram junto com o estilo consagrado do autor. Ainda mais que o fato gerou uma repercussão política enorme, porque o governo dos Estados Unidos negou o visto ao pintor, por ser ele membro do Partido Comunista.

Em 1962 o filme O Pagador de Promessas, com Leonardo Villar, Glória Menezes, Norma Bengell, dirigido por Anselmo Duarte, vence a Palma de Ouro em Cannes. Baseado numa peça de Dias Gomes, o filme tem como protagonista o peregrino Zé do Burro, que vai do sertão para Salvador cumprir uma promessa. Pouco depois Nelson Pereira dos Santos adapta para o cinema Vidas Secas, de Graciliano.

Quando Glauber Rocha lança Deus e o Diabo na Terra do Sol, em 1964, projeta no mundo uma linguagem cinematográfica original como a de Guimarães na literatura. E o sertão brasileiro já era uma espécie de patrimônio cultural internacional. E assim ficou até hoje, consagrando até mesmo a palavra “sertão” como contribuição brasileira ao vocabulário mundial. A premiada tradução do livro de Euclides para o alemão pelo professor Berthold Zilly, do Instituto Latino-Americano da Universidade Livre de Berlim, tem como título Krieg (luta, guerra)im Sertão. Assentado pelo mundo afora, diga-se “sertón”,“sehhhtao”,“sertáo” ou como se queira, o sertão é mesmo brasileiro.

Flávio Aguiar

Ilustração: Mauro Andriole: Sertão (Aquarela, 2003 - 0,40 X 0,55m)

Encontro com o Saci: guardião das matas e do saber popular

2007-11-23T06:41:00.000-08:00

Nessa semana, de 19 a 25 de novembro 2007, está sendo realizado o ‘Encontro com o Saci: o guardião das matas e do saber popular'. Esse Encontro está propiciando a valorização da cultura popular e contribuindo para a afirmação da identidade cultural brasileira e camponesa.

Nele a cultura popular enquanto elemento de formação dialoga com a educação, a saúde e o meio ambiente, a partir do elemento Saci, guardião das matas, conhecedor das plantas medicinais e seus usos, e um ser brincante.

O evento tem caráter formativo e de celebração. O seminário reflete sobre as bases da formação da cultura brasileira, valorizando o saber popular. Essa análise está sendo ampliada para as relações da cultura popular com a educação, a partir de uma reflexão sobre a cultura da criança e do brincar, além das temáticas ambiental e de saúde.

O Encontro com o Saci tem brincadeiras, expressões artísticas, sarau, apresentações de grupos culturais, violeiros e cantadores.

Gue - Setor de Cultura MST - FONE: 16 3975-2343

Todas essas atividades ocorrem no Centro de Formação Sócio-Agrícola Dom Hélder Câmara
– Sítio Pau D’alho (Rod. Alexandre Balbo – Km 328,5 – Anel Viário – Contorno Norte
Ribeirão Preto/SP)
Tel: (16) 3975-2343
E-mail: centrodeformacao@anca.org.br

PROGRAMAÇÃO - FESTA DO SACI:

Este encontro será uma celebração da cultura e do saber popular. Ocorrerá nos dias 24 e 25 de novembro com a participação de cerca de 3000 pessoas.

•24/novembro
10:00h – Mística de Abertura, Camponesa Rádio Poste, Cantinho das ervas medicinais e dos chás, Feira de Sementes;

Expressões de artes plásticas – exposição – Blanco Castro / Lucília e da Oficina de Bordando histórias

Brincadeiras: boi, cordas, pião, construção de brinquedos, cama de gato,(brincadeira de barbante), de elástico, bolinhas de gude(búrica, burca ou bolinha)durante todo o dia.

Encontro de Carrinhos
14:00h – Grupo de Teatro Etanóis
14:15h – Oficina de construção de barquinhos
16:00h – Encontro ao pé da figueira - dos sacis, bonecas e brinquedos produzidos
Cortejo para a lagoa
16:30h – Encontro de barquinhos de brinquedo na lagoa
17:00h – Saberes e sabores ao pé da figueira
Sarau: contação de 'causos', de histórias, cordel do saci e poesia;
Vários contadores de histórias das áreas de Reforma Agrária
18:00h – Jeziel Paiva - contador de histórias e rabequeiro
19:00h – Roda de violas e tambores: o Saci, a Viola e a Figueira com a presença de João Bá, Joaci Ornelas, Zeca Colares, Pereira da Viola, Wilson Dias, Hamilton Camargo, Minerin e outros.

•25/novembro
10:00h – Mística de Abertura, Camponesa Rádio Poste, Cantinho das ervas medicinais e dos chás, Feira de Sementes.

Expressões de artes plásticas – exposição – Blanco Castro / Lucília e da Oficina de Bordando histórias.

Brincadeiras: boi, cordas, pião, construção de brinquedos, cama de gato (brincadeira de barbante),de elástico,bolinhas de gude (búrica,burca ou bolinha) durante todo o dia;

Encontro de Carrinhos
10:30h – Intervenção teatral;
10:45h – Encontro de gerações com vivências e trocas de saberes entre idosos, adultos, jovens e crianças com vivências de brincadeiras de roda, viola e tambores;
14:00h – Intervenção de palhaços;
14:15h – Vivências da cultura popular: brincadeiras de roda: ciranda, coco, etc.
14: 45h – Roda de Poema com tambor: Carlos Assumpção - Franca (a confirmar)
15:15h – Contação de causos, histórias;
16:00h – Encerramento
Cantoria coletiva: João Bá, Joaci Ornelas, Zeca Colares, Pereira da Viola, Dito Rodrigues, Wilson Dias, Fernando Guimarães, Hamilton Camargo, Minerin e outros.

Por que as cantoras se tornaram as grandes estrelas da MPB?

2007-11-22T15:42:00.000-08:00

Há mais de 30 anos, as cantoras têm ocupado posição de destaque na canção brasileira. O que teria acontecido com os cantores? O músico e ensaísta Luiz Tatit analisa esse fenômeno numa das passagens do Todos Entoam, que acaba de ser lançado pela Publifolha.

Livro aborda a música no Brasil De acordo com o autor, "as cantoras, que brotam sem cessar de todo canto do país, encarregam-se de aproximar as tendências e de estabelecer uma coerência panorâmica de todos estilos presentes na canção brasileira". Em Todos Entoam, além da participação feminina na música, Tatit fala de suas lembranças, comenta e divide suas reflexões teóricas sobre músicas, cantores e compositores.

Leia abaixo texto em que o músico e ensaísta especula por que as cantoras se tornaram as grandes estrelas da música brasileira.

Rita Lee e a era das cantoras na canção popular
Por Luiz Tatit

Vivemos no Brasil o auge da era das cantoras e, gradativamente, vem ampliando também o número de cantoras compositoras. De fato, um curioso fenômeno tem caracterizado nossa tão rica e festejada canção brasileira: há mais de 30 anos praticamente só surgem cantoras, que dividem com os compositores-cantores a linha de frente do estrelato nacional; há muito tempo não assistimos ao lançamento bem-sucedido de um intérprete masculino que não apresente simultaneamente as credenciais de autor musical.

Claro que essas afirmações precisam ser devidamente matizadas. Surgem duplas sertanejas, crooners de banda e mesmo cantores restritos a uma faixa de consumo menos exigente, mas nada que se assemelhe ao surgimento de artistas como Francisco Alves, Mário Reis, Orlando Silva ou João Gilberto, cuja produção erigiu a própria linguagem da canção brasileira. O bastão de João Gilberto foi entregue aos compositores que, interpretando as próprias canções, vêm fazendo da música brasileira um dos principais artigos de exportação.

Mas se cada um cuida basicamente de sua obra, as cantoras, que brotam sem cessar de todo canto do país, encarregam-se de aproximar as tendências e de estabelecer uma coerência panorâmica de todos estilos presentes na canção brasileira. São elas as profissionais do canto que encomendam composições aos autores, escolhem repertório concentrado ou diversificado, transitam pelos gêneros e exibem seus dotes vocais ou interpretativos.

Palco das grandes mudanças do século 20, a década de 1960 também testemunhou a atuação crepuscular dos cantores stricto sensu e o nascimento da era dos compositores-intérpretes e das vozes femininas. Realmente, foi na TV Record de São Paulo que nomes como Jair Rodrigues, Agnaldo Rayol, Wilson Simonal e quase toda a turma de intérpretes da jovem guarda (Ronnie Von, Eduardo Araújo, Wanderley Cardoso etc.), que não deve ser confundida com os compositores Erasmo e Roberto Carlos, viveram sua última fase de grande sucesso.

O espaço desses cantores começava a ser ocupado por compositores-intérpretes como Chico Buarque, Edu Lobo, Caetano Veloso, Paulinho da Viola, Milton Nascimento, Gilberto Gil, Jorge Ben Jor etc. E para estabelecer elos entre esses estilos havia as cantoras, que apenas iniciavam uma carreira, cuja fecundidade pôde ser avaliada nas décadas seguintes: Elis Regina, Nara Leão, Maria Bethânia, Gal Costa e Rita Lee. Esta última com particularidades que comentaremos adiante.

O que teria acontecido aos cantores, que sempre figuraram como verdadeiros proprietários do cancioneiro popular pré-bossa nova? E por que essa "crise" atingiu apenas o universo musical masculino?

A primeira resposta - superficial, mas necessária para situar o problema - deve esclarecer que não se tratava, evidentemente, de uma ineficácia repentina da interpretação daqueles cantores que protagonizaram momentos extraordinários da canção dos anos 60. Cada vez mais, porém, os autores se sentiam capacitados a conduzir a própria obra até a gravação e a apresentação ao público. Claro que essa decisão artística vinha acompanhada por uma recompensa financeira nada desprezível numa época em que os autores já pretendiam viver exclusivamente da música.

Lembremos ainda que essa crise só poderia mesmo atingir o universo masculino, uma vez que as mulheres, à época, praticamente não compunham. Só esse fato já baixava consideravelmente o grau de concorrência no mercado dos intérpretes. Se o autor precisasse de uma voz e de uma execução totalmente distintas das suas, propendia naturalmente para o canto feminino.

O início desse avanço dos compositores no terreno dos intérpretes pode ser localizado nos anos 1966 e 1967, por ocasião dos famosos festivais de música promovidos pela TV Record. A apresentação de "A Banda", composição que lançou Chico para o grande público, já deixava claro que havia uma extrema hesitação por parte dos organizadores do evento: o êxito da marcha dependeria mais da intervenção direta do compositor ou do desempenho de uma intérprete consagrada?

Não conseguindo solucionar o dilema, os promotores escalaram Chico Buarque (o compositor) e Nara Leão (a intérprete) para uma dupla execução da mesma música, a primeira mais intimista, só ao violão, e a segunda (pouco) mais expansiva com o acompanhamento de uma pequena fanfarra, tudo como se a voz do compositor ainda não fosse suficiente para sustentar a própria canção e, por outro lado, somente a voz da cantora já não fosse mais suficiente para caracterizar o trabalho integral do autor.

A canção "Disparada", que fora programada apenas com o intérprete Jair Rodrigues, e que dividiu com "A Banda" o prêmio máximo do festival, encontrou ainda novo fôlego quando recebeu a interpretação envolvida de um de seus autores, Geraldo Vandré, que passou então a repartir com Jair Rodrigues a glória obtida pelo trabalho.

Essa fase de transição ainda permaneceria no festival do ano seguinte, quando Edu Lobo, compositor da vitoriosa "Ponteio", defendeu sua canção ao lado de Marília Medalha (a cantora), em vozes uníssonas, como se um precisasse compensar eventais insuficiências do outro. Em terceiro lugar, mais uma vez, Chico Buarque compareceu como compositor de "Roda Viva" para interpretar sua obra escorado pelos cantores do MPB4. Nesse mesmo festival, Gilberto Gil (com "Domingo no Parque") e Caetano Veloso (com "Alegria Alegria"), segundo e quarto lugares respectivamente, já haviam assumido em definitivo a condição de compositores-cantores, abrindo a rota que todos seguiriam mais tarde.

Dos anos 70 em diante, ao lado de novos compositores-intérpretes, como Moraes Moreira, Ivan Lins, Gonzaguinha, João Bosco, Fagner, Alceu Valença, Djavan etc., surgiriam cantoras de grande sucesso, como Simone, Joana, Beth Carvalho, Clara Nunes, Elba Ramalho, Zizi Possi, Fafá de Belém e Baby do Brasil; pouco depois, essa tendência viria a se consolidar com a aparição de Marina Lima, Marisa Monte, Tetê Espíndola, Leila Pinheiro, Paula Toller, Ná Ozzetti, Vânia Bastos, Adriana Calcanhotto, Daniela Mercury, Cássia Eller, Zélia Duncan e teríamos que nos satisfazer com um inventário permanentemente aberto para acompanharmos a velocidade dos lançamentos de vozes femininas. Tudo isso sem contar que o mercado comporta uma impressionante convivência de veteranas com estreantes, todas abocanhando uma boa fatia do sucesso da música popular.

Fonte: Folha Online

Infantil

2007-11-15T09:36:00.000-08:00

O menino ia no mato
E a onça comeu ele.
Depois o caminhão passou por dentro do corpo do menino
E ele foi contar para a mãe.
A mãe disse: mas se a onça comeu você, como é que o caminhão passou por dentro do seu corpo?
É que o caminhão só passou renteando meu corpo
E eu desviei depressa.
Olha, mãe, eu só queria inventar uma poesia.
Eu não preciso de fazer razão.
Manoel de Barros

Periferia moderna

2007-11-13T03:36:00.000-08:00

''A periferia, apesar da dura realidade e abandono dos governantes em geral, está dominada pela poesia'', afirma Sérgio Vaz em artigo para o Programa de Democratização Cultural da Votorantim. Exemplo disso é o sarau da Cooperifa, realizado semanalmente num boteco da periferia de São Paulo. Mas a periferia quer mais - e realizou de 4 a 10 de novembro sua própria Semana de Arte Moderna. Leia o artigo de Sérgio Vaz.

A periferia, apesar da dura realidade e abandono dos governantes em geral, está dominada pela poesia. Prova disso são os saraus que não param de acontecer nas quebradas de São Paulo. E por conta da poesia e dessa literatura que se alastra pelas ruas, as pessoas mais simples têm se interessado um pouco mais em ter uma vida cultural.

Um clássico exemplo é o sarau da Cooperifa, que na ausência de teatros, bibliotecas, livrarias, cinemas, museus e raríssimos espaços para acesso à cultura e arte, transformou um boteco da periferia da maior cidade do país em centro cultural.

No bar, há seis anos, todas às quartas-feiras, uma média de 200 pessoas - com picos de até 400 - reúnem-se para ouvir e falar poesia. O sarau é freqüentado por toda comunidade e gente de várias quebradas, inclusive do centro. Os saraus que acontecem na periferia têm se transformado num grande quilombo cultural. Muitos até os denominam de o movimento dos sem-palco.

O sarau da Cooperifa é freqüentado por poetas, motoristas de táxi, donas-de-casa, desempregados, professores, crianças, jovens, idosos, jornalistas, mecânicos, motoboys, advogados, estudantes, etc. E muitos deles tinham apenas a televisão como referência cultural. Toda essa gente que nunca havia tocado num livro ou sequer ouvido uma poesia, foi seduzida ali, na porta do bar, pela literatura. Não é de embriagar?

E o que é melhor é que boa parte desse povo lindo e inteligente, hoje, já segura seu próprio livro editado nas mãos. A maioria tem seus escritos registrados em CDs e antologias que se alastram pelos becos e vielas da grande metrópole paulistana. Sem contar que, por meio da oralidade, muita gente tem se transformado em intérprete de poesias de autores consagrados. O livro, sempre tratado como o pão do privilégio, chegou na periferia através da palavra. Literalmente no boca-a-boca.

Lógico que não se trata de uma literatura melhor que a produzida pelos acadêmicos, mas também não é menos importante. Muitos deles nos acusam de assassinar a gramática e seqüestrar a crase, por isso, é comum ver jovens poetas e escritores sendo enquadrados pelas canetas nervosas dos intelectuais como suspeitos de abusar da palavra alheia.

Mas esconder e negar a educação durante 500 anos, também não é crime? Menos vírgulas, mais acentos, mas ainda assim literatura. O difícil foi acordar.

Aprender é um verbo que se conjuga em grupo.

Falando em aprendizado, nesses seis anos de atividades do sarau da Cooperifa, mais de 30 autores lançaram seus livros. Grupos de teatros como Manicômicos, Ação e Arte, Cavalo de Pau, Irmãos Carozzi, entre outros, encenaram ali, no chão duro, as suas peças.

Pessoas com mais de 50 anos que nunca haviam ido a um teatro, assistiram, tomando rabo de galo, a sua primeira peça. Vários documentários produzidos por jovens da região e de cineastas consagrados são freqüentemente exibidos. Exposições de fotos e artes plásticas, lançamentos de discos e DVDs, tudo o que é produzido pela periferia, está sendo consumido por ela.

Hoje na periferia paulistana, por onde quer que você olhe tem alguma coisa acontecendo, e para todos os gostos: Panelafro na Casa de Cultura do M'boi Mirim, Cine becos e vielas, sarau do Binho, Favela toma conta, Quilombagem, Arte na periferia, Samba da vela, Poesia das ruas, Saraus nas escolas, Saraus no acampamento João Cândido (MTST), Biblioteca nas favelas, Um da sul, o rap, o reggae, etc. A gente no centro tinha de tudo e nem se dava conta. Estamos vivendo a nossa Primavera de Praga.

Baseado neste momento de luz, a Cooperifa e um grupo de artistas propõe, 85 anos depois, uma nova Semana de Artes, só que agora oriunda da periferia. Uma nova história, escrita e contada por quem realmente vive por ela e para ela. Uma nova versão da Semana, contada não de fora para dentro, mas de dentro para fora. Construída com as mesmas mãos calejadas que construíram a cidade de São Paulo. Uma Semana Cultural criada e produzida com o mesmo suor desse povo que tanto luta por um Brasil melhor.

Inspirada na Semana de Arte Moderna de 22, a Cooperifa propõe sacudir o marasmo cultural que se instalou no país. Uma Semana inteira de artes para que a bússola do país, que aponta para o centro, também aponte para a periferia.

A idéia da Semana não é somente propor um outro tipo de linguagem, mas também um outro tipo de artista. Um artista mais humano e solidário e uma arte que preze pela estética, mas que também ofereça conteúdo.

Um artista formado pelo caráter da sua obra, não forjado em pranchetas de publicitários, em que a mesma música lançada nas rádios pela manhã é a que vende xampu, carro, miojo e cerveja no final da tarde. E de quebra, serve de jingle para campanhas políticas.

A Cooperifa, ao produzir a Semana, deseja estimular o interesse pela leitura, a criação poética, o gosto pelo teatro e pelo cinema e aliar-se à escola e universidade para que a cultura seja um elemento primordial para a construção de seres humanos melhores e mais conscientes.

Moderno por aqui tem sido ousar e encarar novos desafios. E o medo ficou no período Barroco.

Sérgio Vaz
(Poeta, fundador da Cooperifa (Cooperação Cultural da Periferia) e idealizador da Semana de Arte Moderna da Periferia)

Fonte: Programa de Democratização Cultural da Votorantim

Sergio Vaz: Manifesto da Antropofagia Periférica

2007-11-12T12:49:00.000-08:00

A Periferia nos une pelo amor, pela dor e pela cor. dos becos e vielas há de vir a voz que grita contra o silêncio que nos pune. Eis que surge das ladeiras um povo lindo e inteligente galopando contra o passado. A favor de um futuro limpo, para todos os brasileiros.

A favor de um subúrbio que clama por arte e cultura, e universidade para a diversidade. Agogôs e tamborins acompanhados de violinos, só depois da aula.

Contra a arte patrocinada pelos que corrompem a liberdade de opção.
Contra a arte fabricada para destruir o senso crítico, a emoção e a sensibilidade que nasce da múltipla escolha.

A Arte que liberta não pode vir da mão que escraviza.

A favor do batuque da cozinha que nasce na cozinha e sinhá não quer.
Da poesia periférica que brota na porta do bar.
Do teatro que não vem do “ter ou não ter...”.
Do cinema real que transmite ilusão.
Das Artes Plásticas, que, de concreto, quer substituir os barracos de madeiras.
Da Dança que desafoga no lago dos cisnes.
Da Música que não embala os adormecidos.
Da Literatura das ruas despertando nas calçadas.

A Periferia unida, no centro de todas as coisas.

Contra o racismo, a intolerância e as injustiças sociais das quais a arte vigente não fala.

Contra o artista surdo-mudo e a letra que não fala.

É preciso sugar da arte um novo tipo de artista: o artista-cidadão. Aquele que na sua arte não revoluciona o mundo, mas também não compactua com a mediocridade que imbeciliza um povo desprovido de oportunidades.

Um artista a serviço da comunidade, do país. Que armado da verdade, por si só exercita a revolução.

Contra a arte domingueira que defeca em nossa sala e nos hipnotiza no colo da poltrona.

Contra a barbárie que é a falta de bibliotecas, cinemas, museus, teatros e espaços para o acesso à produção cultural.

Contra reis e rainhas do castelo globalizado e quadril avantajado.
Contra o capital que ignora o interior a favor do exterior. Miami pra eles? “Me ame pra nós!”.

Contra os carrascos e as vítimas do sistema.

Contra os covardes e eruditos de aquário.

Contra o artista serviçal escravo da vaidade.

ontra os vampiros das verbas públicas e arte privada.

A Arte que liberta não pode vir da mão que escraviza.

Por uma Periferia que nos une pelo amor, pela dor e pela cor.

É TUDO NOSSO!

Programa do governo pretende revolucionar a cultura no país

2007-11-12T09:25:00.000-08:00

Meus compadres e comadres: leiam artigo de Gilberto Gil e Juca Ferreira sobre o programa Mais Cultura, lançado dia 4 de outubro em Brasília, que revolucionará a cultura no país. Pensado a partir de uma ampla pesquisa do Ministério da Cultura (MinC) em parceiria com o IBGE - que apontou, entre outros dados, que tanto ricos, quanto pobres, gastam 4% do seu orçamento com cultura - o programa investirá R$ 4,8 bilhões na área até 2010. Serão criados 20 mil Pontos de Cultura e nove milhões de livros serão distribuídos a preços populares. Outra meta é a construção de bibliotecas em todas as cidades do Brasil. As fotos ao lado são cenas do lançamento do Mais Cultura para mais brasileiros.

Por Gilberto Gil e Juca Ferreira*

Nesta semana, comemoramos o Dia Nacional da Cultura. Momento de celebrarmos a força e a riqueza de nossa cultura brasileira, mas também momento de olharmos para as dificuldades que enfrentam hoje os brasileiros para produzir, difundir e acessar o conjunto das manifestações culturais do país e do mundo.

Há cerca de um mês, o presidente Lula lançou o programa Mais Cultura, que tem mobilizado esforços não só do Ministério da Cultura mas também de todo o conjunto do governo federal, além dos diversos Estados e municípios brasileiros, para garantir mais acesso e mais condições para que a diversidade cultural brasileira possa se manifestar em sua plenitude.

Programa sem precedentes na história do país, não só pela abrangência e pelo envolvimento nacional das diversas esferas de governo e da sociedade mas também porque coloca a cultura em um novo patamar, como prioridade para o desenvolvimento brasileiro.

O Mais Cultura baseia-se num amplo diagnóstico produzido pelo ministério em parceria com o IBGE. O estudo mostra que 87% dos brasileiros nunca foram ao cinema, 92% nunca foram aos museus, 78% nunca assistiram a espetáculos de dança. Os dados também mostram que a população de baixa renda sacrifica cerca de 4% de seus orçamentos mensais para a cultura, o mesmo percentual destinado pelos mais ricos. Por que chegamos a essa situação?

Em parte porque, no passado, governos desinformados não reconheceram a cultura como agenda estratégica. Em parte porque o conceito de política cultural freqüentemente se restringia a uma política de investimentos em demandas artísticas, sem considerar as várias outras manifestações e dimensões que fazem parte da cultura.

Para enfrentar essa realidade, o programa Mais Cultura ataca três dimensões. A primeira é a garantia do acesso. Aos serviços culturais, à produção cultural brasileira e às condições para a livre manifestação. A segunda é trabalhar para que as atividades culturais possam contribuir para melhorar o ambiente social do país, a qualidade de vida do brasileiro. Já a terceira dimensão trata da economia da cultura, que hoje é o setor que mais gera emprego e renda no mundo.

Balanço e desafios

No primeiro mandato, criamos centenas de Pontos de Cultura e museus comunitários e lutamos pela desconcentração regional do financiamento cultural. Invertemos a lógica do Estado tutelar e provedor e sua pretensão de ''levar cultura'' aos mais pobres e apostamos no envolvimento direto dos grupos culturais no que diz respeito aos seus projetos, seus destinos e seus modos de vida.

Agora estamos articulando no governo federal um modelo de gestão eficiente e integrado, descentralizado, acompanhado diretamente por órgãos de controle, como a Controladoria Geral da União. Com o apoio de uma rede de parceiros públicos, privados e da sociedade civil, serão investidos 4,8 bilhões de reais em cultura até 2010.

Chegaremos a todo o território nacional, principalmente às áreas e comunidades expostas à violência e fragilizadas em termos sociais, econômicos e educacionais.

Criaremos e modernizaremos centenas de bibliotecas e equipamentos culturais, de forma que não faltará biblioteca em nenhum município do país. Serão implementados 20 mil Pontos de Cultura, hoje são 650, que funcionam como núcleos vivos da cultura brasileira. Por meio deles, por exemplo, comunidades indígenas passaram a ter condições de gravar seus CDs e vídeos. Ampliaremos o programa com ações de preservação da memória das comunidades, brinquedotecas para as crianças, cineclubes para aumentar o acesso dos brasileiros à produção cinematográfica, além de diversas outras intervenções.

Finaciamento

Em parceria com os bancos oficiais, já começam a funcionar as linhas de financiamento para as micro, pequenas e médias empresas do setor cultural, além de operações de microcrédito. O Mais Cultura também apoiará a produção de programas de qualidade para a nova televisão pública. Nove milhões de livros a preços populares serão editados e distribuídos.

Implantaremos também o Vale Cultura, que funcionará como o ticket refeição, mas voltado para o acesso a espetáculos e a compra de livros e CDs, por exemplo.

Convido vocês a participar dessa empreitada para fazermos valer o Mais Cultura: nos procurem, se informem, cobrem de seus representantes. Acompanhem o que estamos fazendo e façam da nossa casa, o Ministério da Cultura do Brasil, a sua própria casa.

* Gilberto Passos Gil Moreira, o Gilberto Gil, 65, músico, é o ministro da Cultura. João Luiz Silva Ferreira, o Juca Ferreira, sociólogo, é secretário-executivo do Ministério da Cultura.

** Intertíulos do Vermelho.

Grande Sertão "antenasal de mim a palmo"

2007-11-05T02:17:00.000-08:00

Guimarães Rosa (1908-1967) é, por consenso, o maior escritor brasileiro de ficção da segunda metade do século 20. Um panorama da vida e da obra do autor de "Sagarana" é desvendado em "Guimarães Rosa", volume da coleção "Folha Explica", da Publifolha.

Na obra, assinada por Walnice Nogueira Galvão, professora livre-docente de literatura na USP, o leitor descobre e entende por que "Grande Sertão - Veredas" é considerado o principal romance do escritor, livro que transporta nossa língua para um plano de invenção nunca antes alcançado.

Juntamente com "Sagarana" e "Corpo de Baile", "Grande Sertão - Veredas" é uma das obras que definem o povo brasileiro e ensinam a pensar o país por outro viés, explica Walnice Nogueira.

Completa o livro uma bibliografia de e sobre o autor, em que se procurou selecionar o que é, de fato, tanto indispensável quanto ilustrativo do amplo espectro teórico e crítico que "Grande Sertão" suscitou.

Como o nome indica, a série "Folha Explica" ambiciona explicar os assuntos tratados e fazê-lo em um contexto brasileiro: cada livro oferece ao leitor condições para que possa refletir sobre o tema, de uma perspectiva atual e consciente das circunstâncias do país.

Quando Guimarães Rosa publicou seu primeiro livro, Sagarana, em 1946, duas vertentes assinalavam o panorama da ficção brasileira: o regionalismo e a reação espiritualista.

Sua obra vai representar uma síntese feliz das duas vertentes. Como os regionalistas, volta-se para os interiores do país, pondo em cena personagens plebéias e 'típicas', a exemplo dos jagunços sertanejos. Leva a sério a função da literatura como documento, ao ponto de reproduzir a linguagem característica daquelas paragens. Porém, como os autores da reação espiritualista, descortinando largo sopro metafísico, costeando o sobrenatural, em demanda da transcendência.

No que superou a ambas, distanciando-se, foi no apuro formal, no caráter experimentalista da linguagem, na erudição poliglótica, no trato com a literatura universal de seu tempo, de que nenhuma das vertentes dispunha, ou a que não atribuíam importância. E no fato de escrever prosa como quem escreve poesia - ou seja, palavra por palavra, ou até fonema por fonema.

Nesse sentido, Guimarães Rosa é único na literatura brasileira: foi em sua pena que nossa língua literária alcançou seu mais alto patamar. Nunca antes, nem depois, a língua foi desenvolvida assim em todas as suas virtualidades. A tal ponto que, na formulação de um de seus primeiros e melhores críticos, Cavalcanti Proença, ele chega a se confundir com a língua, colocando-se em seu ponto inaugural e, a exemplo dela, criando incessantemente.

Assim, por exemplo, toma a liberdade de trocar um sufixo por outro (prefere "abominoso" a abominável). Ou deriva um adjetivo, até então inexistente, de um substantivo; ou o contrário. Ou ainda inventa um verbo, a partir da enumeração das vogais ("o vento aeiouava"). Ou cunha um nome próprio, juntando o pronome de primeira pessoa em várias línguas --que, pronunciados à brasileira, se tornam irreconhecíveis-- para batizar a personagem Moimeichego (moi, me, ich, ego). E assim por diante. O escritor está reproduzindo os processos de criação da própria língua.

Dedicou-se incansavelmente a atacar o lugar-comum, que jamais utilizava, a menos que fosse para criar um análogo, antes escrevendo 'antenasal de mim a palmo' que 'a um palmo diante do nariz'. Esse propósito de inovação lingüística manifesta-se a todo momento em sua obra; e ele também se pronunciou a respeito em entrevistas e declarações.

Outra razão pela qual a leitura de Guimarães Rosa é uma experiência imperativa reside em sua capacidade de fabulação. Raramente houve na literatura brasileira um autor tão prolífico em diferentes enredos, com suma capacidade de inventar tramas e personagens.

Dentre estas, ao se concentrar nas que elegeu, o escritor como que dignifica o sertanejo pobre, mostrando como o mais papudo dos catrumanos dos cafundós pode aspirar à transcendência e se entregar a especulações metafísicas, sem precisar sequer saber ler.

Este livro tem por objetivo apresentar a obra do escritor, examinando-a de diferentes perspectivas. Um primeiro capítulo cuida de determinar o lugar que ocupa na literatura brasileira, mostrando como sua originalidade o torna incomparável, embora tenha precursores.

O Capítulo 2 se concentra em esmiuçar o mais importante de seus livros e único romance, Grande Sertão: Veredas (1956), assumindo que todos os grandes achados de sua ficção se encontram ali sintetizados. O terceiro capítulo é dedicado ao restante da obra de Guimarães Rosa, analisando desde Sagarana (1946), passando por Corpo de Baile (1954), Primeiras Estórias (1962) e Tutaméia - Terceiras Estórias (1967), até seus dois livros póstumos, Estas Estórias (1969) e Ave, Palavra (1970). O capítulo seguinte fornece os traços biográficos do escritor. E a Conclusão faz um balanço de seu papel em nossa cultura.

Completa este livro uma bibliografia de e sobre o autor, em que se procurou selecionar o que é, de fato, tanto indispensável quanto ilustrativo do amplo espectro teórico e crítico que essa obra suscitou.

"Guimarães Rosa"
Autor: Walnice Nogueira Galvão
Editora: Publifolha
Páginas: 80
Quanto: R$ 17,90
Onde comprar: nas principais livrarias, pelo telefone 0800-140090 ou pelo site da Publifolha

De Tião Carreiro a Lennon

2007-11-03T04:56:00.000-07:00

Em seu novo CD, Ivan Vilela grava releituras e busca novos sons para a viola

Para o violeiro Ivan Vilela, mineiro de Itajubá, o conceito de dupla é algo bem amplo. Vai de Tião Carreiro e Lourival dos Santos a John Lennon e Paul McCartney, passando por Edu Lobo e Capinam. Esses são apenas alguns dos autores que ele contempla no seu novo disco, Dez cordas, no qual mostra talento para fazer releituras.

“Quando gravei o autoral Paisagens, estava praticando viola para descobrir como usá-la. Agora resolvi fazer arranjos. Esse disco é importante porque registra essa fase, documentando a técnica que o Renato Andrade esboçou e para a qual dei implicações rítmicas e melódicas. Não toco as cordas da viola em cinco duplas, toco as 10 separadamente. Parece que estou tocando dois instrumentos”, explica.

No repertório, Valsinha (Vinicius de Moraes e Chico Buarque), Eleanor Rigby (John Lennon e Paul McCartney), Chora viola (Tião Carreiro e Lourival dos Santos), Nascente (Flávio Venturini e Murilo Antunes), Ponteio (Edu Lobo e Capinam) e While My Guitar Gently Weeps (George Harrison).

O que todas essas canções têm em comum? “Além de serem tocadas com a minha técnica, a amarração se dá com o meu jeito de fazer arranjo. A harmonia é feita com tonalismo e modalismo. Assim, há momentos em que a música toma rumo inesperado. Acho que é influência do Clube da Esquina, que pesquiso há anos. Além disso, gosto de criar espaços para o silêncio”, responde Ivan Vilela.

Por Eduardo Tristão Girão

Dia do Saci reafirma a cultura brasileira, diz sociólogo

2007-11-03T04:25:00.000-07:00

Já faz alguns anos que artistas, educadores, políticos e parcela da sociedade se mobilizam pela comemoração, em 31 de outubro, do Dia do Saci. A idéia é de se homenagear o personagem do folclore nacional mais conhecido e descrito na literatura no mesmo dia em que, nos Estados Unidos, se comemora o Dia das Bruxas, ou o Raloin, na grafia dos saciólogos.

Algumas cidades brasileiras, como São Paulo, já aprovaram leis que institui a data como Dia do Saci e pela preservação da cultura nacional. Mas o projeto que institui a data em âmbito nacional ainda aguarda aprovação no Congresso Nacional. Dois projetos de lei - do deputado Aldo Rebelo (PCdoB-SP) e da ex- deputada Angela Guadagnin (PT-SP) - se fundiram e foram apresentados à Comissão de Educação e Cultura, que aprovou a medida. Falta a matéria ir a plenário.

Em entrevista à Fórum, Mouzar Benedito, membro da Sociedade dos Observadores do Saci (Sosaci), entidade fundada em 2003, lembra que já faz alguns anos que, no dia 31, o povo brasileiro está comemorando o Raloim, "uma festa imperialista, deformadora do caráter das crianças". Segundo ele, "precisamos nos contrapor a isso. O mais importante é legitimarmos a discussão da mitologia brasileira como resistência à invasão cultural.".

"Nós da Sosaci acreditamos que o dia 31 deve ser o Dia do Saci e seus amigos, justamente pela importância de valorizamos a cultura brasileira. Somente escolhemos o Saci para representar, pois ele é o mito brasileiro mais conhecido no país, além de representar à síntese dos três grandes povos que deram origem ao povo brasileira - o povo guarani, o povo africano e o povo europeu", diz Mouzar.

A seu ver, "o Saci representa muito bem o povo brasileiro, alegre e peralta". Mouzar também é autor do Anuário do Saci, uma agenda que vale por três anos e traz o "lado B da" história do Brasil.

Todos nessa Travessia!

2007-10-11T11:38:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.

Gostaria de lembrá-los que agora, no próximo dia 20, às 20 horas, no Teatro Sesiminas, em Uberaba, estarei apresentando meu trabalho de cultura popular com rabeca, muitos causos, poesias caboclas e cordel, num evento promovido pela ACUAS em parceria com o SESI-FIEMG.

Nessa noite estarei acompanhado da minha confraria borôra (termo relacionado aos bororos, primeiros habitantes da região de Uberaba)*, mano véio Domingão, Tõem Divito, e mais o ACUAS-Quinteto que mostrará sua cara pela primeira vez. Tem também dois convidados: o percussionista pernambucano Carlos Tampa e o compositor Marcelo Tainara. Vai ser um showzaço. Não percam!

Inda tem mais uma coisinha: estamos precisando da ajuda valiosa dos compadres e comadres para ajudar a divulgar o evento e vender ingressos. Como todos sabem, nossos eventos estão acontecendo ainda sem patrocínios e estamos cobrindo nossas despesas com as bilheterias. Quem puder também compôr nossa equipe de divulgação e venda de ingressos é só ligar no telefone 3076 1477 e combinar com a Maristela.

Um beijão prá todo mundo.

Inté.

*Professor Edelwais Teixeira, historiador e folclorista, nos dizia que a pronúncia correta do nome dos índios que viviam na região de Uberaba é "borôros" e não "bororós" como a gente, equivocadamente, sempre diz.

Samba carioca é declarado Patrimônio Cultural do Brasil

2007-10-10T11:25:00.000-07:00

O mais recente Patrimônio Cultural do Brasil está no pé do sambista, na mão do pandeirista, no som do cavaco, em cima dos morros, na Marquês de Sapucaí. O Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan) registrou oficialmente as matrizes do samba do Rio de Janeiro (samba de terreiro, partido-alto e samba-enredo) no Livro de Registro das Formas de Expressão, nesta terça-feira (9).

O pedido de registro foi feito pelo Centro Cultural Cartola, com apoio da Associação das Escolas de Samba do Rio de Janeiro e da Liga Independente das Escolas de Samba (Liesa). Nilcemar Nogueira, presidente do centro e neta do compositor Agenor Ferreira, o Cartola, fez o pedido, pois temia o enfraquecimento das matrizes do samba do Rio. "Meu avô foi um dos pioneiros da popularização dessa forma de samba, no final da década de 20. Quero proteger seu legado cultural", alega.

A pesquisa que levou ao registro, feita pelo Centro Cultural Cartola com orientação do Iphan, reúne um conjunto de referências históricas: monografias, teses, livros, vídeos, reportagens, discografia da época e o testemunho de sambistas da velha guarda, como Monarco, Xangô da Mangueira, Nelson Sargento. Desde as reuniões em casa de Tia Ciata, no início do século 20, a pesquisa identifica o samba nos blocos, nos morros, nas ruas e quintais. O estudo mapeou as seis escolas de samba mais antigas do Rio: Mangueira, Portela, Salgueiro, Vila Isabel, Império Serrano, Estácio de Sá.

A partir do material pesquisado, o Iphan produziu um vídeo-documentário e um dossiê de pesquisa. Ambos estão disponíveis no site www.iphan.gov.br.

Matrizes do samba

O samba de terreiro faz referência aos espaços de encontro e celebração dos sambistas, que ali dançam um samba livre com as marcas de sua ancestralidade. Nos terreiros, pátios das escolas de samba, cantam as experiências da vida, o amor, as lutas, as festas, a natureza e a exaltação das escolas e da própria música.

Já o partido-alto é marcado pelos versos de improviso. Nasceu das rodas de batucada, onde o grupo marca o compasso, batendo com a palma da mão e repetindo o refrão e inventando estrofes segundo um tema proposto. É o refrão que serve de estímulo para que um participante vá ao centro da roda sambar e com um gesto ou ginga de corpo convide outro componente da roda.

Com a criação das primeiras escolas de samba, no final da década de 1920, o samba se adaptou às necessidades do desfile. Criou-se uma nova estética e uma nova modalidade: o samba-enredo. O compositor elabora seus versos com base no tema (enredo) a ser apresentado pela escola, descrevendo uma história, de maneira melódica e poética. De sua animação e cadência depende todo o conjunto da agremiação, tanto em termos de evolução como de envolvimento harmônico.

Salvaguarda

A preservação da tradição do samba no Rio de Janeiro foi pensada de forma a retomar a prática espontânea, de improviso, sem limitar a transmissão do saber às aulas das escolas de samba. Com a espetacularização do samba-enredo, diminuíram-se os espaços para se praticar as formas mais tradicionais do samba - partido-alto e o samba de terreiro. Houve redução da quantidade de solistas de instrumentos como o pandeiro e a cuíca, e diminuição no número de partideiros, os improvisadores.

Por isso, o Iphan recomenda a criação de um plano de salvaguarda que incentive, apóie e promova ações de valorização das formas originais do samba no Rio de Janeiro. Esse plano requer a articulação das comunidades de sambistas, inclusive da velha-guarda, principais detentores da tradição e dos saberes.

Entre as ações preliminares, sugeridas a partir da demanda dos próprios sambistas, está o incentivo à pesquisa histórica e à produção de biografias. Ao mesmo tempo, promover a encontros de mestres partideiros e versadores, nas próprias comunidades originais dos sambistas, com a presença dos mais jovens. O registro em áudio e vídeo desses encontros ajudaria a difundi-los e revitalizá-los.

Integração

O samba do Rio de Janeiro contribui para a integração social das camadas mais pobres. Tornou-se um meio de expressão de anseios pessoais e sociais, um elemento fundamental da identidade nacional e uma ferramenta de coesão, ajudando a derrubar barreiras e eliminar preconceitos. Incentivar a prática do samba é também uma maneira de minimizar as diferenças sociais.

A identificação e o reconhecimento das formas de samba brasileiras é uma das diretrizes do Iphan, que se insere na proposta da atual gestão do Ministério da Cultura, de construção de um mapa cultural do Brasil. Entre os 11 bens reconhecidos como patrimônios imateriais brasileiros, se destacam algumas das várias formas de samba dançadas no território nacional. Já receberam o título: o samba de roda no Recôncavo Baiano, o tambor de crioula no Maranhão e o jongo no Sudeste.

Ministério da Cultura

2007-09-28T05:46:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.
Mais uma cariocada em cima do Galo. Lembram de 1981 quando o Zé Roberto White expulsou quase que o time inteiro do Atlético, contra o Flamengo, no Serra Dourada, em Goiânia? O campo era neutro, mas o juiz não.

Agora, a punição imposta ao nosso Glorioso pelo Superior Tribunal de Justiça Desportiva – STJD beneficia novamente o Flamengo. Os dois clubes se enfrentam neste sábado e lutam contra o rebaixamento.

O Galo perdeu o mando de campo em uma partida, foi multado em R$ 10 mil, por causa de um par de chinelos arremessado ao gramado do Mineirão durante o clássico contra o Cruzeiro e Coelho foi suspenso por 120 dias pela entrada no meia Kerlon durante o jogo. Cabe recurso.

Quanto ao Coelho acho que deveria ser punido, mas quatro meses sem jogar foi exagero. Quanto ao malabarista jogador do Cruzeiro acho que ele está mais para picadeiro que prá campo de futebol.

O Ziza falou: “O Rio é sempre beneficiado. No caso específico nosso, o juiz que estava presidindo a sessão afirmou durante o julgamento que era flamenguista. E se comportou como tal. Ele deu o voto de Minerva contra a gente. Já no caso do Flamengo, ele deu a favor. Os fatos são absolutamente iguais e somente nós fomos punidos”, disse Ziza Valadares.

Ele está falando do julgamento do Flamengo no mesmo dia que o Atlético. Os cariocas foram absolvidos pelo STJD e escaparam de perder mando de campo e arcar com uma multa em função de objetos atirados no gramado do Maracanã durante o clássico com o Vasco.

Dodô do Botafogo foi perdoado de punição depois de ter sido flagrado em exame de anti-dopping.

Este ano na Copa do Brasil o juiz Simon tirou o Galo da competição para o mesmo Botafogo continuar. No finalzinho do jogo sofremos um pênalti e o cabra não marcou. Deu vantagem. Já viram vantagem em pênalti? Só quando sai o gol. Mas não foi o caso. Depois pediu desculpas. É fácil, né. Esse povo erra e pede desculpas com uma facilidade...!

Lembram ainda da decisão de 74 do Cruzeiro contra o Vasco? O jogo era no Mineirão e na hora "h" foi transferido para o Maracanã e lá o juiz Armando Marques se encarregou de dar o título ao Vasco?

Ainda tem o Zé de Assis Aragão que andou expulsando um monte de jogador do Galo em outras decisões contra o mesmo Flamengo.

Esse STJD não tinha que ter sede em Brasília? Porque é no Rio de Janeiro?

Pois é, minha gente. Quando não são os juizes dentro de campo são os juizes nas mesas dos tribunais prejudicando os times mineiros em favor dos clubes cariocas.

Hélio Siqueira

2007-09-21T14:16:00.000-07:00

Meus compadres e comadres,
Dia 01 de outubro, às 19 horas, na Galeria do Centro Cultural José Maria Barra será a abertura da mostra de cerâmica do amigo e artista Hélio Siqueira denominada “Oratórios”.

"Hélio Siqueira é um artista que trabalha com múltiplas linguagens, começando pelo desenho, passando pela pintura, cerâmica, tecelagem, música, teatro, figurino e chegando à ação cultural, trabalho este que o artista realiza paralelo ao da criação individual.

A exposição ORATÓRIOS apresentada agora na Galeria de Arte do SESI de Uberaba, trás como inspiração, várias vertentes da arte mundial. O artista vai buscar seus temas na arte dos povos primitivos como: nos monolitos da Ilha de Páscoa, na cerâmica chipriota do Museu do Louvre “Madre y Nino”, na “Vênus de Willendorf”, nas esculturas de “Adelina Gomes” do Museu do Inconsciente e nos Oratórios da arte sacra mineira.

Sempre com algumas acrobacias irônicas em torno da desmistificação e uma pitada de erotismo, fator constante em suas cerâmicas, o artista comunga com a idéia de que a arte, ao contrário do que muitos pensam, deve ser inédita, imprevista e extremamente imaginativa."

O crítico mineiro Walter Sebastião escreve que: “Há uma força de algum modo alegórico nestas obras cujo mote, insistentemente, parece ser um momento após a percepção da forma por si, instante em que irrompe na matéria um algo mais, ‘imaterial’ e simbolicamente, capaz de contagiar todas as coisas, mesmo os objetos mais cotidianos e a natureza, tensionando a sua naturalidade, dando corpo a fantasmas individuais e coletivos, evocando um antes, primal, que foi suprimido.”

Exposição “ORATÓRIOS”
Centro Cultural José Maria Barra – SESI/Uberaba
Abertura: 01/10/2007, às 19h, na Galeria de Arte
Visitação de 02 à 30 de outubro de 2007
Praça Frei Eugênio, 231 – São Benedito
Tel.: (34) 3322-2021 ou 3322-2023

Concretismo: 50 anos de uma poesia genuinamente brasileira

2007-09-15T07:14:00.000-07:00

A poesia concreta, movimento artístico genuinamente brasileiro, completou 50 anos do seu lançamento em dezembro de 2006, sem que houvesse grande repercussão na imprensa, a não ser em veículos especializados em literatura. E, assim mesmo, a divulgação ficou muito aquém do esperado, se levarmos em conta a importância que essa revolução poética teve (e tem) para a cultura nacional.

Na verdade, tudo começou em 1952, quando um grupo de poetas (notadamente os irmãos Haroldo e Augusto de Campos e Décio Pignatari) se congregou para lançar uma nova revista: a Noigandres, palavra extraída de um poema de Ezra Pound, sem nenhum significado.

Ressalte-se que a expressão "arte concreta" é muito anterior a esse movimento. Foi usada, pela primeira vez, não na poesia, mas no campo das artes plásticas, por Theo Van Doesburg, em 1930, para caracterizar toda a arte que se tinha desvinculado por completo da mera imitação da natureza.

Ou seja, aquela de caráter não-figurativo. Quem trouxe esses princípios para o campo das letras foram, originalmente, os irmãos Campos e Décio Pignatari, aos quais logo vieram se juntar o carioca Ronaldo Azeredo, Ferreira Gullar e Waldimir Dias Pino.

Não tardou para que o movimento ganhasse novas adesões, entre as quais as de José Lino Grünewald, Reinaldo Jardim e do crítico Oliveira Bastos. Até Manuel Bandeira, na ocasião o decano do Modernismo no Brasil, chegou a realizar algumas experiências poéticas concretas. E foi além da mera experimentação. Em sua coluna diária de crônicas, publicada em vários jornais do País, o poeta pernambucano fez vários comentários favoráveis a essa renovadora tendência poética.

Elogios e críticas

Mas o marco oficial do novo movimento foi, mesmo, a Exposição Nacional de Arte Concreta, levada a efeito no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM) em dezembro de 1956. Participaram dessa mostra histórica os artistas plásticos Geraldo Barros, Aluísio Carvão, Lygia Clark, Waldemar Cordeiro, João S. Costa, Hermelindo Fiaminghi, Judith Lauand, Maurício Nogueira Lima, Rubem M. Ludolf, César Oiticica, Hélio Oiticica, Luís Sacilotto, Décio Vieira, Alfredo Volpi, Alexandre Wollner, Lothar Charoux, Lygia Pape, Amílcar de Castro, Kasmer Fejer, Franz J. Weissmann e Ivan Serpa. E, claro, como convidados de honra, fizeram-se presentes os poetas Augusto e Haroldo de Campos, Décio Pignatari, Ronaldo Azeredo, Ferreira Gullar e Waldimir Dias Pino.

Foram expostos, naquela oportunidade, cartazes-poemas, ao lado de obras pictóricas e de esculturas. A mostra foi um sucesso, pelo menos de crítica. Agitou os meios artísticos paulistas e não tardou a ganhar repercussão nacional.

Claro que, junto a referências elogiosas aos trabalhos expostos, não faltaram críticas, que, aliás, todas as obras transgressoras de cânones vigentes, via de regra, produzem. As soluções gráficas dos cartazes (como padronização de tipos, diagramação etc.) foram sugeridas na ocasião pelo artista plástico e publicitário Hermelindo Fiaminghi, um dos expositores.

Contudo, o impacto maior da eclosão do movimento concreto não foi o causado pela mostra paulista. Ocorreu, de fato, quando a exposição foi levada ao Rio de Janeiro, dois meses depois, em fevereiro de 1957.

Muitos críticos consideram esta segunda data como a da gênese do concretismo poético no Brasil. Discordo. Mas devo admitir que só a partir dessa segunda mostra, montada no saguão do Ministério de Educação e Cultura da então Capital Federal, que a poesia concreta ganhou amplo espaço na imprensa, já que jornais e revistas, de grande circulação, deram cobertura ao evento.

Pela renovação

Tenho uma visão bastante particular sobre movimentos e escolas literários, que tentarei expor de forma bastante sucinta. A palavra "poesia", permitam-me lembrar, vem do grego "poesis". Trata-se de substantivo derivado do verbo "poieô", que indica a ação de fazer. "Poieô" tem, também, estes significados: fabricar, confeccionar, fazer por si, fazer de acordo com seu gosto, criar por si, fazer a si mesmo e apreciar, julgar.

Por derivação, "poietis" é o sujeito realizador dessas ações. Ou seja, é o autor, criador, inventor, fabricante, artesão. Sua realização é a "poiesis" e o "poiema", a obra, os atos de criação do espírito, a invenção. O poeta, portanto, é um criador. Cria novos seres a partir dos que já existem. Ou seja, lhes dá novas significações e expressões. Daí fazer-se, com assiduidade, uma analogia (bastante válida) entre a poesia e a criação divina.

Para mim, não importa a forma com que um poema é produzido. O que conta é a criatividade, a originalidade e o bom-gosto da obra. No meu processo de criação poética, tanto lanço mão de princípios do parnasianismo, ou do simbolismo, ou de formas muito mais antigas, quanto (quando julgo ser a melhor maneira de expressar o que quero) de cânones da poesia concreta. Tanto recorro, por exemplo, ao soneto, com métrica, rima e ritmo, quanto a versos brancos, dependendo do quê e de como desejo me expressar.

É certo que movimentos como o concretismo contribuem para renovar a arte de compor. Faço uma analogia com a água. Se esta for corrente, tende sempre a se renovar, a se purificar, a ser potável. Se ficar estagnada, contudo, em pouco tempo se torna doentia, poluída, insalubre, não-utilizável para consumo.

Esses movimentos renovadores fornecem, ao artista, alternativas, que são sempre válidas, desde que utilizadas com perícia, com talento e com bom-gosto. Mas não me sinto antiquado e nem considero o poema como inferior se recorrer às regras do parnasianismo, por exemplo. Não se trata de preconceito da minha parte contra o que lembre vanguarda, já que em arte, idéias preconcebidas, dogmas e regras rígidas somente tendem a engessar a criatividade.

"Contra a infuncionalidade"

Tanto não sou avesso à poesia concreta (como chegaram a me acusar), que em inúmeras ocasiões perpetrei poemas com essas características, como o que peço licença para expor, abaixo, composto em Campinas, em 30 de outubro de 1982:

Sol, som, só

Sol.
Som.
Só.

Soluço sombrio
solvendo sossego,
saindo sozinho
sem solução.

Sombras salientes,
severas, soturnas,
sangram, sicárias,
as suas saudades.

Sonhando,
sofrendo,
suando,
sabendo,
semeio
safiras,
seduzo
sereias,
saqueio
sampanas,
sibilo
sonetos,
sossego
sabendo,
sentindo
ser só.

Sol,
suor,
seiva...
Sons,
silvos,
sambas.
Saudades,
"soledades",
solidão...

Um dos criadores da poesia concreta, Augusto de Campos, explicou, em um artigo: "A revolta da poesia concreta não é contra a linguagem. É contra a infuncionalidade e a formalização da linguagem (...) não há razão para supor que os poetas concretos tenham criado uma nova linguagem, ou seja, que sua poesia escape por completo a qualquer categoria formal da linguagem. Se suas estruturas não coincidem com um determinado tipo de estrutura lingüística (a ocidental ou indo-européia, de modo geral) imposto pela tirania do hábito, isto não quer dizer que os poetas concretos não se sirvam de procedimentos conceituais e gramaticais universamente conhecidos".

Em suma, para mim, da forma que entendo essa importante vertente de expressão artística, não há poesia arcaica e nem de vanguarda. Ela não pode, não deve e nem é antiquada ou moderna. Nada proíbe (nem deve proibir) o poeta de lançar mão de que forma que for de expressão. Só há um, e único tipo de poesia: a que sensibiliza, que comunica, que transmite pensamentos, sentimentos e emoções. E esse, parodiando Carlos Drummond de Andrade, é, sobretudo, eterno.

Pedro J. Bondaczuk

Construtivismo no Brasil

2007-09-15T07:05:00.000-07:00

Concretismo e Neoconcretismo

Haroldo de Campos

O Construtivismo brasileiro tem suas raízes na década de 1950. De fato, em 1949 se situam as primeiras atividades de artistas com Waldemar Cordeiro (pesquisas com linhas horizontais e verticais; criação do Art Club de São Paulo, dedicado ao experimentalismo), bem como as experimentos iniciais de Abraham Palatnick com a luz e a cor; de Mary Vieira com volumes; de Geraldo de Barros com "fotoformas". Como precursoras dessa tendência se poderiam citar, nos anos 20, as estruturas neocubistas de Tarcila do Amaral (1886-1973), animadas por um "colorismo" voluntariamente ingênuo, "caipira". Tarsila foi discípula, em Paris, de Lhote, Gleizes e Léger e, de volta ao Brasil, lançara a "pintura pau-brasil", da qual, posteriormente, desenvolveu-se a "pintura antropofágica". Casada com o poeta e romancista experimental Oswald de Andrade (1890-1954), a mais dinâmica figura do Modernismo de 22, com ele se empenhou nos homônimos movimentos de vanguarda, anunciados por memoráveis manifestos oswaldianos. Outro pioneiro foi Vicente do Rego Monteiro (1899-1970), ativo em Paris e no Brasil, influenciado, em suas figurações geométricas, tanto pela tendência Art Déco quanto por um cubismo estilizado e "tropicalizado" ("primitivista")

Em 1950, Max Bill apresenta uma exposição individual no Museu de Arte Moderna de São Paulo (fundado em 1947) e, em 1951, recebe o Prêmio Internacional de de Escultura com a Unidade Tripartida, na I Bienal de São Paulo. Nesse mesmo ano, Mary Vieira e Almir Amvignier deixam o Brasil: a primeira para estudar com Max Bill e radicar-se na Suíça (Basiléia); o segundo, para matricular-se na Escola Superior da Forma ( Hochschule für Gestaltung), Ulm, e radicar-se na Alemanha. Em 1952, forma-se o grupo de pintores concretos de São Paulo, liderados por Waldemar Cordeiro (jovem artista ítalo-brasileiro, educado em Roma, ideologicamente influenciado pelo marxismo gramsciano). O grupo, inicialmente constituído por Charoux, Geraldo de Barros, Fejer, Leopold Haar, Sacilotto e Anatol Wladyslaw, além de Cordeiro, lançam polêmico manifesto, sob o título "Ruptura". Aos construtivistas de "Ruptura" logo se aliam os poetas do grupo Noigandres (revista-livro fundada em 1952, em São Paulo, por Augusto e Haroldo de Campos e Décio Pignatari). Das atividades e experimentos do grupo Noigandres emergiria, entre 1953 e 1956, o movimento de poesia concreta , cujo lançamento público iria ocorrer na "Exposição Nacional de Arte Concreta" ( São Paulo, dezembro de 1956; Rio de Janeiro, fevereiro de 1957), na qual tomaram parte poetas e artistas plásticos de São Paulo e do Rio de Janeiro. Os construtivistas do Rio pertenciam ao Grupo Frente, fundado em 1954, sob a liderança de Ivan Serpa; quanto à poesia, participavam da mostra o poeta e crítico de arte Ferreira Gullar (maranhense de nascimento), expressamente convidado por Augusto de Campos, e o mato-grossense Wladimir Dias Pino .

No plano internacional, o movimento, na sua dimensão poética, foi colançado pelo poeta suíço-boliviano Eugen Gomringer (secretário de Max Bill na Escola Superior da Forma) a quem Décio Pignatari encontrara numa visita a Ulm, em 1955 ( Gomringer chamava Konstellationen suas composições de estrutura ortogonal e linguagem reduzida, escritas em alemão, francês, inglês e espanhol, mas aceitou a denominação geral poesia concreta/ konkrete dichtung, proposta pelo grupo Noigandres que, por sua vez, costumava designar por "ideogramas" seus poemas em geral de semântica mais complexa, plurilingues e de múltiplas direções de leitura. A cooperação entre os poetas concretos brasileiros e Gomringer resultou numa kleine anthologie konkreter poesie, de âmbito plurinacional, editada pelo poeta das "constelações" no n°8 da revista Spirale (Berna, 1968). Em 1959, os artistas concretos do Rio, sob a liderança de Ferreira Gullar, lançam a dissidência denominada Neoconcretismo, anunciada por um manifesto publicado no Jornal de Brasil, cujo Suplemento Dominical se convertera na tribuna dos poetas e pintores da vanguarda brasileira. No plano estético, o dissídio explicava-se pela diferença de formação do grupo carioca, em especial de seu porta-voz e teórico, F. Gullar, cuja concepção artística progredia da matriz surrealista francesa, aguçada pelo sonorismo glossolático e fraturado de Antonin Artaud, e decantada pelo cubismo e pela abstração geométrica, uma concepção de forte marca subjetivista; os paulistas, acusados pelos cariocas de "racionalistas", defendiam, na verdade um "racionalismo sensível", uma dialética "razão/sensibilidade", que não discrepava da máxima de Fernando Pessoa: "Tudo que em mim sente está pensando" e que não encontraria maiores objeções da parte do Mallarmé da "geometria do espírito", do Lautréamont do elogio às matemáticas; do Pound da equação "poesia" igual à matemática inspirada" e, entre nós, de João Cabral do lecorbuseano e valeryano O Engenho (1945), mas que irritava o expressionismo subjetivista do grupo do Rio, sobretudo de seu mentor no nível crítico-teórico. Os pintores se São Paulo estavam influenciados pelo neoplasticismo de Mondrian pelo construtivismo derivado do De Stijl holandês, pelos futuristas italianos e pela vanguarda russa (Gabo, Pevsner, Tátlin, Lissístski, - Maliévitch também, no seu extremado despojamento "suprematista", apogeu de certa leitura do cubismo) bem como pela experiência participativa do Bauhaus de Gropius, retomada no pós-guerra pela escola de Ulm, dirigida por Max Bill, onde lecionava o filósofo de estética e semioticista Max Bense. O principal alvo dos "neo" artistas do Rio, que juntaram (para distinguir-se) um prefixo neo ao concretismo, era Waldemar Cordeiro, teórico de idéias combativas e formação marxista não-jdanovista; lembre-se, a propósito o ataque de Theo Spanudis, colecionador de arte, psicanalista e poeta amador, alistado ao neoconcretismo desde o primeiro momento, aos poetas de Noigandres, que lhe pareciam "barroquisantes em confronto com o "despojado" Gomringer, e que estariam sob a "deletéria" influência do "marxista" Cordeiro (cf. "Gomringer e os Poetas Concretos de São Paulo"; Suplemento Dominical do Jornal do Brasil, R. de Janeiro, 15.09.57) Forte componente da discórdia entre ambas as facções construtivistas (a "concreta" e a "neo") estava situada, portanto, no plano da política artística, com matizes reivindicativos de prestígio regional, quando não eram meramente idiossincráticos, de "desafinidades" eletivas: caso de Willys de Castro e de Barsotti que, apesar de uma efêmera participação na Galeria NT (1963), incompatibilizaram-se com o "agressivo" Cordeiro e, consequentemente, buscaram abrigo junto à dissidência carioca, onde foram bem aceitos. Hoje essas divergências, em boa parte, dados os méritos respectivos dos artistas plásticos envolvidos, pertencem sobretudo à pequena história" e não relevam; que divergência maior havia, por exemplo, salvo o timbre intransferível da personalidade de cada um, entre o construtivista já op Sacilotto e a Lygia Clark da fase anterior a suas inventivas intervenções plásticos-terapêuticas e comportamentais (das borrachas contorcionistas às tramas de fios e baba salivar)? Razão tinha Hélio Oiticica, o mais jovem e um dos mais ousados e criativos entre os artistas do Rio, quando, em 1967, deu o exemplo de largueza de compreensão e superação de ressentimentos, ao organizar a exposição "Nova Objetividade Brasileira" sob o signo da relativização dos "ismos" e da "vocação construtiva" como ideal comum, convidando para dela participar o inimigo n°1 do "neoconcretismo" carioca, Waldemar Cordeiro, que então desenvolvia, em cooperação com o poeta Augusto de Campos, a fase "pop creta" de seu trabalho (exposição na Galeria Atrium de S. Paulo, 1964) bem como artistas mais novos (Antonio Dias, Gerschman, o grupo libado a Wesley Duke Lee).

Quanto ao neoconcretismo em poesia, foi tendência de curta duração, que deixou magro saldo. Gullar, convertendo-se a uma linha populista de impostação neojdanovista, partiu já em 1962 para o malogro equivocado do Violão de Rua, tornando-se porta-voz das teses dogmáticas do CPC (Centro Popular de Cultura). Na ocasião os poetas concretos de São Paulo, alinhados ideologicamente à esquerda, porém anti-stalinistas, anti- "realismo socialista", reclamavam-se, por sua vez, de Maiakóvski ("sem foram revolucionária, não há arte revolucionária", "a novidade, novidade do material e do procedimento, é indispensável a toda obra poética"; ver o "PS - 1961", acrescentado ao Plano Piloto para Poesia Concreta" de 1958, Teoria da Poesia Concreta, Textos críticos e Manifestos, São Paulo, Edições Invenção, 1965/ 3° edição: São Paulo, Brasiliense, 1987. Hoje, passados 40 anos da "Exposição Nacional de Arte Concreta" ( quando eu próprio, já há mais de duas décadas, não faço "poesia concreta" no senso estrito do conceito, embora continue perseguindo a concretude na linguagem e prossiga nutrindo-me do ostinato rigore da fase concretista dos anos 50 e 60) parece-me que ambas as orientações artísticas daquele período fecundo e polêmico, com as naturais diferenças de temperamento e realização, podem ser vistas com variantes - até complementares- de um "Projeto Construtivo Brasileiro", título aliás da grande exposição retrospectiva apresentada, em 1977, no MAM do Rio e na Pinacoteca do Estado de São Paulo, sob a curadoria da crítica e historiadora da arte Aracy Amaral.

O grande mestre, aliás, respeitado por ambas as tendências e respaldado pela crítica de SãoPaulo, (Mário Schenberg à frente) e do Rio ( Mário Pedrosa), foi Alfredo Volpi (1896-1988), cujo centenário de nascimento se comemora esse ano,. Nascido em Lucca na Itália e jamais naturalizado formalmente, Volpi teve um longo convívio com os pintores e poetas concretos paulistas ( Décio Pignatari o definia como um "Mondrian trecentista"). Equivocadamente tido por alguns como um pintor "primitivo", o lacônico mas juundo Volpi era na verdade um sábio, um refinado mestre do olhar e do gesto pictórico, soberano no trato das "estruturas elementares" (por assim dizer) da visualidade e da cor (obtida por um sutilíssimo domínio da têmpera).

A arte concreta no Brasil - que entretém remotas afinidades com o geometrismo da cerâmica e dos motivos da pintura corporal indígena, assim como o pré-cubismo das esculturas e objetos religiosos africanos; que emergiu coincidentemente no tempo com a criação de Brasília, a nova Capital, por obra do arquiteto Oscar Niemeyer e do urbanista Lúcio Costa - teve grande influência no design (sobretudo por obra de Alexandre Wollner e Geraldo de Barros e, no plano teórico, pelas intervenções de Décio Pignatari); na propaganda (Fiaminghi, Pignatari, Mavignier); na reformulação visual da imprensa (Amílcar de Castro, em 1957, programou o novo lay-out do jornal do Jornal do Brasil, diário de alcance nacional, que abrigava as manifestações da vanguarda construtivista); junto à música de vanguarda, cujos compositores publicaram seu manifesto no n°3 da revista Invenção, junho de 1963, dirigida pelos concretos de S. Paulo, como também junto à nova música popular ( o sofisticado movimento Tropicalista de Caetano Veloso e Gilberto Gil, influenciado por idéias de Hélio Oiticica, pela prática inovadora da poesia brasileira - de Oswald e João Cabral à poesia concreta - e apoiado, pioneiramente, no plano crítico e musicológico, por Augusto de Campos; cf. A. de Campos, O Balanço da Bossa e Outras Bossas, São Paulo, Perspectiva, 1974 ( 1° ed.1968). Já em 1960, mesmo após a manifestação pública da dissidência neo, artistas de ambas as vertentes construtivistas concorriam simultaneamente à grande exposição koncrete kunst, organizada por Max Bill em Zurique, regida por um critério abrangente, gesto de amplitude que seria repetido em 1967 por Hélio Oiticica (em contato e correspondência com os poetas concretos de S. Paulo - Haroldo de Campos e Décio Pignatari sobretudo- a partir daquela década e até o seu falecimento em 1980).

Da ótica dessa "Nova Objetividade" ou "Novo Objetivismo" (veja-se o texto de H. Oiticica: Esquema Geral da Nova Objetividade), a arte construtiva brasileira constitui um magnífico exemplo da antropofagia cultural, preconizada por Oswald de Andrade: devoração crítica do legado universal sob a perspectiva da "diferença" brasileira. "Somos concretistas" escreveu, com efeito, Oswald em seu fundamental Manifesto Antropófago de 1928, referindo o exemplo "sonorista" (zaúm diriam os futuristas russos) extraído de uma canção indígena brasileira (em língua tupi-guarani)

catiti catiti
imara notiá
notiá imara
ipeju

E se, de fato, como já ficou dito, o construtivismo brasileiro pode reivindicar raízes pré-cabralinas na arte aborígene - da cerâmica `a pintura corporal e a essa verdadeira joalheria de cores em acorde luminoso que é a arte plumária, por um lado; por outro, encontra manifestas afinidades com o jogo de formas combinatórias, vertiginosas, de nosso Barroco miscigenado, de tradição ibérica mas caldeado no trópico, cuja extroversão pública se dá, por exemplo, na "festa" comunitária dos "triunfos" eclesiásticos-dramáticos, tão bem estudada por Affonso Ávila (nosso maior especialista nesse campo intersemiótico, onde coesistem aspectos lúdicos verbais e não-verbais) revela também, por mais de uma faceta, traços de congenialidade com relação às manifestações populares, barroquizantes em seu explendor multicolorido e em suas evoluções rítmico-alegóricas, tais como o carnaval do Rio(mais pagão e urbano) e o da Bahia (onde o elemento afro tinge de sacralidade o vistoso dos trajes e o cerimonioso dos passos nos desfiles) não à toa Hélio Oiticica, músico da plástica e passista da Mangueira, soube sintetizar essas essas harmonias "simpoéticas" na invenção do parangolé (asa delta para o êxtase, como já o defini).

Emir Sader celebra o Guerra e Paz de Portinari

2007-09-13T19:00:00.000-07:00

Neste ano, cumprem-se 40 anos da inauguração dos painéis Guerra e Paz, de Candido Portinari, no prédio da ONU, em Nova York. Quadros que não puderam ser inaugurados pelo pintor brasileiro, que teve sua entrada nos EUA impedida por negação de visto de parte do governo estadunidense, sob acusação de “comunista”. Até hoje os quadros estão no Conselho de Segurança, sem identificação, a ponto que os guias não sabem inidicar aos visitantes a autoria dos painéis. Este ano está prevista uma cerimônia que “inaugure” uma das obras primas do maior pintor brasileiro, 50 anos depois. Este artigo celebra os quadros, mais do que atuais, de Portinari.

Por Emir Sader*

Desde que Portinari pensou na idéia dos painéis de guerra e paz, muitos canhões dispararam, muitos acordos de paz foram obtidos. Mas o que aconteceu com esses dois temas cruciais que têm cruzado toda a história da humanidade, desde então?

As observações de Che Guevara

Quando pintava os painéis, Portinari pode conhecer o que seria o “pós-guerra”, depois daquela que foi praticamente uma única guerra – interimperialista – de 1914 a 1945. Chegada a paz, que mundo seria aquele?

Em 1967 o Che se referia a esse período:

"Já se cumpriram vinte e um anos desde o fim da última conflagração mundial e diversas publicações, em infinidade de idiomas, celebram o acontecimento simbolizado pela derrota do Japão. Há um clima de aparente otimismo em muitos setores dos distintos campos em que o campo se divide.”

“Vinte e um anos sem guerra mundial, nestes tempos de confrontrações máximas, de choques violentos e mudanças repentinas, parecem uma cifra muito alta. Mas, sem analisar os resultados práticos dessa paz pela que todos nos manifestamos dispostos a lutar (a miséria, a degradação, a exploração cada vez maior de enormes setores do mundo) é preciso perguntar-nos se ela é real.”

"A paz está outra vez em perigo"

Enquanto Portinari escolhia o tema dos seus painéis e começava a ideá-los, segundo o Che:

Na Coréia, “depois de anos de luta feroz, a parte norte do país ficou submetida à mais horrível devastação que figure nos anais da guerra moderna; devastada por bombas; sem fábricas, escolas ou hospitas; sem nenhum tipo de casa para abrigar a dez milhões de habitantes.”

“No outro lado, o exército e o povo da Coréia e os voluntários da República Popular da China contaram com o abastecimento e a assessoria do aparato militar soviético. Por parte dos estadunidenses foram feitos todos os tipos de provas de armas de destruição, excluindo as termonucleares, mas incluindo as bacteriológicas e as químicas, em escala limitada. No Vietnã, se sucederam ações bélicas, sustentadas pelas forças patrióticas desse país quase ininterruptamente contra três potências imperialistas: o Japão, cujo poderio havia sofrido uma queda vertical a partir das bombas de Hiroshima e Nagasaki; a França, que recupera daquele país vencido suas colônias indochinesas e ignorava as promessas feitas em momentos difíceis; e os EUA, nesta última fase da luta.”

E concluia o Che:

“Tudo parece indicar que a paz, essa paz precária a que se deu esse nome, só porque não se produziu nenhuma conflagração de caráter mundial, está outra vez em perigo de ser rompida diante de qualquer passo irreversível e inaceitável, dado pelos estadunidenses.”

"Uma decisiva e urgente tarefa"

Os “tempos de paz” depois de 1945 representaram que os acordos de Yalta inviabilizavam as guerras nos países do centro do sistema – EUA, Europa, Japão. Estas continuavam a ser protagonizadas pelas grandes potncias imperiais, mas passavam a ter seus cenários na periferia do sistema: Ásia, África, América Latina, para os quais os tempos foram de guerra mais do que nunca.

Ficam claras, nesse cenário, as razões que levaram Portinari a - convidado, em 1950, a fazer os painéis -, tivesse escolhido o tema da guerra e da paz. Consciente politicamente do período que a humanidade passava a enfrentar, apesar do fim do conflito mundial, um ano antes, ele escrevia:

“...A luta pela paz é uma decisiva e urgente tarefa. É uma campanha de esclarecimento e de alerta que exige determinação e coragem. Devemos organizar a luta pela Paz, ampliar cada vez mais a nossa frente anti-guerra, para ela todos os homens de boa vontade, sem distinção de crenças ou de raças, para assim, unidos os povos do mundo inteiro, não somente com palavras mas com ações, levarem até a vitória final a grande causa da Paz, da Cultura, do Progresso e da Fraternidade dos Povos...”

Dois elementos em tensão e conflito

Vítima, ele também, entre outros, da repressão advinda dos inícios da “guerra fria” - quando os partidos comunistas foram ilegalizados, conforme a linha ditada por Washington -, Portrinari buscou, em 1948, refúgio no Uruguai. Não faltava a Portinari a consciência do vínculo entre seu destino individual e os maiores enfrentamentos do novo período histórico, que fazia enfrentar a paz e a guerra.

O trabalho dos painéis inicia em 1952 e é concluído em 1956. Terminada a guerra da Coréia, a dialética entre a guerra e a paz ganha novas formas. A sensibilidade genial de Portinari e sua profunda compreensão histórica faz com que ele não pinte a guerra ou a paz. Sabe que em tempos imperiais, uma e outra estão permanentemente em tensão e em conflito. Que a paz é uma conqusita sobre as dinâmicas belicistas das potências imperiais, que fazem da guerra suas tentativas de impor seus interesses, violando permanentemente a paz.

O historiador britânico Eric Hobsbawn, depois de analisar as guerras no século 21, se arrisca a prever:

“...no século 21, a guerra não será tão sangrenta como foi no século 20, mas a violência armada, que dará lugar a um grau de sofrimento e umas perdas desproporcionais, continuará onipresente e será um mal endêmico e epidêmico por momentos, em grande parte do mundo. Fica longe a idéia de um século de paz.”

Assim, os painéis de guerra e paz de Portinari continuam dramaticamente atuais no século 21. Não apenas seus riscos, mas principamente as caras, as expressões humanas dos seus indizíveis sofrimentos de mulheres chorando, com filhos mortos, ajoealhadas diante dos seus corpos. As caras do povo – vítima da guerra e sujeito da paz -, que ninguem soube retratar melhor do que Portinari - o pintor da guerra e da paz, o pintor do povo.

* Fonte: Blog do Emir (http://www.agenciacartamaior.com.br); intertítulos do Vermelho

'Ser ou não ser': identidade de Shakespeare é posta em xeque

2007-09-11T19:37:00.000-07:00

"Era ou não era o Bardo de Avon?" - eis a questão. Pelo menos é o que propõem alguns dos mais renomados atores "shakesperianos", no Reino Unido, sobre a identidade real de William Shakespeare. Conforme informa o jornal The Observer, a dúvida foi lançada por Derek Jacobi e Mark Rylance. Aos dois, sobra conhecimento de causa.

Jacobi, em sua longa carreira, encarnou personagens do famoso dramaturgo, a exemplo de Hamlet. Já Rylance foi diretor artístico do Globe Theatre - a conhecida réplica do teatro original de Shakespeare em Londres. Neste final de semana, eles divulgaram a chamada Declaration of Reasonable Doubt (Declaração de Dúvida Razoável). O documento questiona a identidade do "Bardo" (1564-1616), como também é conhecido o autor dos clássicos Otelo e Romeu e Julieta.

A polêmica veio à tona em local propício - no Minerva Theatre de Chichester (sul da Inglaterra). É lá que está em cartaz a peça teatral I Am Shakespeare (Eu Sou Shakespeare), que também investiga a veracidade da identidade do famoso dramaturgo. Ao fim da sessão de sábado, Jacobi e Rylance levaram ao público a declaração.

No texto divulgado, os atores indagam: como foi possível um plebeu do século 16 como Shakespeare, criado em uma família analfabeta de Stratford-upon-Avon, ter escrito as geniais obras que levam seu nome? Além disso, um homem que mal sabia ler e escrever não poderia possuir os rigorosos conhecimentos legais, históricos e matemáticos que salpicam as tragédias, comédias e sonetos atribuídos à pena do bardo.

O documento

Apesar de seu teor controverso, o comunicado promovido pela Shakespeare Authorship Coalition já recebeu a assinatura de quase 300 pessoas. Os signatários - dentre os quais figuram mais de trinta acadêmicos - dizem que não há provas de que o aldeão de Stratford-upon-Avon recebia algum tipo de pagamento para escrever alguns dos livros mais famosos da literatura universal.

Outro ponto sob suspeita é que os livros do autor explicitam grande familiaridade com a vida das classes altas, além de incluírem "detalhes obscuros" sobre países como a Itália. "Os eruditos acharam poucas ligações - a maioria delas duvidosas - entre a vida do suposto autor e as obras", diz a declaração.

Além disso, a Coalizão, fundada em 23 de abril deste ano (coincidindo com os 391 anos da morte do escritor), ressalta que o testamento de Shakespeare não menciona livros, obras teatrais ou poemas, além de não conter frases "shakesperianas".

Alguns nomes

Desde o século 18, não faltam teorias que defendem a idéia que William Shakespeare não foi mais que um pseudônimo. Com o tempo, surgiram suspeitas de que, por trás da figura do bardo, pudessem se esconder o dramaturgo Christopher Marlowe (1564-1593), o filósofo e homem de letras Francis Bacon (1561-1626) e Edward de Vere (1550-1604), conde de Oxford.

"Apóio a teoria do grupo", disse Jacobi, que arrisca um palpite sobre "o verdadeiro" Shakespeare: Edward de Vere, freqüentador da corte no reinado de Elizabeth I (1533-1603). O ator expõe as supostas similaridades entre a biografia do conde e numerosos fatos relatados nos livros do bardo.

"Acho que quem mais lança luz (sobre o enigma) é possivelmente De Vere, pois penso que um autor escreve sobre suas próprias experiências, sua própria vida e sua própria personalidade", comentou o ator.

Legitimidade

Jacobi e Rylance entregaram uma cópia da declaração ao professor William Leahy, responsável pelo departamento de Inglês na Universidade Brunel de Londres. Leahy é ainda diretor do primeiro programa de estudos dedicado à obra de Shakespeare, que começa este mês.

Segundo ele, o debate proposto é "legítimo", já que o problema oferece um "mistério em sua origem". "A discussão intelectual pode nos aproximar dessa origem. Isso não quer dizer, no entanto, que vamos achar uma resposta para tudo. Naturalmente, essa é a questão."

Pescado do portal www.vermelho.org.br

Mais um pedaço da história de Uberaba vira entulho

2007-09-09T09:32:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.
Mais um pedaço da história de Uberaba virou entulho. Estou falando da demolição arbitrária de um casarão da Avenida Presidente Vargas.

A casa tinha valor significativo e estava dentro de um conjunto importante, no entorno do Grupo Brasil, Igreja São Domingos e Santa Rita, bens já tombados. Era inventariada pelo Instituto Estadual do Patrimônio Histórico (Iepha) desde 1987 e não poderia ser demolida ou modificada sem a autorização do Conselho do Patrimônio Histórico e Artístico de Uberaba (Conphau).

Alguns conselheiros lembram que a Prefeitura de Uberaba está trabalhando para revitalizar e valorizar o aspecto histórico da cidade, e afirmam que não houve tempo para articular. "A prefeitura já permutou casas, restaurando e estudando o núcleo histórico da cidade. Aquele é um conjunto que merece ser preservado, com residências apresentando características ligadas ao ecletismo. O interesse não é isolado e não destacamos apenas os que têm valor artístico e arquitetônico, e sim o conjunto harmônico, que merece ser preservado".

Agora estão falando que vão aplicar uma multa de 50% do valor do imóvel à proprietária. Como se isso adiantasse ou trouxesse de volta o casarão.

Será que não está faltando uma política de prevenção mais séria que passe inclusive pela conscientização da população e principalmente dos proprietários desses imóveis de valor arquitetônico e histórico?

Há imóveis de valor histórico e cultural que são públicos e outros que são privados. Estes últimos, adquiridos pelo fruto do trabalho ou legado, são protegidos constitucionalmente como valores conquistados por direito. Mas a mesma Constituição diz que aquilo que tem valor e interesse social pode ser considerado público resultando assim no falecimento do interesse privado perante o interesse social.

O proprietário tem direito a indenização e em Uberaba é sabido das isenções e descontos de taxas públicas.

Temos que respeitar a sociedade preservando o que é dela por direito constitucional e dar benefícios àqueles que vão receber o justo por serem proprietários de bens considerados de valor arquitetônico e histórico.

Temos que saber mostrar à população e aos fervorosos defensores do “progresso” que pode haver convivência harmoniosa com a preservação. Além do mais hoje somos o que fomos e o que poderemos ser dependerá do que vamos conseguir preservar da nossa história e da nossa cultura.

O Conselho do Patrimônio Histórico e Artístico de Uberaba (Conphau) deveria divulgar seus contatos telefônicos na vizinhança dos patrimônios arquitetônicos e históricos (S.O.S. PATRIMÔNIO) para que seja avisado quando uma agressão dessas estiver nas eminências de ser efetuada.

O povo pode e deve ajudar a preservar, mas antes precisa ser conscientizado e assim poderá cobrar uma política cultural séria, sem partidos, cor, raça ou religião que faça cessar a nefasta ação dos interesses privados que se sobrepõem ao interesse coletivo e cultural.

Vamos cuidar do que ainda resta!

Por que Pavarotti, o maior, não deixa herdeiros à ópera

2007-09-06T19:02:00.000-07:00

A morte de Luciano Pavarotti, na manhã desta quinta-feira (6), deixa o mundo privado do maior dos tenores - "um vulcão que cantava fogo", nas palavras de Bono Vox. Da elite dos grandes teatros aos simples aficionados, o mundo da ópera chora a perda enquanto lembra especialmente a grande difusão que o cantor lírico italiano deu a essa forma artística.

A voz potente e a disposição em se juntar a nomes do universo pop, como Sting e Bono, fizeram de Pavarotti um nome familiar no mundo inteiro. Morto aos 71 anos, após lutar contra um câncer pancreático, é considerado o "maior tenor do mundo", desde a morte do "grande Enrico Caruso", em 1921.

"Sempre admirei sua voz divina, seu timbre inconfundível e sua extensão vocal completa", declarou Plácido Domingo, que fez com Pavarotti e José Carreras a poular série de concertos Os Três Tenores. "Eu adorava seu belo senso de humor."

A Ópera Real do Covent Garden de Londres - onde Pavarotti saltou para a fama com sua primeira apresentação solo, em 1963 - também lamentou a morte do tenor: "Ele tinha a capacidade única de tocar as pessoas com a qualidade emotiva e brilhante da sua voz. Era um homem com o toque comum e com o dom mais extraordinário".

A perda foi ainda mais sentida em Modena, a cidade onde Pavarotti nasceu em 1935, viveu e morreu. Ali, ele era lembrado não só como um grande tenor mas também como o jovem amante do futebol que foi no passado. "Estivemos juntos desde a infância. Ele jogava de goleiro", recordou Giorgio Maletti, de 72 anos.

Venusta Nascetti, 71, costumava servir café a Pavarotti num bar local quando ambos eram adolescentes. Hoje se lembrou dele como alguém "cheio de alegria, um espírito feliz". Diante da casa de Pavarotti, aonde foi para prestar sua última homenagem, a frágil idosa, com a emoção escondida atrás de óculos escuros, resumiu aos jornalistas: "Ele sempre nos amou como o amamos".

Voz e carisma

Mas por que, afinal, Pavarotti é considerado o maior de sua geração? Como esse italiano soube impor, nos mais prestigiados palcos - do Teatro Scala de Milão ao Metropolitan Opera de Nova York - sua silhueta rabelaisiana, sua espessa barba castanho-escura e seu sorriso largo?

Luciano Pavarotti foi diferente de qualquer outro tenor, dizem os críticos, porque reunia uma voz lírica graciosa com carisma, em doses tão grandiosas quanto era grande seu corpo. Ele também conhecia suas próprias limitações, e, por isso, restringiu seu repertório para não aceitar papéis que não fossem adequados para ele, evitando cantar em línguas demais.

Tendo optado definitivamente pelo canto em 1961, Pavarotti combinava talento e audácia. Veja-se o que o tenor fez com La Bohème de Puccini, sua ópera preferida. Ao interpretá-la no teatro de ópera de Reggio Emilia, Pavarotti levou La Bohème a um sucesso fulgurante, ultrapassando muito rápido as fronteiras da Itália e da Europa.

Seu repertório era sofisticado. Donizetti (La Fille du Régiment), Bellini (La Somnanbule), Rossini (Guillaume Tell), Verdi (Rigoletto) faziam parte há mais de três décadas das turnês mundiais do tenor. Além disso, as maiores divas do mundo - como Montserrat Caballé, Kiri Te Kanawa e Joan Sutherland - acompanharam-no em suas mais belas apresentações.

Capaz de cantar do clássico e suas variações, passando pelo canto napolitando, Pavarotti não hesitava - mesmo correndo o risco de ser alvo da crítica - em formar os duetos mais diversos, como os que fez com Joe Cocker ou Mariah Carey, para defender a causa humanitária.

O futuro

Pavarotti não deixa herdeiros artísticos. A ascensão da "popera" (fusão do pop e da ópera), a obsessão pelo estrelato instantâneo e o limitado grupo de talentos entre os tenores da atualidade significam que não veremos outro como ele por muito tempo.

Na opinião do importante crítico de ópera Norman Lebrecht, a falta de investimentos em músicos e gravações clássicas atualmente revela que encontrar um sucessor para Pavarotti será mais difícil que nunca. "Não valorizamos a ópera da mesma maneira (que no passado), não fomentamos o talento da mesma maneira, nem criamos uma trajetória profissional mais fácil", disse o crítico.

Lebrecht afirmou que é quase impensável, nos dias de hoje, que um garoto italiano que crescesse em Módena, a cidade natal de Pavarotti, optasse por uma carreira na ópera em lugar do futebol - outro dos grandes amores do cantor. "O sucesso no futebol e no cinema é muito maior, mais recompensador e mais rápido, comparado ao trabalho árduo necessário para criar um grande cantor de ópera."

Hugh Canning, crítico de ópera do jornal britânico Sunday Times, afirmou que os tenores de talento atuais, em sua maioria, não passaram tanto tempo quanto Pavarotti alimentando suas vozes. Afora isso, sofrem pressões para se tornarem vendáveis já no início de suas carreiras. "Hoje em dia se identifica uma voz muito boa - e quatro ou cinco anos mais tarde ela já soa esgotada."

Canning citou os exemplos do tenor mexicano Rolando Villazón e do argentino José Cura, que vêm cantando no nível mais alto com menos frequência que seria de se esperar para artistas de sua idade. "Acho que é daí que vem a pressão: tentar forçar astros, em lugar de formar e nutri-los de maneira natural."

"E agora", acrescenta o crítico, "o mundo quer cantores jovens, para promover suas belas imagens em belas revistas. Pavarotti foi um astro improvável, porque já em meados dos anos 1970 ele era um homem bastante gordo. Se fosse hoje, talvez não tivesse tido uma carreira como a que teve". Segundo Canning, evitar o aprendizado prolongado exigido na ópera é uma tentação crescente para os cantores atuais, quando os reality shows na TV podem criar celebridades da noite para o dia.

"Para tornar-se um cantor clássico de alta qualidade, não basta vencer um concurso. Pessoas como Pavarotti e Plácido Domingo são prova disso O que realmente os tornou grande foi todo o trabalho anterior que fizeram antes de apresentar-se nos palcos internacionais e gravar os discos que recordaremos para sempre".

Especialistas também argumentam que, fora do pequeno círculo dos genuínos amantes do gênero, a maioria das pessoas associa a ópera a cantores como Andrea Bocelli e a banda Il Divo, que fundem música popular e clássica para tentar chegar ao público de massas. A "próxima geração" de tenores é liderada por Villazón e o peruano Juan Diego Flórez.

O francês Roberto Alagna tem muitos admiradores, embora sua decisão de abandonar o palco do La Scala no ano passado depois de ser vaiado tenha levantado dúvidas quanto a seu temperamento, como também acontece com o argentino Marcelo Alvarez e o mexicano Ramón Vargas.

Flórez, como Pavarotti em sua época áurea, canta os dós agudos de La Fille Du Regiment, de Donizetti, com facilidade. Mas poucos diriam que ele já se equipara ao mestre que acaba de falecer.

Concerto dos meus alunos

2007-08-31T18:40:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.
Neste sábado, às 20 horas, no Teatro Sesiminas do Centro de Cultura José Maria Barra, a Orquestra Jovem e o Grupo de Choro do Centro Cultural Campos Elíseos de Ribeirão Preto estarão se apresentando em evento que marcará o lançamento do projeto social "Rabeca Sapeca".

Proposto por nós da ACUAS (Associação Cultural Antenógenes Silva), o citado projeto já conta com as parcerias do SESI-FIEMG e ROTARY CLUB DE UBERABA e esperamos poder fechar mais algumas a partir do evento deste sábado.

A apresentação é também para homenagear o ROTARY CLUB DE UBERABA que está completando 70 anos e que através do seu presidente, Irizon Amaral Arantes, não está economizando esforços para a realização do evento.

A apresentação da Orquestra Jovem e do Grupo de Choro vai mostrar a Uberaba onde a ACUAS e seus parceiros pretendem chegar com o projeto "Rabeca Sapeca", que é idealizado nos moldes do projeto implantado no Centro Cultural Campos Elíseos de Ribeirão Preto, que já colhe os frutos de um trabalho executado com excelência operacional.

Todos nós, ACUAS, ROTARY E SESI-FIEMG temos muito a agradecer ao Secretário de Cultura de Ribeirão Preto, Dr. Vicente Seixas e à Coordenadora do Centro Cultural Campos Elíseos, Denísia Costa, e dizer que sem o empenho de cada um essa apresentação não seria possível.

A abertura do concerto será a apresentação de um regional de choro (violões, cavaquinhos e percussão), executando obras dos mais consagrados compositores nacionais e em seguida a Orquestra Jovem interpretará obras de Antônio Vivaldi, Villa-Lobos, Ernani Aguiar, Chiquinha Gonzaga, Luiz Gonzaga, entre outros.

A Orquestra Jovem e o Grupo de Choro são formados por jovens de 10 a 16 anos que participam dos cursos de instrumentos de cordas oferecidos pelo Centro Cultural Campos Elíseos de Ribeirão Preto: violino, viola de concerto, violoncelo, contrabaixo, violão e cavaquinho.

CENTRO CULTURAL CAMPOS ELÍSEOS DE RIBEIRÃO PRETO
Mantido pela Prefeitura Municipal de Ribeirão Preto foi criado em 1º. de agosto de 1.999, com o objetivo de desenvolver ações e projetos sócio-educativos-culturais na área de música e dança.

Tornou-se referência no ensino de artes em Ribeirão Preto e ganhou reconhecimento da comunidade por oferecer oportunidades aos jovens de se aperfeiçoarem e exercitarem suas aptidões artísticas.

Promovendo a inclusão social e cultural através de ação arte-educativa conta com um corpo docente de 22 profissionais e um corpo discente de 1.342 alunos, atingindo a faixa etária de 8 meses a 16 anos, distribuídos nos cursos de: violino, viola, violoncelo, contrabaixo, violão, cavaquinho, piano, flauta-doce, musicalização, prática de orquestra, matérias teóricas, ballet (clássico e contemporâneo), dança de rua e capoeira.

ASSOCIAÇÃO CULTURAL ANTENÓGENES SILVA - ACUAS
Organização Não Governamental que vem somar às demais instituições da área cultural desta cidade no desenvolvimento de projetos culturais além de manter e desenvolver trabalhos artísticos de grupos ou corporações musicais que venham, por ela, ser constituídos.

O nome da entidade foi escolhido como forma de homenagear o grande músico Antenógenes Silva, um dos maiores músicos nascidos em nossa terra, compositor de inúmeras obras que integram o nosso cancioneiro popular e que o elevam ao patamar dos grandes melodistas da música popular brasileira.

A ÁCUAS inicia suas atividades em Uberaba promovendo parcerias em projetos que visam a promoção da cidadania e a inclusão social e cultural uma vez que entre seus objetivos está o de contribuir para o enriquecimento da cultura da cidade e região, por meio de uma programação cuidadosamente oferecida que visa criar e conservar o contato entre arte e sociedade.

Através de sua programação artística e cultural garantirá em Uberaba a presença de artistas, maestros, músicos de renome nacional e internacional, professores, críticos de arte, além de desenvolver cursos de formação e especialização musical e cultural, pesquisa científica, seminários, festivais, entre outros.

Uma sugestão: chegue cedo para garantir um bom lugar. O Teatro Sesiminas tem pouco mais de 530 lugares e os ingressos (R$ 10,00 e R$ 5,00) já estão acabando.

Ah! Ia me esquecendo. Além de pagar o preço do ingresso tem que levar 2 quilos de alimentos não perecíveis. O concerto é beneficiente.

DANIEL DE VITO FAZ RECITAL DE LANÇAMENTO DA ACUAS

2007-08-23T17:33:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.

Domingo, dia 26 de agosto, é o dia tão esperado por nós e tão cuidadosamente organizado. Estaremos fazendo o lançamento da ACUAS - Associação Cultural Antenógenes Silva - com um recital desse jovem pianista virtuose que do tanto que toca causa-nos a falsa impressão de ser uma coisa muito fácil.

Fácil para ele com quem Deus foi bastante generoso.
Tanta musicalidade aliada ao seu esforço e ao sacrifício de seus pais para proporcionar-lhe os melhores mestres e as melhores escolas, que tinha que dar mesmo no que deu.

Daniel De Vito é o escolhido para fazer o lançamento dessa nova entidade cultural que nasce com o propósito de convergir forças para enriquecer e alavancar a cultura de Uberaba, contribuindo para sua inclusão no cenário artístico nacional.

A ACUAS é uma entidade que nasce com credibilidade e poder de articular parcerias, poder este herdado do respaldo e reconhecimento de relevantes colaborações prestadas à produção cultural de Uberaba por seus membros fundadores.

A escolha do jovem Daniel De Vito não foi aleatória. Mostra o engajamento da ACUAS com a produção cultural da cidade ao mesmo tempo que privilegia e aposta nos jovens talentos além de se comprometer com uma programação artística de qualidade, pois garantirá em Uberaba a presença de artistas, maestros, músicos de renome nacional e internacional, professores, além de desenvolver cursos de formação e especialização musical e cultural, pesquisa científica, seminários, festivais, entre outros.

Para tanto a ACUAS inicia suas atividades artísticas e culturais com parceiros como o SESI-FIEMG e o Rotary Club de Uberaba promovendo como solenidade de inauguração um recital de piano desse fenômeno que é DANIEL DE VITO, que dia 26 próximo, às 20 horas, no Centro de Cultura José Maria Barra, mostrará a sua arte e a de Beethoven, de Skriabin, de Liszt, de Ravel e de Nepomuceno.

Vida longa à ACUAS!

Músicos estão próximos de conseguir mudanças na OMB

2007-08-13T11:15:00.000-07:00

A crise representativa na Ordem dos Músicos do Brasil (OMB) chega no limite e artistas de todo o país, articulados em fóruns, conseguem colocar projetos de mudanças novamente na pauta do Congresso. Fórum Nacional dos Músicos está otimista e espera que projeto de lei seja aprovado antes das eleições.

SÃO PAULO - Que a Ordem dos Músicos do Brasil (OMB) está em crise, não é nenhuma novidade até para quem não tem muito interesse no assunto. Presidida há 42 anos pela mesma figura, Wilson Sândoli, que acumula as presidências do Conselho Federal da OMB, do Conselho Regional Paulista e do Sindicato dos Músicos de São Paulo, a representatividade e atividade da Ordem nunca foi tão questionada. Por meio de fóruns regionais, que criaram o Fórum Nacional Permanente de Músicos, em 2005, no FSM de Porto Alegre, os artistas estão conseguindo, além de tornar o debate público, apoio para aprovar no Congresso as modificações necessárias para a democratização da Ordem.

A atuação da Frente Parlamentar da Cultura no tema começou efetivamente no meio de abril desse ano, quando representantes do Fórum compareceram à Câmara para pedir o desengavetamento do projeto de lei 2838, de 1989. O projeto, que não é o ideal, mas já amplia a participação dos músicos na entidade, tem boas chances de ser aprovado antes das eleições, com votação apenas das lideranças de bancadas.

O QUE MUDA:
O projeto modificaria, por exemplo, o mandato dos conselhos para dois anos. Hoje, os mandatos são de três anos, sendo renovados anualmente a partir do quarto ano da primeira gestão. A estrutura é questionada pelos músicos, porque acaba favorecendo a permanência das mesmas pessoas por muitos anos. A composição dos conselhos interfere diretamente na atividade do músico profissional no Brasil porque os órgãos são os responsáveis pela expedição da carteira que autoriza o exercício da profissão em território nacional. São também os conselhos que fiscalizam e autuam as casas que contratam músicos sem a tal carteirinha.

Conforme explicou a assessoria da deputada federal Jandira Feghali (PCdoB – RJ), vice-presidente da Frente da Cultura, o principal impasse é um projeto substitutivo apresentado pelo Senado. O relator da comissão é Robson Tuma (PFL-SP), que acatou as propostas dos senadores, desviando o projeto dos interesses dos músicos.

O músico e compositor carioca Tibério Gaspar Rodrigues, representante do Fórum Nacional de Músicos, acredita que o relator está sensibilizando-se com a causa dos músicos, devido ao grande apoio e expressão que o Fórum está recebendo no Congresso e na mídia, e vai acatar as reivindicações da articulação.

“A ordem tem um problema grave e central que é a pouca representatividade que ela alcança. Ela deveria servir para regular e prover benefícios, como cursos e eventos. Mas acontece apenas perseguição, impedindo de trabalhar os músicos que não conseguem adequar-se”, afirma Du Oliveira, do Fórum Goiano de Músicos.

O produtor goiano explica que a Ordem tem uma regra que divide os músicos entre profissionais, aqueles que estudaram e sabem ler partitura, e os práticos, que apenas tocam instrumentos, sem base teórica. E apenas os profissionais têm direito a voto. Para Tibério Gaspar, o processo de eleição é extremamente viciado, e com os currais eleitorais já formados. Ele vê, por isso, a necessidade da urgente aprovação do projeto da Câmara, que pontua justamente na questão de ampliação de participação dos músicos no processo eleitoral da Ordem.

A ORDEM EM DESORDEM
Há cerca de três anos, um repórter da revista Carta Capital, mesmo sem nunca ter tido uma única aula de piano na vida, submeteu-se ao teste no instrumento e foi aprovado. O exame, realizado na escola de música Keyboard, em Jundiaí (SP), foi aplicado pelo próprio delegado regional da OMB, Marcelo Dantas Fagundes. Na noite anterior ao teste, o repórter pediu a um músico que lhe ensinasse os dois acordes (lá menor e sol) da canção “Pra Não Dizer que Não Falei de Flores”, de Geraldo Vandré.

Antes mesmo de interpretá-la, o jornalista já podia ser considerado um músico. Depois de pagar uma taxa de R$ 260,00, em dinheiro, e fornecer todos os documentos necessários para a inscrição (quatro fotos 3x4, CPF, RG, carteira de reservista e comprovante de residência), Fagundes emitiu um recibo com carimbo da OMB contendo o nº 24.321, que permitia ao repórter atuar profissionalmente como pianista. Só depois o exame foi feito, e não durou nem cinco minutos. "Toque alguma coisa", pediu o examinador. Pouco depois, o desastre musical foi interrompido pelo delegado regional da OMB com um "já está bom".

Du Oliveira, do Fórum Goiano de Músicos, diz, porém, que a luta não termina com a aprovação dessa mudança: os Fóruns têm uma proposta própria de lei. Mas a estratégia é aprovar primeiro a que tramita na Câmara há mais de 16 anos. Entre outras bandeiras do Fórum, está a luta pela inclusão de aulas de música na base curricular de todo o ensino básico.

ALIENAÇÃO DA CLASSE
“Estamos em uma campanha muito ampla. Sempre houve uma forte dispersão da classe. A imagem do músico é aquela da figura boêmia, do desinformado, de carreira passageira. Nos anos sessenta, pessoas mais esclarecidas como Edu Lobo, Tom Jobim, Geraldo Vandré, Chico Buarque trouxeram novos pensamentos para além da música. Então veio o golpe. Todas as lideranças foram caçadas. Tornamo-nos submissos. E aprofundou-se o processo de alienação em todo o Brasil”, acredita Tibério Gaspar.

O carioca entende que os tempos mudaram e a Ordem ficou para trás, com uma regulamentação de 1960. Ele entende que a OMB poderia atuar em questões como a facilitação de importação e financiamento de instrumentos, sistemas previdenciários e de saúde, a questão de educação dos músicos e do ensino da arte nas escolas.

“O país vive uma situação trágica. Temos que pensar os problemas como um todo, que resultam em desigualdade social. E a música pode contribuir demais nesse processo de inclusão e tomada de consciência. Mas, no geral, ela tem servido apenas para dançar, uma dança alienante. Temos que resgatar o papel político do músico. O artista de vanguarda que forma e informa com a sua expressão”, pontua Tibério.

FORA DE ORDEM
Em março, o Fórum Carioca de Músicos promoveu um grande show público, intitulado Fora de Ordem, que conseguiu atrair novos produtores culturais e entidades da sociedade civil organizada para apoiarem a luta dos músicos. Com essas articulações, o Fórum Nacional está conseguindo envolver a mídia, parlamentares e a sociedade.

“Como é que morre Guilherme de Brito (sambista carioca que faleceu na semana passada) e nós temos de fazer uma vaquinha para poder enterrá-lo? Isso é um absurdo. Uma das maiores referências do samba carioca, parceiro poeta de Nelson Cavaquinho, morreu na miséria. Estão trucidando a nossa memória. Parece que plastificaram tudo com esses americanismos, essa falta de consciência, de pensar no outro”, conclui o carioca, que afirma que o ministro da Cultura, Gilberto Gil, está ajudando na articulação das mudanças.

DESVIO DE ROTA
A Ordem dos Músicos do Brasil nasceu em 1960, por Juscelino Kubitschek, no mesmo ano da Ordem dos Advogados do Brasil (OAB). O primeiro presidente foi perseguido politicamente. O atual presidente, Wilson Sândoli, delatou seu único antecessor como comunista. Sândoli assumiu a Ordem, então, como interventor, em 1964. Em 2006, ainda preside a entidade.

Hoje, no quadro dirigente, não há nomes expressivos sob o ponto de vista artístico. Ao ser criada, em 1960, os conselhos regionais e federal eram compostos pela fina-flor da música, gente como Heitor Villa-Lobos, Radamés Gnatalli e Francisco Mignone. O idealizador da OMB foi o paraibano José de Lima Siqueira que, ao falecer, na cidade do Rio de Janeiro, em 1985, além de óperas, cantatas e concertos, deixou um currículo de agitador cultural. Compositor, regente, professor e musicólogo, Siqueira criou e dirigiu três orquestras - a Sinfônica Brasileira, a Sinfônica do Rio de Janeiro e a Sinfônica Nacional.

Por outro lado, todo o poderio político de Sândoli é inversamente proporcional ao de sua carreira artística. Ele atuou como crooner de algumas casas noturnas no Centro de São Paulo, entre os anos 50 e 60. O presidente da OMB diz ter gravado um disco em toda a vida, que nunca ninguém sabe qual é, conforme reportagens publicadas na grande imprensa.

A OMB possui cerca de 50 mil inscritos em todo o país. Desses, pouco mais de 8 mil estão em dia com as anuidades. Em fevereiro de 2000, o departamento jurídico do Conselho Regional de São Paulo emitiu uma carta cobrando os inadimplentes e informando que aqueles que não quitassem seus débitos ficariam automaticamente suspensos do exercício profissional.

QUEM PRECISA DE ORDEM?
Nos últimos anos, centenas de músicos conquistaram na Justiça o direito de atuar profissionalmente sem a licença da OMB. Pernambuco foi um dos primeiros estados que conseguiu articular os artistas em defesa do artigo 5º da Constituição, que garante em seu parágrafo 9º: “é livre a expressão da atividade intelectual, artística, científica e de comunicação, independentemente de censura ou licença”.

A banda recifense Mundo Livre S/A chegou até a lançar uma música/manifesto, “Muito Obrigado”, no álbum “O Outro Mundo de Manuela Rosário”. A composição narra uma fábula na floresta onde passarinhos que cantavam livremente foram coibidos pelos urubus que decidiram regulamentar o setor.

Entre os refrões que questionavam “quem precisa de ordem para cantar?”, Fred Zeroquatro deixava o recado: “Moral da história – em terra de urubus diplomados, não se ouve o canto dos sabiás”.

Carlos Gustavo Yoda – Carta Maior

"Guerra e Paz", de Candido Portinari, completa 50 anos

2007-08-04T15:18:00.000-07:00

O Senador Inácio Arruda apresentou requerimento instituindo 2007 como o ano do cinqüentenário dos painéis Guerra e Paz, do pintor Candido Portinari, instalados na sede da Organização das Nações Unidas (ONU), em Nova York, nos Estados Unidos, em setembro de 1957.

Os painéis foram um presente do governo brasileiro para a sede da ONU. A obra traz um diálogo entre o trágico e o lírico, entre a fúria e a ternura, entre o drama e a poesia. Com 14 metros de altura e dez metros de largura, os painéis levaram cerca de nove meses para ficarem prontos, representando um grande esforço para Portinari que, intoxicado pelo uso das tintas, fora proibido pelos médicos de pintar.Mesmo diante da ameaça à sua própria vida, não recuou, aceitando o desafio.

Também está prevista uma exposição, programada para o próximo mês de setembro, denominada Guerra e Paz - 50 Anos, que apresentará, no mesmo espaço onde se encontram os monumentais murais, uma seleção composta por 40 estudos, esboços e as duas maquetes, que poderão ser vistos pela primeira vez ao lado dos murais, além de documentos históricos, textos e imagens que contextualizarão a mostra.

Inácio explica que a iniciativa se deve à importância da obra do pintor paulista para a humanidade. “Das mãos de Candido Portinari, nasceram as imagens que denunciaram a violência e exaltaram o amor e o entendimento. A temática da Paz permeou toda a sua vida. Através de sua obra, Portinari lutou tenaz e corajosamente em favor da paz e contra todas as formas de injustiça”, destacou.

Pescado do Portal www.vermelho.org.br

ACUAS promove recital do pianista Daniel De Vito

2007-07-25T17:53:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.
Em parceria com o SESIMINAS, a ACUAS promove no dia 26 de agosto, às 20 horas, no Auditório do Centro Cultural José Maria Barra, recital de piano com Daniel De Vito, Bacharel em Música pela UnB (Universidade de Brasília) que apresentará obras de Beethoven, Nepomuceno, Ravel, Scriabin e Liszt.

A Associação Cultural Antenógenes Silva – ACUAS é uma entidade que atua no desenvolvimento de projetos culturais, ao mesmo tempo em que promove ações de preservação e resgate da memória histórica, cientifica e cultural.

Realiza atividades pertinentes à defesa, ao incremento e à produção de cultura, artes, pesquisas e estudos científicos e técnicos.

A ACUAS é também mantenedora da Orquestra de Uberaba, ACUAS-Ensemble, ACUAS-Quinteto e grupos camerísticos de música erudita e popular.

Visa ainda propor, organizar e desenvolver projetos sócio-culturais e espetáculos públicos através de parcerias com os poderes públicos, empresas, instituições ou entidades.

OUTRO EVENTO
No dia 1º de setembro a parceria ACUAS-ROTARY-SESIMINAS realiza no auditório do Centro Cultural José Maria Barra apresentação da Orquestra Jovem de Cordas do Centro Cultural Campos Elíseos de Ribeirão Preto, sob a regência deste que vos escreve, em comemoração ao 70º aniversário de fundação do Rotary na cidade de Uberaba.
O evento marcará também o lançamento do projeto Rabeca Sapeca que visa promover a inclusão social e cultural de jovens através de ação arte-educativa.

Contatos:

Fone:(34) 3076 1477
E-mail: acuas.ura@gmail.com
Página da ACUAS (provisória)
http://acuasura.blogspot.com

Nossa logo foi idealizada e construída pelo nosso compadre Christiano Paiva que é também diretor da ACUAS

Secretários estaduais imprimem força por uma política nacional

2007-07-15T05:59:00.000-07:00

Com grande representatividade, segunda assembléia do Fórum Nacional de Secretários Estaduais da Cultura, ocorrida em São Paulo, articula apoio à aprovação do projeto de aumento do repasse para a cultura e cobra espaço político no MinC. TV Pública entra na pauta e secretários do nordeste lançam Carta de Fortaleza, por uma política cultural comum para a região.

O Museu da Língua Portuguesa e o Itaú Cultural sediaram, nos dias 5 e 6 de julho, a segunda assembléia geral do Fórum Nacional de secretários e dirigentes estaduais da cultura. O encontro contou com a presença de 25 dos 27 estados da federação, além dos Secretários do Ministério da Cultura (MinC) Sérgio Mamberti (Diversidade e Identidade), Alfredo Manevy (Políticas Culturais) e Mario Borghnet (Assessor Especial do Ministro).

Dentre as pautas, a discussão de determinadas políticas do MinC, principalmente relacionadas às secretarias federais presentes, o Plano Nacional de Cultura (PNC), a Proposta de Emenda Constitucional (PEC) 150/2007 – que institui o aumento do repasse de verbas para a cultura – e a TV Pública, prestes a ser regulamentada.

Postados em uma grande mesa, os secretários iniciaram os trabalhos ouvindo a explanação do Secretário de Diversidade Cultural do MinC, Sérgio Mamberti, que lembrou as políticas desenvolvidas por sua pasta, em especial, aquelas voltadas aos negros, índios, movimentos populares e de diversidade sexual, além das demais minorias.

O secretário destacou a relevância da Convenção da Unesco, que “consagra a importância da diversidade e da proteção das culturas populares e tradicionais, preservando-as da violência cultural e da homogeinização”. Além disso, respondeu às indagações dos secretários, afirmando reiteradas vezes a necessidade do pacto federativo para a transversalidade das políticas culturais. “A questão da junção dos editais, do MinC com os estados, já é um grande avanço nesse sentido”, colaborou o secretário de Alagoas, Osvaldo Viegas.

Nessa linha, o secretário do MinC, Alfredo Manevy, ressaltou a importância do Fórum para a política de horizontalidade do MinC que, segundo ele, mantém uma relação “tranqüila e sem crise” com os secretários. De acordo com Manevy, o Fórum exerce um papel fundamental para as políticas setoriais do MinC, para o desenvolvimento dos gestores e produtores regionais e para a regionalização da cultura em todas as suas esferas e instâncias. No entanto, é preciso que ele desenvolva as suas próprias agendas.

No entanto, mesmo com a chancela do MinC, o tom dessa assembléia foi de cobrança por mais espaço nas suas esferas de decisão política. O atual presidente do Fórum, João Carlos Ferreira, secretário de Cultura do Mato Grosso, evidenciou essa movimentação, que ganhou corpo com a maior articulação dos estados. “O Fórum representa a base cultural do país, pois abrange os estados e municípios que os compõem. Queremos ter mais voz no MinC, não apenas sendo ouvidos, mas participando da elaboração das políticas de cultura”.

Algumas vozes, inclusive, eram mais incisivas nessa cobrança, como a da secretária de Minas Gerais, Eleonora Santa Rosa, que reclamou da falta de partilhamento orçamentário dos estados com o MinC e a ausência de cooperação nos programas. “É preciso que os Estados, legitimamente representados nesse Fórum, sejam construtores efetivos da política com o MinC”, discursou ela, para quem é preciso uma maior interlocução político-institucional com o Ministério.

A despeito disso, o aceno é otimista: “as discussões, a comunicação com o MinC está num processo ascendente”, diz o presidente do Fórum, que surgiu em 1983 e possui um assento na Comissão Nacional de Incentivo à Cultura (CNIC), responsável pela aprovação dos projetos concorrentes na Lei Roaunet.

Articulação para a PEC 150/2007

Alguns pontos de convergência eram claros na mesa de discussão. O principal, veementemente declarado pelo secretário do Mato Grosso, era a aprovação da PEC 150/2007. “É objetivo do Fórum a aprovação da PEC. Faremos barulho para que isso aconteça e o ideal é que todos os secretários participantes encampem a iniciativa”, pontua o presidente da articulação.

A PEC 150/2007 prevê a vinculação institucional de verbas para a cultura de no mínimo 2% para a União, 1,5% para os Estados e 1% para os municípios, visando à implementação das políticas de cultura nessas três esferas - sabe-se que o repasse atual para a cultura, do Orçamento Geral da União, é de 0,7%. Na ocasião, a PEC foi apresentada pelo deputado federal Frank Aguiar, um dos proponentes do projeto na Câmara dos Deputados.

Uma frente parlamentar está se formando para aumentar as possibilidades de aprovação dessa PEC. Atualmente, 294 parlamentares assinaram a lista que compõe a frente parlamentar da cultura na Casa, ainda circulante para mais adesões. Esse movimento vem sendo catalisado pelo Fórum, conforme o seu presidente, que também pretende, com a frente, obter mais apoio para participar da elaboração do Plano Nacional de Cultura, em processo de confecção pelo MinC.

Para Manevy, essa articulação faz sentido ainda, pois “o PNC não substitui o planejamento estadual de cada estado, mas influencia e se influencia pelas políticas estaduais e municipais”. “Os secretários do Fórum estão chamando para si a responsabilidade de trabalhar a sua base parlamentar para alcançarmos esse objetivo.”, declarou João Carlos Ferreira.

A Carta de Fortaleza

Durante o Fórum, foi distribuído um documento denominado Carta de Fortaleza (leia na íntegra). Nele, os secretários de cultura alinhavam-se em torno de uma visão comum de políticas culturais para a região do nordeste e mostravam uma articulação inédita para o setor. Assinado pelas nove secretarias estaduais de Cultura do nordeste, eles declaravam o “acerto do processo de construção da Política Nacional de Cultura (...) assim como a importância do Sistema Nacional de Cultura para a articulação equilibrada dos entes federativos”. Além da mobilização dos seus parlamentares para a aprovação da PEC 150/2007.

O secretário da Bahia, Márcio Meirelles, deixou clara a necessidade de união dos estados em torno de uma linha de atuação e de um calendário integrados. “Historicamente, o nordeste é segregado, e isso criou não só uma identidade entre os estados, mas problemas e reivindicações comuns”, afirmou em entrevista o secretário, que também declarou uma afinidade ideológica entre os vizinhos – todos os nove governos do nordeste são do PT ou da base aliada.

A visão é compartilhada por Osvaldo Viegas, secretário de Alagoas, que pontuou ainda a importância de reforçar a articulação horizontal, a democratização do acesso e a distribuição dos recursos públicos.

Atestando a robustez dessa união, a Carta de Fortaleza oficializa também a criação da Rede Nordeste de TV’s públicas. Conforme a fala dos secretários, a idéia seria criar musculatura aos setores regionais com pouca capacidade de produção, em uma área midiática ainda fortemente ligada ao colonato. Um reforço político de ajuda mútua no setor, ainda arcaico em muitas localidades, sem grande abrangência e obsoleto tecnicamente.

Essa rede já conta com a adesão de quatro canais de televisão e inclui o compartilhamento de produção entre cinema e televisão pública, inclusive com cartas de co-produção, e espaço para a produção independente.

Com relação à novidade, umas das poucas manifestações do secretário de cultura de São Paulo foi indagar o porquê de o nome não ser “rede Brasil”, já que “rede nordeste” poderia trazer uma nuance de “discriminação” dos outros estados.

TV Pública e os estados

A TV Pública Federal foi outro tema amplamente discutido no encontro. A explanação do projeto governamental da TV Brasil ficou a cargo do assessor especial do MinC, Mario Borghnet, que trouxe a necessidade de pactuação dos estados com o projeto, cuja discussão alcança cerca de um ano e meio, e as expectativas do MinC para com os estados na área.

Borghnet explicou que a TV Brasil deve ter “uma espinha dorsal, mas não uma estrutura verticalizada”, ter o papel de catalisador da produção das próprias TV’s estaduais e, assim, tornar-se um veículo de ampliação dos protagonismos locais, inclusive com a programação advinda dos próprios estados. Avalia que pode ser uma plataforma importante para o ganho de escala das políticas culturais estaduais, além de um instrumento de comunicação de governo, no exercício da “interface comunicativa entre as esferas governamentais”.

Além disso, para o MinC, a TV Pública é essencial no deslocamento da pasta da cultura para o centro da política governamental e a sua expectativa é que as secretarias estaduais contribuam para a construção do discurso e da plataforma para essa centralidade. “É papel central das secretarias estaduais agir pela mobilização dos pólos regionais”.

Quanto à política de comando das TV’s públicas, Borghnet conclama os estados a seguirem o modelo federal e entregarem o comando das TV’s estaduais à sociedade. E ressalta a necessidade de que as secretarias estaduais coordenem seus municípios para o processo de migração digital, que está na iminência de ocorrer.

Borghnet termina destacando a importância da mudança de visão também na programação: “Para a TV pública, o telespectador não é um consumidor. As demandas são outras, o tipo de relação é outro. Ele não pode ser um receptor de conteúdo, mas sim interagir. A audiência deve ser construída com outras bases, que não a publicidade”.

Guilherme Varella cobriu o Fórum para 100canais, parceiro de Carta Maior.

2007-07-14T06:41:00.000-07:00

Meus compadres e comadres:

É a sexta edição deste evento onde serão debatidos temas como a conservação e uso sustentável do cerrado, o aproveitamento dos frutos do cerrado, políticas públicas voltadas para as culturas regionais, além de apresentações de grupos tradicionais da cultura popular e shows.

Haverá, também, feira de artesanato local e regional, oficinas de confecção de vassouras com garrafas pet, artesanato com material reciclado e teatro. Os interessados deverão credenciar-se durante o evento.

A abertura oficial foi ontem sexta-feira (13).

Confira a programação do VI Encontro dos Povos do Grande Sertão Veredas.

Informações pelos contatos:
Meiry Gobira, Neide Oliveira, Ângela Artmamm
Telefone: (38) 3634.1152
Fax: (38) 3634.1112
E-mail: adiscchapada@hotmail.com

Diversidade Cultural

2007-07-06T06:36:00.000-07:00

Seminário internacional reuniu países americanos para debater diversidade cultural no mundo e nas Américas, comunicação e convergência digital, economia da cultura e setores estratégicos, e globalização e cultura.

A Convenção pela Promoção e Proteção da Diversidade das Expressões Artísticas, adotada em outubro de 2005 na Unesco, foi ratificada em tempo recorde e já conta com a adesão de quase 60 países. Hoje, as culturas locais, excluídas da indústria cultural de massa, contam com um fortíssimo instrumento de luta e defesa dos desejos de suas vidas (“dj's de suas vidas”, como prefere o ministro Gilberto Gil). Mas, entre um documento assinado e a implantação de políticas públicas que garantam esse direito, um longo caminho de debates e práxis há de ser percorrido.

Entre os dias 27 e 29 de junho, Brasília sediou o Seminário Internacional sobre Diversidade Cultural – Práticas e Perspectivas. Promovido pela Organização dos Estados Americanos com o governo brasileiro, os debates que tiveram início em fóruns públicos virtuais, foram divididos entre diversidade cultural no mundo contemporâneo, diversidade cultural nas Américas, comunicação e convergência digital, economia da cultura e setores estratégicos, e globalização e cultura.

Todos os países do continente, menos Cuba (que não integra a OEA por embargo econômico), tiveram a oportunidade de apresentar seus projetos e políticas. Com as políticas que estão sendo implantadas no Brasil, como o Programa Cultura Viva, o Ministério da Cultura coloca-se como liderança e contraponto na balança da OEA contra a política mercantil e de massa dos Estados Unidos. O país norte-americano que, com Israel, votou contra a aprovação da Convenção, apresentou suas perspectivas no seminário através de uma representante da Discovery.

Democracia Cultural
O sociólogo e editor do periódico francês Le Monde Diplomatique, Ignácio Ramonet, afirma que os EUA preferem fazer concessões em outras áreas, mas não arredam o pé quando a discussão é sobre bens culturais. Ele entende que “soberania política e soberania cultural estão interligadas” e o assunto central da diversidade cultural refere-se à democracia.

Ramonet, na aula inaugural do Seminário, lembrou o caso da China, para explicar como os Estados Unidos tratam as questões culturais. O congresso estadunidense ainda não ratificou um acordo bilateral com a China, pois os chineses permanecem inflexíveis em fazer concessões sobre questões de propriedade intelectual, entre outros pontos que se referem a bens simbólicos.

O pensador francês lembra também que o consenso midiático, controlado pelas indústrias da cultura e do conhecimento, considera qualquer tipo de regulação do setor uma forma de censura. Exemplo claro, diz ele, é o caso da Venezuela, onde leis de responsabilidade para os meios de comunicação de massa exigem ao menos de 50% de músicas venezuelanas nas rádios e mínimo de cinco horas diárias de conteúdo que valorize a cultura nacional.

Recentemente, a não renovação da concessão da emissora RCTV, que participou da articulação do golpe contra o governo bolivariano de Hugo Chávez em 2002, causou rebuliço da mídia e do governo dos EUA e de seus agentes externos, os grandes jornais de todo o mundo. “Os Estados Unidos têm de fazer sua lição de casa antes de falarem qualquer coisa. O modelo de liberalismo financeiro que eles têm como modelo de globalização não garante diversidade”, pontua o escritor. A população do mundo dos sonhos hollywoodianos é dividida em sua grande parte por brancos, negros e latinos. Hoje, apenas 1,9% das concessões de rádio representam os latinos, os negros ficam com 3,2% do bolo midiático e as mulheres estão representadas em 6%.

“Em Quebéc, no Canadá, país decisivo na articulação da Convenção, políticas como a que proíbem qualquer propaganda pública que não seja em francês já estão funcionando e mexendo com a vida das pessoas. Não pode nem ser bilíngue. Essas medidas devem causar grandes impactos nas culturas locais daqui a um tempo”, pontua Ramonet.

Mercantilização da Cultura
Para o pensador francês, as expressões culturais ainda são tratadas como mercadoria e administrada por grandes conglomerados que atuam mundialmente, o que inviabiliza o processo democrático e o direito de comunicação humana. “Os Estados Unidos, assim como outras indústrias de outras matrizes, vendem primeiro a sua cultura liberal e seu american way of life para depois comercializar os seus jeans e outros produtos relacionados.

“Tudo é mercadoria: a escola, a saúde, a natureza, a cultura, o conhecimento. Então, tudo deve ser submetido à lei da oferta e da demanda. A mercantilização da cultura ameaça a criatividade e a identidade de comunidades. É por isso que a questão da diversidade torna-se central, e a batalha pela diversidade cultural é capital na luta contra a globalização liberal”, conclui Ramonet..

O ministro da Cultura Gilberto Gil entende que é impossível falar em modelos políticos prontos para promover e proteger as expressões culturais: “A diversidade exige novas políticas para estancar as feridas de toda a mercantilização predatória e descontrolada dos nossos bens culturais”. Referindo-se à contradição do espaço de debates abrir espaço até mesmo para a exposição da política dos Estados Unidos, que curiosamente foi apresentada por uma representante da megacorporação Discovery Communications.

O auge da apresentação de Mary Pitelli foi a exibição de vídeos educacionais produzidos pela Discovery Atlas que serve de material básico na educação pública estadunidense sobre o mundo. As peças publicitárias destacam as opções turísticas mundializadas, da capoeira em Salvador a um estranho ator pintado de aborígene australiano.

O intelectual espanhol Jesus Matín-Barbero, que abriu a mesa onde foi exposta a proposta, lembrou que a chave da diversidade é preservar a criatividade humana, mas os sistemas educacionais de todo o mundo estão “castrando a criatividade”. “Os jovens estão anos-luz à nossa frente. Eles já nascem com o chipe do compartilhamento do conhecimento (saiba mais sobre Cultura Livre)”, considera.

Barber lembrou como no México a inclusão digital do sistema público de educação segue a cartilha da Macintosh: “Não é possível que a escola pública, que está conectada com as culturas locais e suas necessidades específicas, seja incapaz de pensar seus próprios métodos e políticas. Essas empresas não estão ajudando comunidades locais, elas estão matando aos poucos o jeito das pessoas de serem e interagirem com o mundo”.

O ministro Gilberto Gil, que integrou a mesma discussão, lembrou que outro mundo é possível, citando Revoluções do Capitalismo, do italiano Maurício Lazzaratto. Para Gil, “the culture hotspots (os pontos de cultura, do Cultura Viva) invertem a lógica liberal da cultura”. Lembrando os pensamentos de Milton Santos, o ministro afirma que há necessidade de vivermos a fase popular da História, que está em construção nas periferias globais.

“É preciso recentralizar o que está centralizado nas mãos de poucos. As matrizes da indústria cultural não deixaram nada para as periferias. Por isso, hoje, o papel do Estado brasileiro na formulação de políticas públicas é empoderar as micro manifestações, para que eles se apropriem cada vez mais dos espaços públicos e que sejam protagonistas na proteção e promoção da diversidade”, entende Gil. Além disso, Gil acredita que essas comunidades têm até mesmo a oportunidade de pular o século XX e a sua lógica mercantil e liberal, propondo novos modelos de desenvolvimento.

Carlos Gustavo Yoda

Bateu Asas e Voou

2007-07-03T08:20:00.000-07:00

Que tristeza abateu sobre todos nós neste final de semana. Perdemos o nosso irmão, cumpadi e amigo, Wanderley Cazon de Melo, o Canarinho. Bateu asas e vôou antes do combinado.
"Voa, amigo querido.
Voa, amigo fiel,
Que os anjos te acompanhem,
Nesta jornada p’ro céu.
Pois aqui, mais que sentida,
Tua inesperada partida
Deixa um vazio cruel".

TraVeSsiA Na Capela da USP

2007-06-30T11:12:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.
Dia 28 de junho eu e meu amigo e violonista Antônio de Vito realizamos a Travessia dentro da USP, mais precisamente no projeto "Capela Meio Dia e Meia."

Fizemos alí naquele espaço cultural agasalhador uma cantoria de rabeca repleta de causos, poesias caboclas e literatura de cordel.

Nossos agradecimentos ao Lelo que propiciou todas as condições para que a Travessia pudesse se dar de forma ideal; ao querido Evandro Navarro, o Véio, que com sua pesada bagagem musical também embarcou em nosso trem e soube com esmero e arte adequar a sonoridade de nossos instrumentos aos ouvidos do público-passageiro, a quem gostaríamos também de agradecer.

Desta forma então realizamos a Travessia para dentro de nossas raizes culturais e ao final da viagem temos a certeza de que saimos mais fortalecidos de que quando entramos.

Tomara que a Travesia tenha deixado sua marca gravada no coração brasileiro de cada um que alí compareceu.

Inté a próxima.

TRaVeSsiA

2007-06-25T13:09:00.000-07:00

DO ROMANCEIRO À VILLA-LOBOS

Meus compadres e comadres.
Gostaria de convidar a todos para assistirem ao show Travessia nesta quinta-feira, 28 de junho, às 12:30 horas, na capela da USP.

Esta apresentação terá a participação especial do violonista Antônio De Vito que apresentará também obras solo de Antônio Lauro (Venezuela), Villa-Lobos (Brasil), Agustin Barrios (Uruguai), entre outros.

Nosso espetáculo aborda a cultura popular brasileira desde a vinda do romanceiro ibérico que se divulgou também nas partes de colonização espanhola na América.

Nossa cantoria de rabeca e violão terá também músicas de Zé Côco do Riachão, Antenógenes Silva, Beira D'Água; poesias caboclas de Zé Laurentino e Pompílio Diniz; e cordel de José Pacheco e do maior de todos os poetas populares: Leandro Gomes de Barros.

Gostaria de agradecer ao meu compadre Evandro Navarro e também ao Lélo pelo convite feito.

TRAVESSIA: Do Romanceiro à Villa-Lobos
Jeziel Paiva: rabeca, viola de arco, causos, poesias caboclas e cordel
Antônio De Vito: Violão
Local: Capela da USP
Horário: 12:30 horas
Entrada franca

Inté.

39º Festival de Inverno da UFMG

2007-06-20T14:06:00.000-07:00

Agência FAPESP – Estão abertas até 30 de junho as inscrições para o 39º Festival de Inverno da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), que será realizado de 15 a 28 de julho, em Diamantina (MG).

O evento, que terá o tema "Territórios Contemporâneos: Linguagens Híbridas", contará com a realização de oficinas, mostras, exposições, instalações e workshops.

Artes audiovisuais, artes cênicas, artes plásticas, artes literárias, artes musicais e artes transdisciplinares serão as áreas temáticas do encontro.

Mais informações: http://www.ufmg. br/festival

Orquestra Jovem nos 151 anos de Ribeirão Preto

2007-06-18T19:54:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.
Neste 19 de junho quando Ribeirão Preto faz 151 anos o Centro Cultural Campos Elíseos participa dessa festividade. Seus grupos musicais de alunos estarão se apresentando no Teatro de Arena e no Teatro Municipal à partir das 10 horas da manhã. Gostaria de convidar a todos para assistirem nossas apresentações e da Orquestra Jovem do Centro Cultural, da qual faço parte como maestro e professor, que apresentará um repertório muito bonito com obras de Villa-Lobos, Ernani Aguiar, Luiz Gonzaga, entre outros. A meninada está tocando como gente grande. Nossa apresentação está prevista para as 10:30 no Teatro de Arena. Não percam!

A Saga das Mãos

2007-06-16T12:19:00.000-07:00

Meus compadres e comadres

Ontem foi uma noite especial para muitos e especialmente para mim e meu companheiro de militância cultural Antônio De Vito. É que o SESI trouxe à Ribeirão Preto a Bachiana Chamber Orchestra, regida pelo grande músico João Carlos Martins que se apresentou no Theatro Pedro II.

Na oportunidade foi exibido um filme mostrando aos presentes a maquete do Teatro Popular do SESI que será construído brevemente em Ribeirão Preto.

Foi uma noite muito agradável, pois pude rever velhos amigos entre eles Ênio Antunes Santos, integrante da Bachiana Chamber Orchestra e velho companheiro de jornada desde os tempos da Bahia e dos Festivais de Verão de Uberaba na década de 80.

João Carlos Martins é uma figura carismática, extremamente agradável e simpática. Um contador de causos. Levados ao seu camarim por Ênio Antunes, o famoso Brejeiro, eu e Antônio de Vito fomos recebidos pelo maestro como se fôssemos velhos conhecidos dele. Estávamos diante do maior interprete do maior compositor da história da música.

“Pouca gente, no Brasil, tem tanta afinidade com Bach quanto João Carlos Martins. Em seus tempos de pianista, ele gravou toda a obra para teclado do compositor alemão. Na sua nova carreira de regente, ele montou uma orquestra, sintomaticamente, chamada de Bachiana Chamber Orchestra. E seus dois primeiros lançamentos fonográficos como maestro contemplam, não por acaso, obras de Bach: as Suítes Orquestrais e os Concertos de Brandemburgo.

Uma tarefa relativamente simples para um intérprete que começou a tocar Bach, ao piano, aos oito anos de idade, e sete meses depois já vencia o concurso da Sociedade Bach de São Paulo, tocando as Invenções a Duas Vozes do mestre do barroco alemão.

Teve vários "momentos bachianos" memoráveis, mas se lembra com especial nostalgia da apresentação de inauguração do Glenn Gould Memorial, em Toronto, em março de 1983, pouco tempo depois do falecimento do pianista canadense.

"Entrei no palco, com uma recepção fria", recorda. Depois, o público foi sendo ganho, gradativamente, e, no final, com Artur Moreira Lima e Emil Gilels na platéia, João Carlos Martins deu um número recorde de bis: nada menos que 14. "O pai do Glenn Gould veio me dizer que o filho dele me admirava", lembra, emocionado”.

Mas o que emocionou a todos ontem no Theatro Pedro II foi rever João Carlos Martins sentado ao piano e tocando com três dedos (dois da mão esquerda e o polegar da mão direita).

Para quem não sabe, o mestre foi vitimado por alguns traumatismos físicos que lhe causaram atrofia dos movimentos dos dedos impondo-lhe uma luta constante e dolorosa de superação. Depois de reger a orquestra tocou ao piano divinamente músicas de Bach, Tom Jobim e o Hino Nacional acompanhado por seus músicos.

Sua saga é mostrada em documentário feito para o cinema por Irene Langemann numa produção franco-alemã.

E seu livro “A Saga das Mãos” pode ser adquirido em seu site www.joãocarlosmartins.com.br

Ricardo Feltrin, Editor-chefe da Folha Online escreveu o artigo que publico a seguir.

"A Paixão Segundo Martins" ilumina o maior dos pianistas brasileiros

2007-06-16T12:14:00.000-07:00

Além de ser um dos mais belos documentários sobre músicos já realizados no cinema, "Paixão Segundo Martins" também poderia ser definido como uma história de amor ou mesmo um drama.

É a história de amor de João Carlos Martins por Johann Sebastian Bach e pianos. É o drama de um pianista em permanente luta contra o destino e a dor, que teimam em maltratar seus bens mais preciosos, suas mãos.

Há várias qualidades que tornam imprescindível essa produção franco-alemã de Irene Langemann sobre o maior pianista brasileiro de todos os tempos. Sim, ele foi superior ao que Nelson Freire é embora o estilo sejam totalmente diferentes.

A primeira qualidade é o personagem em si. João Carlos Martins é uma figura tão carismática e brilhante que qualquer período de sua vida poderia ser transformado num documentário em separado.

Suas idiossincrasias durante as gravações; seu jeito louco de ensinar; sua obsessão em treinar ao teclado até 20 horas por dia, inclusive sábados, domingos e feriados; seu prazer pessoal pelo timbre dos pianos Baldwin (e não pelos Steinway); sua coragem em enfrentar tratamentos médicos dolorosíssimos para continuar a tocar mais um pouco... tudo isso poderia ser um filme novo sobre a vida do músico.

A segunda qualidade é a trilha sonora. Afinal, estamos falando não só de um pianista genial, mas também de Bach (1685-1750) --o divisor de águas da música, o engenheiro barroco que não apenas bem temperou o cravo, mas toda a história e significado da composição.

Sem Bach, João Carlos Martins talvez não existisse.

Por fim, o maior dos atrativos do filme: a sinceridade do músico, a forma com que ele abre sua vida e seus sentimentos à câmera, bem como assume seus erros, como o envolvimento de sua empresa Pau Brasil numa das campanhas eleitorais de Maluf, ou seu fracasso emocional em vários casamentos. Nada é omitido.

Ao final, o filme emociona a platéia, que vê como o pianista ainda sente mais dor com o massacre político a que foi submetido do que com as terríveis infiltrações de botox na palma para recuperar movimentos dos dedos de uma só mão, porque a outra já estava "morta”.

João Carlos, então, reivindica justiça não para si, mas para sua obra. E mais que qualquer pessoa, é a música que o absolve. O Brasil ainda deve reconhecimento ao seu talento, significado e obra.

Um Convite Irrecusável

2007-06-16T12:10:00.000-07:00

Mas passado o concerto e o memorável encontro com João Carlos Martins foi a vez de ciceronear meu amigo Ênio Antunes, carinhosamente chamado por mim de Brejeiro.

Fomos tomar uma, matar a saudade dos velhos tempos e fazer planos para um futuro em curto prazo.

Eu explico: Ênio Antunes tem se destacado no cenário musical brasileiro principalmente na área acadêmica onde tem se dedicado na formação e preparação de jovens instrumentistas e práticas de conjuntos. É diretor artístico e regente titular da Orquestra Antunes Câmara, coordenador pedagógico e regente adjunto da Bachiana Jovem e professor e regente titular da Camerata FAAM (Faculdade Alcântara Machado).

É o idealizador do projeto “Arte do Som – Escola e Estilos” que acontece em São Paulo capital. Segundo ele esse projeto é um suporte na formação musical e profissional dos estudantes de música com foco nas manifestações culturais e principalmente no entendimento da estética musical.

Além das aulas e trabalhos de pesquisas são realizados workshops dirigidos por professores e artistas de reconhecimento internacional com objetivo de desenvolver o aprendizado da forma mais ampla considerando a compreensão de estilos, formas e características interpretativas da música dos mais diferentes períodos históricos.

Pois bem. Eu precisei relatar isso para dividir com meus compadres e comadres minha alegria de ter sido convidado por Ênio Antunes para me apresentar em São Paulo dentro de seu projeto.

Fiquei feliz por dois motivos: um de ter recebido do mestre Ênio Antunes o reconhecimento por meu trabalho e outro de constatar sua preocupação com a formação cultural plena de seus alunos, pois ao estar levando a cultura popular brasileira para ser vivenciada pelos participantes do projeto demonstra sua vontade de não deixar que os vínculos culturais sejam perdidos.

As barreiras foram feitas para serem transpostas e a cultura popular com causos, poesias caboclas, cantoria e cordel vai transpondo muros e misturando a rusticidade da rabeca com a sofisticação de violinos, violas de arco e violoncelos. Isso será o resultado dessa ação artística e cultural que acontecerá em São Paulo a partir de agosto deste ano graças ao convite que me foi feito pelo professor Ênio Antunes.

TEIA materializa-se em Belo Horizonte em 2007

2007-06-15T05:34:00.000-07:00

A TEIA, o maior encontro da diversidade cultural no Brasil, reunirá, em novembro, em Belo Horizonte, os Pontos de Cultura participantes do Programa Cultura Viva, do MinC, e terá centralidade, neste ano, na relação entre Cultura e Educação.

Eduardo Carvalho*

A TEIA, o maior encontro da diversidade cultural no Brasil, reunirá, em Belo Horizonte, em novembro, os Pontos de Cultura participantes do Programa Nacional de Cultura, Educação e Cidadania – Cultura Viva, do Ministério da Cultura, e terá centralidade, neste ano, na relação entre Cultura e Educação.

Em abril de 2006, realizou-se a primeira edição da TEIA, no Pavilhão da Bienal de São Paulo. A primeira celebração pública e presencial dos Pontos de Cultura, pontapé inicial de um processo de vivência e participação para a construção pública do Programa Cultura Viva. O mote “Venha Se Ver e Ser Visto” abarcou a Economia Solidária como eixo conceitual propositivo.

Naquela ocasião, já havia 443 Pontos de Cultura conveniados, dos quais 400 participaram da mostra. Hoje, já se contam 511 Pontos conveniados diretamente com o MinC e mais 168 conveniados a partir das Redes de Pontos, em um total de 679 Pontos de Cultura. No próximo encontro, a ser realizado em Belo Horizonte, entre os dias 7 e 11 de novembro de 2007, já serão mais de 800 Pontos de Cultura em todo o Brasil.

A proposta de um encontro presencial dos Pontos de Cultura corresponde aos esforços do Ministério da Cultura de construir de forma sistematizada, organizada e democrática, uma política pública de cultura para o país respaldada e orientada pelo Plano e pelo Sistema Nacional de Cultura. Desde o processo de idealização até a distribuição de atividades dos mais de 650 Pontos que deverão estar presentes, tudo busca a articulação de todos, em uma iniciativa do poder público, via os ministérios da Cultura, Educação, Trabalho e Turismo, articulada pela sociedade civil e viabilizada por patrocínios de empresas privadas e públicas. A fim de expressar esta dimensão participativa plural, o lema escolhido para a TEIA neste ano foi Tudo de Todos.

Além do encontro presencial, o Fórum Nacional dos Pontos de Cultura trabalhará virtualmente a partir da Plenária Virtual, no site da TEIA (www.teia2007.com.br). O debate determinante de relação e pensamento do futuro dos Pontos de Cultura acontece em todo o processo da TEIA sob a perspectiva da construção de plataformas democráticas de participação, tendo em vista a necessidade da conquista de autonomia, protagonismo e empoderamento da TEIA para além da construção que hoje ainda é articulada pelo Ministério da Cultura. Além da realização do encontro em si, a TEIA deste ano lança as bases metodológicas para que, em 2008, os Pontos de Cultura participem ativamente de todo o processo, desde a elaboração até a execução do projeto que determina o encontro anual dos pontos.

Os Territórios
Organizados por meio de um processo colaborativo que envolve uma rede independente de empresas culturais, os espaços que compõem a TEIA em Belo Horizonte estão divididos para abrigar, tematicamente, cinco Territórios: Expressão, Diálogo, Práxis, Trabalho e Celebração. A construção dos Territórios determina a divisão dos elementos que compõe a TEIA, não necessariamente em uma repartição espacial e geográfica, mas conceitual, simbólica.

Estes cinco campos conceituais são perpassados por temas transversais mais abrangentes, notadamente a relação entre Cultura e Educação, além da forte presença da Economia Solidária, mote da TEIA em 2006. O encontro buscará sempre aproximações entre ações que se desenvolvam com a consciência social que incorpora referências simbólicas no processo de construção da cidadania e com os processos de exploração, uso e apropriação de códigos de diferentes meios e linguagens artísticas e lúdicas nos processos educacionais, pretendendo, com isso, ampliar o acesso aos meios de formação, criação, difusão e fruição cultural por meio da ação de agentes culturais, arte-educadores, educadores de rua, artistas, professores e cidadãos que entendem a cultura no seu sentido mais amplo - como direito, comportamento e economia. Além, é claro, dos aspectos ligados à potencialização de energias sociais e econômicas para o desenvolvimento de uma cultura cooperativa, solidária e transformadora.

Os principais espaços de prática política da TEIA são os territórios do Diálogo e o da Práxis. Partindo do princípio de que as formas de fazer dos Pontos são geradoras de uma qualidade de conhecimentos ainda pouco difundidos, a intenção é partir para a tomada de consciência de que é preciso decodificá-los para articular os saberes que eles representam. Assim, é fundamental o Diálogo, como resultado de um processo de cooperação e de trabalho conjunto para construir um significado comum a todos os interlocutores.

Nessa lógica, o Seminário Internacional Saberes Vivos terá o objetivo de provocar a troca dos saberes acadêmicos com os dos Pontos. O espaço Conversê, por sua vez, será o ponto de encontro, reuniões, articulações e contatos entre os Pontos, com suporte multimídia de registro e difusão.

No terreno da Expressão, acontecerá o Fórum Nacional dos Pontos de Cultura, que reunirá todos os Pontos para desenvolver a agenda política do Programa Cultura Viva. Além disso, será organizada a Mostra ArteViva, que pretende resignificar o conceito de arte para além da visão elitista e/ou européia.

O Território do Trabalho abrigará o Mercado Criativo, um novo conceito de vitrine para os produtos provenientes dos Pontos, organizado para reuni-los pelos tipos de manufatura que desenvolvem, e não por estados, o que propiciará o melhor aproveitamento na troca de saberes. A Feira de Economia Solidária também estará presente e integrada à TEIA com um conceito ativador das capacidades produtivas dos Pontos, numa nova visão de economia e desenvolvimento para o país. Já o Palco em Obras será uma das grandes atrações de público, unindo em apresentações artísticas músicos consagrados em diálogo com artistas dos Pontos.

E o último fio da TEIA é o da Celebração. Nele, o Circo Brasil será um palco aberto e administrado pelos Pontos para manifestações artísticas dos Pontos de Cultura. Uma programação especial promete ainda uma grande Parada da Diversidade Cultural e a elaboração do Circuito Cidade Viva, a fim de promover a integração da cidade e de sua população com os visitantes de todos os cantos do país. Um restaurante será especialmente montado para alimentar os mais de 5 mil agentes culturais que participarão do evento.

Belo Horizonte, capital mineira, foi escolhida para acolher o maior encontro da diversidade cultural no Brasil por concentrar, em uma área pequena, os necessários aparelhos culturais para garantir a proposta de Tudo de Todos, acolhendo os diversificados tipos de atividades que comporão o encontro presencial dos Pontos de Cultura. Oito locais na região central do município formarão um amplo corredor cultural, ocupando a Casa do Conde, a Estação do Conde, o Centro Cultural UFMG, a Praça da Estação, o Museu de Artes e Ofícios, a Serraria Souza Pinto, o Teatro Francisco Nunes e o Palácio das Artes.

(*) Além de editor de Arte & Cultura na Carta Maior, Eduardo Carvalho também coordena o trabalho do 100canais - núcleo editorial de jornalismo cultural independente, parceiro de Carta Maior e responsável pelo conteúdo do site da TEIA.

"Lei de Incentivo é sistema perdulário e injusto"

2007-06-12T07:43:00.000-07:00

Meus compadres e comadres. Abaixo transcrevo entrevista de Yacoff Sarkovas ao Portal Carta Maior onde fala sobre leis de incentivo à cultura

Ele diz que "Lei de incentivo é sistema perdulário e injusto", e acusa o Ministério da Cultura de ter organizado fóruns pelo Brasil para discutir apenas mudanças cosméticas na lei, pois não quis enfrentar lobbies midiáticos.

Por Edson Wander

A incapacidade e até mesmo a perversidade do sistema de leis de incentivo baseadas em renúncia fiscal é uma noção que cresce de maneira inversamente proporcional à capacidade dos agentes públicos de mudá-lo. Além de perversas, as leis de incentivo são perdulárias, injustas e deseducam o empresariamento no trato do apoio cultural. Esse diagnóstico das leis de incentivo cultural no Brasil é de Yacoff Sarkovas, especialista e consultor de empresas na área de imagem corporativa e projetos culturais, sociais, ambientais e esportivos. Crítico mordaz da legislação que trata cultura como objeto de renúncia e até lucro fiscal subreptício, Sarkovas é o nome por trás da reengenharia dos programas culturais de empresas como Petrobras e Natura. Engenheiro eletrônico que passou a trabalhar no meio cultural, Sarkovas falou à Carta Maior sobre o quadro atual da legislação de fomento à cultura no Brasil e revelou, entre outras coisas, que o Senado discute um projeto que pretende revalidar a legislação de incentivos culturais via renúncia fiscal, que caducou ano passado. Leia os principais trechos da entrevista:

CARTA MAIOR - O que há de errado com as leis de incentivo à cultura no Brasil?

YACOFF SARKOVAS - É melhor começar perguntando o que há de certo, porque só há uma coisa certa nas leis de incentivo que é a transferência de dinheiro público para a cultura. Isso é positivo porque a cultura é uma questão de interesse público e, portanto, precisa de recursos públicos e só, pronto, acabou: a partir daí está tudo errado. É um sistema perdulário e injusto. É perdulário porque cria uma cadeia desnecessária de intermediação. Ao invés de o dinheiro sair em linha direta do caixa público para a ação cultural, cria-se uma cadeia de intermediação porque, para a busca desse recurso em meio a milhares de empresas, exige-se uma série de captadores, gente especializada em formulação de projetos e corretagem, o que dá margem a processos de corrupção. É perdulário também porque, no uso do dinheiro público, as empresas aplicam para fins que nada têm de interesse público. E ele é injusto porque ele não estabelece uma relação entre dinheiro público e interesse público. Isso faz com que, por exemplo, o filme a ser financiado seja o A e não o B. Os critérios passam a não ser justos e, então, chega-se a uma situação mais do que perdulária e injusta. Chega a ser absurda, surreal, como no caso da Lei do Audiovisual. Essa lei é um dos maiores escândalos culturais produzidos nesse país.

CM - Por quê?

YS - Você sabia que, quando você entra no cinema e vê aquela marca na abertura dos filmes, você está pagando para aquela empresa usar aquela marca naquele filme? O desconto via lei, nestes casos, chega a 132%, ou seja, aquela marca que abre o filme pegou R$ 1 milhão de reais do dinheiro público - porque ela não pegou um centavo do bolso dela - e deu para aquele filme acontecer. Em troca, pediu uma série de benefícios, inclusive aquele benefício de imagem. Além de ela deduzir do imposto o R$ 1 milhão que ela "deu", ela deduz também R$ 320 mil porque lança como despesa, aquilo se abate sobre o lucro e, na incidência, vira lucro. O poder público, o Estado brasileiro, paga para que empresas privadas decidiram onde se vai colocar o dinheiro público em forma de incentivo cultural, é assim que tem que ser vista a Lei do Audiovisual. A população brasileira não sabe disso, o cidadão brasileiro não sabe disso e precisaria saber.

CM - Então o modelo ideal é o financiamento direto?

YS Totalmente, não há nenhuma dúvida nisso. É assim que acontece no mundo inteiro e assim que acontece no Brasil em outras áreas, como científica, acadêmica, por exemplo, a de pesquisa. Como é que se concorre a recursos públicos na área de Biologia e Física por exemplo? Entra-se nos órgãos e institutos públicos afins que vão medir a competência do candidato por mérito técnico e mérito de política pública. Então, são critérios que fazem parte de uma estratégia pública de pesquisa, a cultura também deveria ter isso. Qual é a estratégia pública para fomentar a dança instrumental no Brasil? Qual é a estratégia pública que temos para gerar processos de inclusão cultural ou de democratização de acesso à cultura. Existe uma série de questões na área cultural que só o poder público pode dar conta.

CM - Mas não há experiências eficazes de incentivo cultural via fisco em outros países?

YS Há claro, mas não tem nada a ver com o que a gente chama de incentivo fiscal no Brasil. Lá fora é assim, como nos Estados Unidos, por exemplo, o cidadão mora em Nova York e vai muito ao Metropolitan porque acha o espaço um patrimônio da cidade e resolve ajudar o Metropolitan. Então ele dá 100 dólares por ano para o Metropolitan e desconta no seu Imposto de Renda. Mas, veja bem, a idéia é ele descontar 100 dólares do seu incentivo cultural, é deixar de pagar por essa doação e não receber por essa doação, como é facultado aqui como possibilita a Lei do Audiovisual de permitir as empresas até a lucrar 32% sobre o incentivo dado.

CM - Se é tão evidente os malefícios da lei por que não se consegue mudá-la?

YS Mudar a lei não é mexer em dois, três artigos dela, mas mudar o sistema de financiamento público à cultura. É fazer com que se substitua o sistema de dedução fiscal por um sistema de fundo de financiamento público e, a médio prazo, desaparecer com as leis de renúncia fiscal. Mas falta interesse e é importante que se diga que o governo Lula, com o Ministério do Gilberto Gil, endossa esse sistema de renúncia fiscal como sistema válido como modelo de financiamento público. O Ministério da Cultura organizou uma série de fóruns pelo Brasil para discutir mudanças cosméticas na lei.

CM - O argumento do Minc é que há entraves políticos para a mudança...

YS Por entraves políticos leia-se peitar pequenos lobbies, isso é que são entraves políticos. São lobbies poderosos apenas para gerar impacto midiático. Na verdade, a coluna do ministério neste aspecto foi quebrada logo no início do governo por um golpe midiático feito por alguns cineastas que revidaram um edital redigido de uma forma incompetente por uma estatal, colocando a necessidade de contrapartidas sociais para futuros projetos que viessem a ser contempladas por ela. Na verdade, foi um golpe midiático porque, por trás daquilo, não havia nenhuma crítica consistente. Enfim, é bom que se diga que, com Gil ou sem Gil, o staff técnico do ministério tem o diagnóstico completo disso sobre o que eu estou falando, lá todos sabem disso melhor do que eu e você. Outra: o Gil levou para o Ministério gente que tem uma visão crítica de todo esse processo que foram para lá dispostos a mudar isso, mas caíram na vala comum.

CM - Como o senhor avalia a participação privada nas ações de patrocínio cultural no Brasil?

YS Patrocínio é uma questão de comunicação empresarial, esquece lei de incentivo, cultura etc., é apenas uma forma de uma marca se comunicar. E, hoje, o próprio mercado está levando as empresas a se comunicarem de uma forma associativa: ela associa sua imagem a conteúdos que tenham valor para os seus públicos. Isso pode acontecer no campo cultural, esportivo, social, ambiental etc. Essa estratégia é adotada no mundo todo e no Brasil e desenvolve-se a cada ano. Atualmente, 19% dos orçamentos de comunicação das grandes empresas brasileiras são investidos nessa estratégia, e isso vai continuar crescendo nos próximos anos. Mas, com a criação das leis de incentivo, surgiu um dinheiro que não é deste orçamento, então as empresas usam dessas benesses, claro, pois está previsto em lei. Chegamos, com isso, a uma outra perversão da lei de incentivo cultural via dedução fiscal, que é a de deseducar o empresariado. É como se você dissesse para ele que não precisa usar o dinheiro dele para vender a sua imagem. E isso, infelizmente, criou uma dependência crescente desse processo. Hoje, do total de investimentos das empresas na cultura, 67% vem do uso das leis de incentivo fiscal. Ou seja, são 67% de recursos que usam leis de incentivo contra 33% que não usam. Outro dado: 80% das empresas brasileiras que fazem patrocínios culturais usam os benefícios da lei.

Víctor Jara, o músico das mãos decepadas por Pinochet

2007-06-06T08:40:00.000-07:00

O sangrento golpe militar do Chile, em 1973, deixou um saldo de mais de 15 mil mortos, 30 mil prisões e centenas de torturados. Entre as vítimas da barbárie pinochetista, estava Víctor Jara, jovem poeta e compositor de música popular, líder da Nueva Canción - movimento que pertence à estética da música de protesto.

Além de grande e inventivo artista, Jara era militante das Juventudes Comunistas. Em 1970, na campanha de Salvador Allende para a presidência do Chile, realizou recitais em todo o país. São dessa época canções engajadas, como El Manifiesto e La Plegaria de un Lavrador.

Com Allende eleito, Víctor Jara assumiu um papel preponderante no desenvolvimento cultural e político do país. Foi¬lhe outorgado o cargo de embaixador cultural do governo da Unidade Popular, que desempenhou de 1971 até à sua morte. Na qualidade de embaixador cultural, levou o seu canto a importantes palcos mundiais.

Em 1972, realizou uma volta musical à União Soviética e a Cuba. Foi convidado, no mesmo ano, para o Congresso de Música Latino-Americana, organizado pela Casa das Américas, em Havana. Em seu regresso ao Chile, dirigiu a homenagem que se fez ao poeta Pablo Neruda depois de este receber o Prêmio Nobel de Literatura.

No dia 11 de Setembro de 1973, durante o golpe militar, Víctor Jara foi detido com um grupo de professores e 600 alunos que se encontravam na Universidade Técnica do Estado. Depois da sua apreensão, foi levado ao Estádio Nacional de Santiago - que os militares utilizaram, naqueles dias sombrios, como campo de concentração.

Jarra não obedeceu à ordem militar de parar de tocar seu violão. Teve assim suas mãos decepadas - e misturou gritos de dor com alguns versos de protesto de sua autoria. Foi o bastante para que um insano militar calasse Jarra com um tiro em sua cabeça, ceifando a jovem vida de um grande talento.

Uma testemunha relata que os algozes, ao cortarem as mãos do músico, lhe teriam dito: "Agora pode tocar violão". Dias depois, sua mulher, Joan Jara, identificou o corpo dele, fuzilado e com as mãos amputadas. No estádio, Victor ainda escreveu seu último poema, no qual transparece toda a sua dor e sofrimento, a um passo da morte, contemplando com profunda tristeza o que acontecia com seu país:

"É este o mundo que criaste, meu Deus?
Para isto os teus sete dias de assombro e trabalho?
Como me sai mal o canto quando tenho que cantar o espanto!
Espanto como o que vivo.
Como o que morro, espanto".

Em 1990, a Comissão Verdade e Reconciliação reconheceu que Víctor Jara foi ferido de morte no dia 16 de Setembro de 1973, no Estádio Nacional de Santiago. Seus restos descansam no Cemitério Geral.

O poema a seguir foi citado no primeiro número da revista da Apropuc, inteiramente dedicado ao músico, poeta e compositor chileno. Segundo a publicação, "essa homenagem se estende a todos os artistas que emprestam ou emprestaram seu talento à luta social, à causa dos trabalhadores e, por esse motivo, foram oprimidos, torturados ou assassinados".

Canto para as Mãos Partidas de Víctor Jara
(Por Pedro Tierra)

Quisera chorar teus dedos dilacerados:
Raízes do meu canto subterrâneo.

Quisera chamar-te "Hermano"
Como a infância dos rios
Lava o rosto da terra,

Mas minha boca sangrava
Um silêncio de canções amordaçadas.

De tuas mãos se dirá um dia:
Geravam pássaros de sangue
Como as primaveras da lua.

Tuas mãos,
Tristes descendentes das canções araucanas,
Tuas mãos mortas,
Casa de canções decepadas,

Tuas mãos rotas,
Últimas filhas do vento,

Guitarras enterradas sem canto,
Sementes de fuzis,
Seara de sangue.

Quisera entregar
Minhas mãos inúteis
Ao cepo de teus carrascos.

Fontes: Rebelión, Adital e Site da Apropuc

A Funarte, as Políticas Públicas de Cultura e a Democracia

2007-06-04T19:22:00.000-07:00

Celso Frateschi, recém-empossado presidente da Funarte, fala sobre as políticas que pretende desenvolver na gestão do órgão e da necessidade de afinar a parceria entre a entidade, o Governo e o Ministério da Cultura.

Celso Frateschi é ator, diretor e autor teatral, ator de televisão e cinema e produtor de cinema, e já soma mais de trinta anos de carreira. No campo acadêmico, atualmente é professor licenciado da Escola de Artes Dramáticas da Universidade de São Paulo, da qual também era vice-diretor. Na gestão pública, já foi secretário de Cultura em Santo André e, em São Paulo, durante a gestão Marta Suplicy, foi diretor do Departamento de Teatro e, em seguida, Secretário Municipal de Cultura. Desde o final de abril, é o presidente da Fundação Nacional de Arte (Funarte), órgão independente ligado ao Ministério da Cultura e responsável por tornar reais boa parte das políticas por ele geradas.

Em sua atuação como gestor, Frateschi realizou projetos de fomento ao teatro e à produção cultural na periferia, trabalhou uma agenda conjunta com a Secretaria de Educação, especialmente nos CEUs, e criou o Museu Afro-brasileiro. De seu gabinete na Funarte, falou-nos sobre as diretrizes da cultura na gestão Lula/Gil, de democracia participativa, de fomento aos produtores independentes, teceu elogios ao programa Cultura Viva e críticas à estrutura de direção da própria Funarte, além de apontar alguns malefícios do atual modelo de fomento à Cultura.

Leia os melhores momentos da entrevista concedida a Guilherme Jeronymo*, repórter do 100canais - núcleo editorial de jornalismo cultural independente, parceiro da Carta Maior:

100canais – Parte da imprensa noticiou que o senhor assumiria a presidência da Funarte com carta-branca do Ministro Gilberto Gil. O que isso significa? Como ela se traduzirá no seu projeto para a Funarte?

Celso Frateschi – Em primeiro lugar, eu nunca pedi, portanto nunca recebi, nem me interessa receber carta-branca do ministro. Pelo contrário, quero o envolvimento do Ministério e do ministro em todos os projetos que for realizar aqui na Funarte. A carta-branca, se me dá liberdade, ao mesmo tempo tira o compromisso daqueles que eu quero que se comprometam a fazer os projetos comigo.

Em política, não tenho interesse em desenvolver um projeto pessoal, e não propus projetos pessoais quando estive nos governos de Santo André e de São Paulo. Entro nesta gestão por acreditar no projeto coletivo por ela proposto, e não tenho pretensão, expectativa ou querência de ter carta-branca. Acho que tem sim uma contribuição pessoal minha, algo com que eu possa colaborar, mas isso dentro de um projeto coletivo. Tenho sim muita liberdade de propor e de executar, como também muito compromisso com este projeto.

100 - O senhor já afirmou, em entrevista anterior (leia aqui entrevista com este repórter na Carta Maior), acreditar em dois pontos de vista diferentes para se encarar o processo da cultura: como direito de cidadania ou como atividade econômica. A última gestão da Funarte, até por ter tido a tarefa de praticamente se reerguer do nada, privilegiou a estruturação econômica, inclusive com uma política setorialista. O plano agora é o de aprofundar essa visão, estruturando-a melhor, ou o de diversificá-la, pensando no acesso do cidadão também aos bens de produção de cultura?

CF - O tripé do governo Lula em Cultura, capitaneado pelo Gil, define três grandes linhas: o desenvolvimento da cultura na questão simbólica, a cultura como direito de cidadania e a cultura como atividade econômica. A equação que o governo propõe coloca essas três dimensões do trabalho cultural interagindo e alimentando-se, provocando-se mutuamente. Não concordo que o Grassi [Antônio Grassi, presidente anterior da Funarte] tenha inclinado-se de maneira desequilibrada a essa parte econômica. Foi uma preocupação, mas se ele pretendeu desequilibrar foi para o lado da cidadania cultural ao reavivar a Funarte com projetos amplos procurando atender o Brasil como um todo e em várias áreas artísticas. Não pretendo mudar essa linha, nem me contrapor a esse tripé. Pelo contrário. E pretendo colocar minha experiência para desenvolver isso da forma mais ampla possível.

Num primeiro momento analisamos os editais da gestão anterior, e agora estamos priorizando a federalização, com iniciativas como a de realizar prêmios que tem disputa por Estado, não deixando prevalecer a concentração de prêmios e verbas em projetos do eixo RJ-SP. Os projetos de um determinado Estado disputarão entre si. Não chegamos a uma versão definitiva deste modelo, mas avançamos bastante. Uma coisa é certa: para desenvolver as três vertentes, será necessário trabalharmos integrados com o Ministério e com o Governo como um todo.

100 - Quão independente é a Funarte para fugir da lógica do estímulo à produção dependente das leis de fomento?

CF – Sabe, nós precisamos relativizar um pouquinho esse conceito de dependência ou independência. Nós temos interesse inclusive de intervir na lógica dos Programas Nacionais de Cultura, e já intervimos em sua prática. O Pronac, por exemplo, tem boa parte dos pareceres vindos da Funarte, ficando as decisões para o CNIC e, em última análise, para o Ministro. Se nos colocarmos como independentes, acabaríamos não participando dessas discussões de critérios da Lei Rouanet e de formas para melhorá-la. Isso não pode acontecer, pois queremos estar dentro do Governo, sugerindo ações e propostas para que a arte e a cultura estejam em pauta no conjunto do Governo, assim como queremos ser permeados também pelo governo. Hoje, a Cultura é discutida de uma forma estratégica. A participação do ministro em pautas como a da TV Pública demonstra isso.

É preciso uma certa independência sim, para que não haja interferência das outras áreas na atuação do artista. Estamos num processo, num momento, em que a Cultura já não é tratada mais como apêndice da educação. Mas isso não significa que não devemos ter um trabalho orgânico com a educação. A cultura por muito tempo foi vista como uma ação meramente ligada a eventos, como uma ação cultural ou institucional, de governo ou de empresas. São ações que limitam a função artística, e que estamos superando. São ações muito visíveis, principalmente quando a cultura vira subproduto, quando, na verdade, ela é o produto principal, não precisando travestir-se de nada para ser importante ou estratégica.

100 - Como a Funarte articula-se e qual seu potencial de articulação com políticas externas à sua estrutura como a lei Rouanet, os Funcines e o Fundo de Cultura?

CF - Ela tem institucionalmente essa função. Agora, nem sempre ela pode fazê-lo. É preciso lembrar que a Funarte foi destruída no governo Collor e abandona na gestão FHC. Mas ela tem, sim, como interferir nas discussões do Programa Nacional de Apoio à Cultura - Pronac e da Comissão Nacional de Incentivo à Cultura - CNIC, por ser quem avalia a maior parte dos projetos que pedem recursos em seu âmbito. Estamos discutindo as Instruções Normativas que definem as políticas de fomento e tendo assento nestes fóruns, dos quais, antes, não participávamos. Agora, nesta gestão, parece-me que estamos conseguindo um trânsito bastante positivo no conjunto do Ministério da Cultura e de suas secretarias.

100 – Neste sentido, o recente Requerimento 69/2007 da Comissão de Educação e Cultura da Câmara, de autoria do Deputado Paulo Rubem Santiago, convidando o senhor e uma série de Secretários do MinC e os presidentes da Ancine e do Iphan para debater o Plano Nacional de Cultura é uma atitude positiva?

CF - Claro que é positiva. É fundamental que estejamos numa instância tão importante quanto a Câmara, nem que seja para explicitar nossas mazelas e dificuldades todas num órgão que pode ser um grande aliado para desenvolver nossas ações.

100 - É demais imaginar uma Funarte como mais do que uma “agência” de fomento, indo um passo além da reestruturação que marcou os últimos quatro anos e atuando como geradora, articuladora e executora de políticas publicas, inclusive atuando na proposição de um modelo político para as artes?

CF – A questão é que, como agência de fomento, ela é geradora e executora também. Mas esse é, sem dúvida, apenas um dos aspectos da Funarte, e todo o esforço do Ministério é para que ela atue na formulação de políticas públicas estruturantes para o futuro do país. A nossa missão é executar de uma maneira mais efetiva o Plano Nacional de Cultura e o Sistema Nacional de Cultura, já consagrado em discussões na gestão anterior deste governo. A Funarte vai ter uma grande participação na efetivação das políticas, e isso significa discutir e ter planos conjuntos com Estados e municípios seja com os editais da Funarte, seja com os Pontos de Cultura. Agora, o esforço é o de alcançar a consagração definitiva do Sistema e do Plano.

100 - Como a greve dos servidores da Cultura, baseada sobretudo no Rio de Janeiro, afeta a Funarte, qual a posição da Fundação e que desafios ficam evidenciados?

CF - É evidente que a greve afeta de uma maneira bastante importante as atividades da Funarte. E é esse o sentido dela. Ela é uma ação para que o Governo, como um todo, responda às manifestações e o Ministério tem se posicionado de maneira bastante explícita como favorável às reivindicações dos funcionários, que estão sendo discutidas com o Governo. O Ministério tem pressionado para que essa negociação com o Ministério do Planejamento seja realizada, e torne-se possível o cumprimento do acordo realizado entre servidores e Governo em 2005. Temos uma relação bastante “civilizada” com os funcionários da Cultura em todos os locais onde atuamos, e essa greve nos prejudica bastante.

100 - Quais a sua visão da abrangência do programa “Cultura Viva” em sua utilização como campo de articulação de políticas que visem à “cidadania” por meio da arte, articulada com a educação e com perspectivas de sustentabilidade econômica?

CF – Acho que o Cultura Viva é o grande sucesso da gestão Gil, e ele vem se implantando com uma rapidez muito grande. Passa aos poucos a ter um caráter mais federativo e a posição do Célio Turino tem sido muito positiva neste sentido. É um programa amplo, completamente não restritivo no sentido de linguagens e de formas e que, por isso mesmo, tem muito o que expandir. A tendência é ganhar uma escala federal maior do que a que atingiu até agora.

100 - Como pode este programa levar em conta as necessidades culturais da população sem deixar de levar em conta as necessidades dos produtores? Qual destes setores é melhor contemplado?

CF - São setores que podem ter um atendimento complementar neste projeto, mas o Cultura Viva não tem como objetivo os produtores. Ele está preocupado com outras coisas, e talvez seja o programa em que a cidadania cultura é mais atendida. Quanto ao produtor, há projetos, a própria Lei Rouanet e editais, voltados para eles. O Cultura Viva parece-me um projeto bastante amplo em que o produtor também se inclui, quando engajado, em resolver as questões propostas pela população.

Mas isso depende da forma como se define produtor. Se encararmos esse termo em lato sensu, de que produtor é quem faz cultura, então o programa atende bem mais aos produtores. Se no stricto sensu, pensando os produtores como os que se sustentam com a cultura, então eles ganham neste programa só quando a população necessita.

100 - É possível um “choque de democratização” estética no país, multiplicando o acesso e a produção da arte como alternativa econômica concreta para comunidades locais, ou seja, fazer a Funarte chegar à população, ao invés de manter uma postura passiva de órgão que recebe projetos?

CF - Essa é um pouco a missão da Funarte, e o que estamos fazendo. Não digo com termos bombásticos como “choque”, mas de construção da democracia, de um ambiente no qual a arte chegue à população, tanto no seu fazer como no seu fluir. E vamos trabalhar nesse sentido, construindo bases para que esta política de democratização avance de forma significativa nos próximos quatro anos.

100 - Linhas de fomento que visem à produção independente como alternativa econômica estão em pauta neste novo momento da Funarte?

CF - Estamos estudando uma forma de atuar em grande escala no fomento de pequenos projetos. Está em discussão, na Funarte e no Ministério, trabalhar com projetos que necessitem de até R$ 15 mil, principalmente em cidades de até 50 mil habitantes. Mas isso ainda está em estudo e não podemos dizer ainda que haverá algum plano. Há, porém, a intenção de ter uma destas linha ativa até o final de 2007. Há outros projetos que estamos estudando também nesse sentido de levar a cultura para a população. Um dos projetos é o de colocar o acervo da Funarte à disposição da população, até em parceria com projetos de outros Ministérios e de Secretarias Estaduais.

100 - É possível escapar das políticas setorialistas, ampliando programas e projetos como os Pontos de Cultura para serem pensados como espaços culturais de participação e construção de cultura?

CF – Sim, e a participação em espaços como estes vai ser ampliada. Temos agora o interesse da Funarte de trabalhar mais junto do Cultura Viva e dos Pontos de Cultura. Nos Pontos de Cultura, a questão inclusive é a disponibilização de pequenos projetos, direto com o produtor. Não se estará mais fomentando uma ONG, mas o próprio artista, algo próximo do VAI de São Paulo, programa de fomento que não tem um edital por área ou um corte por linguagem. O que é julgado lá é a qualidade do que o artista propõe, independente da linguagem que utiliza ou na qual se ancora.

100 - Por sua característica própria como Fundação, praticamente uma agência, é possível e almejado que a Funarte atue como um ponto de geração de sinergias entre governo, terceiro setor, iniciativa privada e movimentos? O que falta para isso, e quais os modelos de gestão cultura que podem emergir daí?

CF – Claro que é essa a preocupação do Ministério como um todo. E a Funarte está pensando e agindo neste sentido. Mas temos que ir com calma, como aquela sacada do Garrincha ao perguntar pro técnico se o adversário já tinha concordado com o esquema tático. É necessário antes acordar e sensibilizar os futuros parceiros, e a gestão Gil tem estado atenta a este sentido. Há grupo de estudo entre os Ministérios da Cultura e Educação, trabalhos com outros Ministérios, e isso está levando a resultados. Mas é uma ação a longo prazo, um processo que é demorado, e não há ilusão de que isso aconteça magicamente.

100 - Como pensar, do ponto de vista econômico, soluções para os problemas de difusão e distribuição dos produtos culturais? Quais as ferramentas que podem ser melhoradas e quais se fazem necessárias neste sentido?

CF – Está aí outra coisa que temos de começar a mudar. Temos os modelos da Rouanet e seus editais e existe uma cultura hoje no Brasil que reforça a produção, muito concentrada no eixo sul-sudeste e RJ-SP, e pensado pouco no público. Com o modelo atual, normalmente se pensa em um show que será apresentado em um dia, ou uma peça de cinco semanas. E, com isso, parece até que a atividade econômica que caracteriza a Cultura sumiu. Diferente de 10, 15 anos atrás, quando havia peças que realizavam até oito sessões semanais, hoje a grande maioria mantém-se com duas ou três apenas.

Mudar isso é uma coisa complicada, e temos poucas formas de fazê-lo, mas cada vez mais temos pensado em formas de fazer o produtor pensar em seu público. Hoje, vivemos uma lógica em que o produtor vive de e pensando em seu próximo financiamento. Temos estudado isso, na discussão das Instituições Normativas inclusive, para saber como mudar o foco da produção pura e simples para o foco no público, para crescer o consumo de peças, shows, espetáculos e etc. Temos pensado em como podemos estimular isso, mas não existe nenhuma mágica ainda não, nenhuma varinha de condão, até porque, da forma que o modelo está colocado, ele acaba resolvendo a questão do dinheiro do produtor. Muitas vezes, com uma pequena temporada paga, vale mais a pena pensar na próxima temporada do que atender a um público maior. Paradoxalmente temos mais produções, porém em um mercado que não se amplia ou talvez até se restrinja.

100 - Apesar da má recepção da mídia a projetos como a Ancinav, é possível se pensar nesta gestão em mecanismos de controle público e gestão participativa na Cultura, até como os conselhos dos CEUs e experiências como o Orçamento Participativo e o VAI funcionaram em São Paulo durante a gestão Marta Suplicy?

CF - Tenho trabalhado esse ponto aqui na Funarte. A nossa idéia é criar uma forma, um conselho público de controle, até porque não temos. A nossa proposta de mudança do Estatuto parte por aí. Na gestão, tudo tende a melhorar com o controle público. A Democracia Participativa tem demonstrado ser uma ferramenta que traz grande vitalidade às gestões. Na minha gestão na Secretaria Municipal da Cultura em São Paulo, implantei diversos mecanismos de controle público, como o Conselho Municipal de Cultura, o Parlamento Municipal de Cultura e os conselhos locais, todos muito importantes para a gestão da Arte e da Cultura.

100 – Como assim uma reforma no Estatuto?

CF – O regimento da Funarte não tem um conselho curador, que é um exemplo de ferramenta para controle púbico. O controle das ações da Fundação está restrito aos seus diretores. Esse e alguns outros pontos estão em estudo para serem alterados, no sentido de tornar a Funarte um organismo mais republicano.

100 - Quais as idéias na Funarte para o apoio às vanguardas, tanto em artes e modelos de arte consagrados como em novas tecnologias, em especial as digitais, pouco discutidas nas políticas de fomento à Cultura.

CF – Sabe, a Funarte sempre foi considerada elitista. Sempre foi considerada uma instituição que apoiou mais a vanguarda do que a cultura popular. Não foi verdade, como não é verdade que vamos deixar de apoiar as vanguardas. Hoje se tem, na arte e na música especialmente, nas artes cênicas também, apoio a grupos de ponta. Na área de novas tecnologias, realmente temos de trabalhar mais a cultura digital, o que é uma proposta do próprio Ministério. Estamos nos organizando para tanto por meio do canal virtual, que está já estruturado, com equipamentos novos. É um programa que já existia, mas que ainda não se colocou publicamente de forma mais definitiva, e que trabalha com novas tecnologias na produção e na difusão. Estamos trabalhando bastante também na perspectiva do que poderá ser feito com a TV Digital, na produção de conteúdo para ela. Mas ainda há muito com o que trabalhar.

Um outro ponto que é importante pensar é que não é mais urgente nem fazer chegar o que já existe nem criar o novo ou a partir do novo. Não são coisas excludentes, e tão importante quanto fazer cultura é receber produtos culturais.

(*) Guilherme Jeronymo é repórter do 100canais - núcleo editorial de jornalismo cultural independente.

Paulo Miranda expõe em Uberaba

2007-06-03T08:47:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.

O artista Paulo Miranda expõe em Uberaba a partir do próximo dia 05, terça-feira, conforme cartaz ao lado. A seguir, deixo na responsabilidade do grande artista Hélio Siqueira um breve comentário sobre Paulo Miranda.

DA PALPABILIDADE DO GESTO A VISIBILIDADE DA FORMA

“Mais ainda do que criar imagens a função do artista é revitalizar a própria imaginação e o imaginário coletivo”. Roberto Matta.

Numa época de perspectivas cruzadas, concordo que o artista torna-se um guerrilheiro caminhando sobre situações nebulosas. Lança-se sempre em pesquisas alternativas, nos campos minados da criação, nos vôos em queda livre para desafiar o branco, nos exercícios em corda bamba para ocupar os espaços e sem medo de errar, vai encontrando outras saídas alargando sua capacidade perceptiva, e consequentemente dando sentidos inusitados para suas criações.

Paulo Miranda é um desses artistas que vive perigosamente arquitetando possibilidades, refazendo escombros, costurando pedaços, reconstruindo superfícies, num jogo racional e emocional de desconstruir o construído para coloca-lo em forma novamente repetindo, quero dizer, recriando como Sísifo, condenado pelos Deuses, a carregar eternamente a pedra/espiral da criação.

O papel no início de sua carreira, há vinte anos atras, foi a mola propulsora para suas investigações. Paulo encontrou nesse material possibilidades infinitas, fosse colando papel sobre papel- branco sobre branco, preto sobre branco, preto sobre preto, e no esfregar, arranhar, construir e destruir de superfícies transformou os espaços em partes indivisíveis, onde o suporte vira corpo da obra e não contenta mais em só ser suporte.

A recompensa para esse trabalho de guerrilheiro incansável veio através do prêmio do 8º Salão Paulista em 1990 e dos comentários veiculados na imprensa por Radha Abramo, destacando-o como um dos artistas mais promissores da sua geração.

Numa época em que a subversão foi institucionalizada, Paulo vai a cada nova fase subvertendo a matéria mais e mais e nos “Vestígios” de sua segunda fase coloca toda sua inquietação onde forma e fundo, conteúdo e continente são equivalentes e o estilhaçamento das matérias sempre em sobreposições deixa transparecer os vãos – invólocros que guardam memórias de um tempo perdido quase em decomposição.

Visualidade na arte é construção e Paulo Miranda lança-se de corpo inteiro sobre os acasos dessa dualidade destruir/construir, sempre atento e antenado não deixa que a técnica se torne uma mera obsessão, ela é reinventada a cada dia no recomeço de cada trabalho.

Nesta forma lúdica e lúcida de trabalhar com o papel, a cola, o pigmento a pedra fragmentada e depois a tela o artista aproximou as fronteiras do desenho com a pintura, chegando mesmo a transformá-lo num só corpo indissolúvel – resistente a aceitar qualquer conformismo ou qualquer sugestão fácil. Nas saturações voluntárias a matéria áspera ou delicada, dobra-se como couro nas mãos, não mais de um desenhista mas de um escultor onde a lona desgastada pelo uso, funde-se ao trabalho embrionário que se adivinhava no início de sua carreira.

Nos trabalhos atuais o desenho não é descartado, o artista descobre outras formas de desenhar, seja através da impressão de formas familiares, tais como fachadas de oratórios ,sacrários e grades, seja saturando os esfacelamentos dinâmicos dos gestos e sobreposições que inseridas na construção do trabalho abrem ou fecham portas, sacralizando as fechadas e dessacralizando as abertas permitindo ao espectador momentos de descoberta e contemplação.

Paulatinamente Paulo, com sua linguagem pessoal, vai se impondo e abrindo caminhos encontrando uma forma poética de falar da diversidade do mundo, dando visibilidade inconfundível à sua criação e tecendo comentários sutis sobre nossa precária existência.

Hélio Siqueira
Artista Plástico

Serra extingue delegacias regionais de cultura

2007-06-02T13:18:00.000-07:00

O governador de São Paulo, José Serra (PSDB), extinguiu nesta quinta-feira (31), por decreto, todas as 13 Delegacias Regionais de Cultura do estado, cuja área de abrangência alcança cerca de 400 municípios. Os delegados não foram avisados previamente da decisão - souberam da exoneração apenas ao ler o Diário Oficial do Estado.

“O interior de São Paulo representa dois terços da população. Nós merecemos consideração”, disse, emocionada, a delegada regional de Bauru, Suad Haddad Barrach, enquanto limpava as gavetas para fechar a delegacia (que abrangia 39 municípios, entre eles Botucatu e Jaú). Ela recebia R$ 1,7 mil brutos para exercer o cargo, cuja principal atribuição era favorecer a interiorização da política cultural.

De acordo com o secretário-adjunto de Cultura do Estado, Ronaldo Bianchi, o fechamento das delegacias deveu-se a dois fatores. O primeiro: atender à determinação de Serra de reduzir em 15% o número de cargos de confiança no Estado. Segundo, a busca por “atender melhor” ao interior, o que será feito agora pelas Oficinas Culturais do Estado - essas são organizações sociais geridas por instituições independentes.

Os delegados se queixam de que, desde 2006, não tiveram verba para implementar nenhuma iniciativa. Por outro lado, o Estado investiu R$ 2,5 milhões na realização da Virada Cultural no interior - segundo eles, um evento circunstancial e de efeito apenas publicitário. “Com esse dinheiro, teríamos projetos para seis meses em todo o Estado”, disse Suad.

Fonte: O Estado de S. Paulo

Em Nome de Deus

2007-06-01T06:18:00.000-07:00

Meus compadres e comadres: mais essa agora!

Projeto de Lei em trâmite no Senado quer incluir recuperação de templos religiosos na Lei Rouanet. O autor, Marcelo Crivella (PRB-RJ), é sobrinho de Edir Macedo, fundador da Igreja Universal do Reino de Deus.

Carlos Minuano*

A classe artística e grande parte do setor cultural, depois da polêmica criada recentemente com a Lei de Incentivo ao Esporte, teme agora ter que dividir recursos com as igrejas. A ameaça vem de um Projeto de Lei que tramita no Senado e que propõe incluir os templos religiosos entre os beneficiários da Lei Rouanet de incentivo à cultura. Para o autor da matéria, o senador Marcelo Crivella (PRB-RJ), as religiões e seus templos devem ser reconhecidos como elementos do patrimônio cultural. Crivella é sobrinho de Edir Macedo, fundador da Igreja Universal do Reino de Deus.

A controvérsia espalhou-se rapidamente na internet por meio de diversos textos de protesto que rechaçam a idéia do senador, e ainda na forma de uma petição eletrônica endereçada ao Congresso, pleiteando que a Lei Roaunet continue a ser usada em favor da cultura brasileira e não para “trampolinagens pseudo-religiosas”, conforme argumenta o documento que já teve a adesão de milhares de pessoas. Se o projeto for aprovado, prossegue o texto, “templos de qualquer natureza ou credo religioso também poderão ser beneficiados”.

Procurado por esta reportagem, Crivella, por meio de sua assessoria, afirmou que a emenda apenas sugere uma alteração conceitual. “A religiosidade também é uma manifestação cultural, o texto propõe esse reconhecimento”, observou um assessor que não concordou em ser identificado. O senador, no entanto, parece esboçar um recuo ao pedir atenção para um detalhe do texto que, segundo ele, especificaria que os recursos apenas poderiam ser utilizados em templos do século passado, tombados como patrimônio histórico.

Para a classe artística a defesa apresentada pelo político é uma forma de camuflar a verdadeira intenção. “O que o senador Crivella quer é um absurdo, se fosse realmente para preservação de patrimônio histórico então não seria necessário, já está na lei. Claro que a intenção é de abrir uma brecha”, ressalta Jô Soares. Ele aproveita para reclamar da falta de políticas que tornam o setor cada vez mais vulnerável. “Apesar do Ministério da Cultura estar sob a direção do [Gilberto] Gil, um dos maiores artistas brasileiros, e meu amigo, a atenção dada ao teatro e à classe artística é muito pequena”.

Outra voz indignada com o projeto do senador Crivella é a do ator e autor Juca de Oliveira. Ele observa que os recursos da Lei Rouanet são atualmente insuficientes para as demandas da cultura, e adverte para a as graves mazelas do setor. “Bibliotecas estão sucateadas, obras de arte encontram-se abandonadas em porões de museus, por falta de recursos para recuperação, jovens não conseguem realizar seus sonhos, não me refiro apenas ao teatro, mas à dança, à música e a outros meios de expressão artística, ainda assim o senador quer dar uma ‘mordidinha’ na Lei Roaunet”.

O senador Crivella procura justificar sua idéia afirmando no texto do Projeto de Lei que “nada expressa melhor a formação da cultura brasileira que o caldeamento das diversas religiões, seitas, cultos e seus sincretismos, que, durante séculos, moldaram o processo civilizatório nacional”. Por meio de seus assessores, afirma ainda que os recursos seriam provenientes do mecenato, e que, portanto, não disputariam com a cultura. Para o produtor artístico Nilson Raman, o argumento só indica outro obstáculo a ser enfrentado: as distorções da Lei Roaunet. “Ela foi criada em um tripé: Fundo Nacional de Cultura [FNC], para os projetos que não tem visibilidade comercial; Mecenato para parcerias público-privadas e o Fundo de Incentivo Cultural à Arte [Ficarte], para atender grandes produções. Apesar disso, todos ficam no Mecenato, parece que só existem recursos do Mecenato”. O Projeto de Lei do senador Crivella aguarda para ser votado no plenário do Senado, se for aprovado segue para a Câmara, segundo informações da Subsecretaria de Comissões Permanentes do Senado.

(*) Carlos Minuano é repórter do 100canais - núcleo editorial de jornalismo cultural independente.

O Boteco do Zé (causo)

2007-05-29T18:49:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.
Hoje estou meio saudosista e passei o dia "alembrando" da minha confraria toda lá de Lavras - MG. Lembrei-me de cada um, especialmente do meu "cumpadi" Zé Maria. Esse "cabôco" é um sujeito muito "bão". Tem uma “paciência de Jó”, como diz o outro, mas quando gastam a paciência dele, sai da frente. Seu maior defeito é torcer para o Cruzeiro. Mas não tem problema não! O que seria do futebol, se todo mundo fosse atleticano, não é mesmo?

Mas esse nosso cumpadi, protagonista desse causo, natural de Tiradentes, MG, aprendeu com o saudoso Romário Lima (que Deus o tenha!) a trabalhar com madeira. E não é que ficou bom de serviço, sô! Aliás, não é porque é amigo meu não, mas o Zé Maria, tudo que ele pega para fazer faz bem feito. Levanta uma casa brincando, cuida de roça, conhece de mecânica. Ainda acho também que ele até mexe com força...!

Bem, vamos ao causo. Esse nosso cumpadi Zé Maria, certa feita abriu um boteco lá em Lavras, MG. Ele mais a dona Marusa, seu “Pezim de Arface”, como ele mesmo diz, e estavam tocando a vida lá deles.

Todo dia, no final da tarde, Zé Maria ficava em um canto, do lado de dentro do balcão, e mais dois amigos seus, do lado de fora, contando prosa e tomando uma cervejinha. Aquilo era todo santo dia. Até que, certa feita, adentra seu estabelecimento comercial um cabra que ninguém conhecia e que foi logo dizendo:

- Seu Zé, o senhor bota quatro pinga aí? Uma para mim, outra para o senhor, outra para ele e outra para o outro ali.

Zé Maria atendeu ao homem que lhe pareceu bastante educado. Colocou as quatro caninhas naqueles quatro copinhos de cachaça.
O homem brindou com todos, bebeu e se mandou. Foi-se embora e Zé Maria e seus dois amigos ficaram sem entender nada.

No outro dia, no mesmo horário, volta o homem. Lá estava o Zé Maria, dono do boteco, com seus dois amigos. O homem entra. Pára diante dos três, cumprimenta-os e diz:

- Seu Zé, o senhor bota quatro pinga aí! Uma para mim, outra para o senhor, outra para ele e outra para o outro ali.

Zé Maria, já meio veiaco, atende ao homem. Coloca as quatro doses nos quatro copos. O homem brinda, bebe e vai-se embora. Zé Maria, mais uma vez surpreso, pergunta aos amigos:

- Ocêis cunhece esse home?

- Não, não alembro de ter visto ele aqui em Lavras não! – disse um.

- Acho que eu sei quem é. É um desses que ficaram ao deus-dará, vagando, quando fizeram a Represa do Funil. Agora ês num tem mais onde pescar e ficam por aí, tomando cachaça sem saber nem onde ês tão – disse outro

- Mas eu não tenho curpa, uai. – Brada Zé Maria, indignado. E continua:

- Aliás, eu sempre fui desconfiado dessa tal de represa. Só que agora eu vivo de vender os trem, uai. Ele vem querer levar de graça a única coisa que tenho para vender... Olha, se esse cara amanhã pedir cachaça de novo, tomar e vazar, eu pego ele e dou umas porradas nesse sujeito! Cachaceiro forgado, sô.!

No outro dia, fim de tarde, lá estava o Zé Maria com seus dois amigos. Chega o mesmo cabra e dirige a palavra ao dono do estabelecimento.

- Seu Zé, o senhor bota quatro pinga aí! Uma para mim, outra para o senhor, outra para ele e outra para o outro alí.

Zé Maria colocou as pingas e desta vez ficou de olho. Quando o folgado do cachaceiro quis ir embora o Zé Maria pegou-o pelo colarinho e encheu-o de porrada.

- Agora ocê vai aprender seu filho d’ua égua a não tomar cachaça às custas dos outros. Safado, sem vergonha!

Depois de dar um corretivo no sujeito agarrou-o pelo cu da calça e pelo cangote da camisa e jogou-o lá, no meio da rua.

No outro dia, a mesma cena. Só que desta vez o homenzinho vinha todo estropiado por causa da tunda que tomou do Zé Maria. Cabeça enfaixada, cheio de esparadrapos pelo corpo, mancando de uma perna e o braço direito numa tipóia. Entrou no boteco do Zé e foi dizendo:

- Seu Zé: o senhor bota três pinga aí! Uma para mim, outra para ele e outra para o outro alí.

Zé Maria com aquela cara safada e sorrindo sem aparecer os dentes, pergunta ao cachaceirim estropiado:

- Uai, e prá mim, não?

Ao que ele responde:

- Não, seo Zé. O senhor quando bebe fica muito violento.

OBS: A imagem que ilustra o causo é um óleo sobre tela de João Werner

Prova dos 9

2007-05-28T14:02:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.

Amanhã, terça-feira, às 18:30 horas, estarei no programa inaugural "Prova dos 9", do nosso querido compadre Zé Fernando Chiavenato, no canal 9, da tv à cabo.

Será meia hora de entrevista e algumas intervenções minhas com a rabeca e uma poesia cabocla de Zé Laurentino.

O programa foi gravado na sexta-feira e a gente nem viu o tempo passar. Quando demos fé, ó, meia hora tinha voado.

Mas ficou a promessa do meu retorno e o compromisso de apresentar ao público ribeirãopretano um pouco do trabalho musical que é desenvolvido no Centro Cultural Campos Elíseos. Vamos mostrar nossa Orquestra de Alunos. Garotada com idade até 16 anos mas que toca como gente grande.

Então fica aqui o meu convite: amanhã, às 18:30, Canal 9 - tv à cabo, programa "Prova dos 9", de José Fernando Chiavenato.

PS: esse programa é de terça à sexta. Agora, o José Fernando estará também apresentando um programa de jornalismo de segunda à sexta, às 22 horas, no mesmo canal.

Companheiro de Ofício

2007-05-27T07:24:00.000-07:00

Meus compadres e comadres.

Vai aqui um pouco do trabalho do artista Tancredo da Silva Lima. Este, assim como eu, apresenta-se em público declamando poesias caboclas e contando causos, cuidando para que a chama da nossa cultura popular mantenha-se sempre acesa no coração no nosso povo.

Nós, que vivemos a cultura popular brasileira não encontrando espaço na mídia radiofônica e televisiva (que em maioria esmagadora dissemina produtos de baixíssimo teor artístico e cultural) temos ainda o árduo ofício de lutar contra os sortilégios causados pela ação midiática massificante que anula a referência e o padrão cultural do nosso povo, esteriotipando-lhe as reações e condutas.

Lutamos pela manutenção ou permanência do vínculo com nossa cultura. Lutamos pelo nosso fortalecimento enquanto povo e gene estrutural de uma cultura tão rica. Lutamos contra a bestificação humana.

Há em nós um pouco de Don Quixote, de Macunaíma e Policarpo Quaresma. Mas alegrar, emocionar, refletir e entreter sem alienar são algumas formas do nosso trabalho através do qual buscamos atingir nossos objetivos de não deixar que os massificadores apaguem a chama da nossa cultura popular, enquanto lutamos para tranformá-la numa grande fogueira onde possa queimar e fazer arder todo o lixo cultural que nos é imposto.

E assim, Tancredo da Silva Lima, nosso artista e animador em questão, criou o personagem "Velho Justino" que usa a poesia matuta também para combater o preconceito.

"Anoitecia na Foz do Tejo, e os moradores das diversas comunidades do Alto Juruá se preparavam para dormir. Os motores a diesel eram ligados, acendendo alguns bicos de luz num raio de 1,5 quilômetro. A claridade anêmica espichava sombras no chão.
Da penumbra surgia um velho, negro como a noite, caminhando com a ajuda de uma bengala. Por onde passava, ia descarregando impropérios, e os rostos ao redor eram tomados pela surpresa. Muitos seguiam seus passos, curiosos.

Quando em torno dele se juntava uma multidão de olhos, Justino iniciava seu trabalho teatral, declamando as poesias matutas do mineiro Saulo Laranjeira e dos paraibanos Geraldo Amâncio e Amazan.

As contradições sociais e o abuso de poder são os temas principais de "Conversa de passageiro" e "Viola quebrada", textos recorrentes da apresentação da personagem. No primeiro, um matuto tem a oportunidade de explicar a um "doutor" o estilo de vida dos que moram no campo, desfazendo neste algumas noções preconceituosas.

Trecho de "Conversa de Passageiro"

"Em cada casinha desta
tem dez pessoas ou mais
ali os filhos se somam,
pois suas mães não tomam
anticoncepcionais.

(...)

Só uma coisa é diferente
é que eles tem embaraço
trabalha o senhor com a mente
e eles trabalham com o braço

O senhor num gabinete
que mais parece um palacete
com todo luxo e requinte
pobrezinhos que eles são
não ganham nem um milhão
ganha o senhor mais de vinte".

No segundo, um cantador lamenta a perda da viola, quebrada por um delegado despótico.

Trecho de "Viola Quebrada"

"Eu fico assim assuntando e me alembro de um caso que se assucedeu com João Macambira, quando ele um dia chegando no arraiá, o delegado de polícia, véia formiga que não gosta de cigarra, quebrou a viola de João. E Macambira, com os cacos da viola na mão, assim falou pro assassino de sua grande amiga e véia companheira:

(...)

Seu moço, seu delegado
qué que foi que lhe fiz
pra vosmecê fazê assim?
rebentou minha viola
bateu vinte vezes nimim
o que a pobre da inocente
fez de male, minha gente?
esse farso testemunho
apois quem foi que
levantou?
quem bate numa viola
não está bem certo da bola
bate é no Nosso Senhor!"

As duas histórias são contadas com lirismo e emoção, e aos poucos os risos vão dando lugar à reflexão sobre as desigualdades sociais e o uso desnecessário da força.
Justino declama outras 26 poesias. Mas nem todas são dramáticas como "Conversa de passageiro" e "Viola quebrada". Há quem prefira as confusões hilariantes e escatológicas de "Dieta da farinha".

Por trás das rugas do velho Justino, de sua barba e cabelos brancos, dos membros cansados e sempre dependentes da bengala, está o ator e animador cultural Tancredo da Silva Lima, 36 anos. Há quem não acredite na transformação, de tão realista que é a personagem.

A idéia de criar o "velho" nasceu em 1997, quando Tancredo saiu do grupo do Palhaço Tenorino. O antigo desejo de trabalhar com literatura de cordel e poesia cabocla foi o primeiro passo para a caracterização de Justino.

Nas festas juninas, personagens de ocasião se sucederam até que o último deu uma idéia aproximada do que seria a nova criação. As atividades desenvolvidas por um ano no Projeto Lazer e Cidadania, que reunia idosos da Estação Experimental e outros bairros vizinhos, foi fundamental para que Tancredo definisse voz, postura e gestos do velho Justino.

Mas ainda faltava um detalhe. A mulher do ator, Ana Paula Gonçalves, insistiu para que a pesonagem tivesse barba e bigode. "Descobri que Ana tinha razão, e conclui que estava pronta a minha mais importante criação", diz Tancredo.

Primeiros passos

Em arte todo começo é difícil. Tancredo precisou fazer 19 apresentações gratuitas antes de receber o primeiro cachê. (O valor de cada cachê hoje em dia varia de R$ 50 a R$ 200, e dependendo do cunho social do evento, pode ser gratuita).

Sem remuneração pelo trabalho, ele tinha dificuldades até para comprar a maquiagem que o transformava em Justino.

O desinteresse pela personagem era tanto, que o ator chegou a implorar para fazer uma pontinha num evento do Colégio Aplicação. "Depois da primeira apresentação me encomendaram outras três, só que pagas", conta ele.

No início desse ano, Justino precisou declamar suas poesias na praça Plácido de Castro, em um evento promovido pela Fetacre, e Tancredo sentiu na própria pele a discriminação. "No balcão da Biblioteca Pública o velho foi completamente ignorado, e ao atravessar a rua ninguém se dispôs a ajudar", desabafa ele.

O ator reconhece três preconceitos diferentes contra Justino: pelo fato de ser negro, velho e deficiente físico. Essa constatação deu um rumo diferente à personagem, que segundo ele transcendeu o lúdico para atingir as raias do social. "Com Justino tenho uma grande responsabilidade pedagógica", diz Tancredo.

Daí a preocupação de não fazer do velho um objeto de escárnio. As poesias que declama desempenham papel importante à reflexão da platéia. Tancredo acha que o jovem, principalmente, é tocado pelas mensagens oferecidas por Justino. "Já vi muitos jovens se emocionarem durante as apresentações", diz ele.

Não é à toa que a criatura acabou por modificar o criador. "Justino me tornou mais humano, fez de mim um pai de família mais consciente", conclui o ator.

Extraído do portal "Outras Palavras"

Há 90 anos Monteiro Lobato colocou o Saci na literatura

2007-05-26T08:09:00.000-07:00

O saci completa em 2007 90 anos de nascimento literário pela pena do escritor paulista Monteiro Lobato (1882-1948), principal responsável por propagar essa figura do imaginário popular nacional. O personagem, cujo nome é uma corruptela de Çaa cy perereg, do tupi-guarani, saltou do universo oral para o mundo das letras após pesquisa realizada por Lobato no começo do século 20.

O livro O sacy-perere – resultado de um inquérito (1918) foi publicado pouco depois de o escritor paulista reunir, para o Estadinho, edição vespertina do jornal O Estado de S. Paulo, muitos dos “causos” sobre o duende relatados por leitores de Minas Gerais, do Rio de Janeiro e, principalmente, do interior paulista. O futuro criador do Sítio do Picapau Amarelo convocara leitores a compartilhar informações sobre a criatura “genuinamente nacional”.

A obra, que antecedeu até mesmo Urupês, trazia o inquérito sobre o moleque: havia relatos de constantes aparições nas zonas rurais, a informação de que adorava praticar diabruras, como azedar o leite, embaraçar a crina dos cavalos e esconder objetos da casa. Um dos leitores garantiu: "(...) era um negrinho muito magro, muito esperto, de cima de uma perna só, do tamanho de um menino de doze anos, muito feio, banguela, olhos vivos, rindo sempre um riso velhaco de corretor de praça".

O saci surgiu nas fronteiras do Paraguai, entre os índios guaranis. Mas foram os negros escravizados no país que se apropriaram da figura. E foi então que ganhou feições africanas, gorro vermelho e pito de barro, segundo Mario Cândido, presidente da Sosaci (Sociedade dos Observadores de Saci), associação engajada na missão de não deixar bruxas de Halloween apagarem a imagem do homenzinho perneta no imaginário das crianças brasileiras – hoje, no país, 31 de outubro é dia do saci.

E o duende perneta no universo lobatiano ressurge com destaque no livro O saci, de 1921. E ali é Pedrinho, mais uma vez de férias na casa da avó, que “andava com a cabeça cheia de sacis”. Com tanta curiosidade quanto medo, o menino vai perguntar sobre a criaturinha para tio Barnabé, aquele que “entende de todas as feitiçarias, e de saci, de mula-sem-cabeça, de lobisomem – de tudo”.

Até que um dia Pedrinho consegue capturar um saci num rodamoinho que chega ao sítio com uma peneira de cruzeta. E, no meio da mata, perto de taquaruçus, espécie de bambu onde os sacis nascem, os dois travam diálogos filosóficos sobre a lei da floresta, a vida na cidade, a sabedoria dos homens, a importância da erudição – questionamentos lobatianos.

Fonte: Revista Entrelivros

O Papa não é pop, é punk

2007-05-25T05:28:00.000-07:00

Ratzinger se retrata mas não se desculpa

Para encerrar uma polêmica suscitada por comentário seu no último dia da visita ao Brasil, o papa Bento 16 mencionou ontem os sofrimentos e as injustiças provocados pela colonização e evangelização da América Latina, quando “direitos humanos fundamentais dos indígenas foram muitas vezes pisoteados”. “A memória de um passado glorioso não pode ignorar as sombras que acompanharam a obra de evangelização”, disse o papa. A notícia está em todos os grandes jornais do mundo, hoje.

Há dez dias, no último compromisso de sua visita ao País, ao falar na abertura da 5ª Conferência-Geral do Episcopado da América Latina e do Caribe, ele disse que “o anúncio de Jesus e do seu Evangelho não supôs, em nenhum momento, uma alienação das culturas pré-colombianas, nem foi uma imposição de uma cultura alheia”.

Diante de 162 cardeais e bispos de 22 países, Bento 16 defendeu a conversão dos indígenas à fé cristã como algo que purificou suas culturas e disse que a ação da Igreja Católica gerou uma síntese entre as culturas dos “povos originários” e a fé cristã que os missionários “lhes ofereciam”.

Entre os críticos que se levantaram contra as declarações, o presidente da Venezuela, Hugo Chávez, acusou Bento 16 de “ignorar o holocausto” deflagrado pela chegada de Cristóvão Colombo à América, em 1492, e sugeriu ao pontífice que pedisse desculpas. Líderes indígenas do Brasil disseram que o comentário do papa foi “arrogante e desrespeitoso”.

Ontem, diante de 50 mil pessoas reunidas na Praça de São Pedro, Bento 16 disse que a Igreja “não negligencia as várias injustiças e sofrimentos infligidos pelos colonizadores às populações indígenas”. Complementou que os “crimes injustificáveis” da colonização foram denunciados já na época por missionários como Frei Bartolomeu de las Casas. Reafirmou, porém, que o Evangelho expressou e continua expressando a identidade dos povos da região - e não pediu desculpas.

Pescado do "Diário Gauche"